comics en accion

Harry Gamboa Artwork

2011-12-22T13:10:00.000-08:00

Esta es una muestra del trabajo artistico de Harry Gamboa, artista peruano, ilustrador/dibujante nacido en lima.

esculturas de muestra del artista rolando rodríguez

2011-12-08T16:54:00.000-08:00

Estas son algunas esculturas de muestra del artista rolando rodríguez realizadas en madera talladas a mano, un trabajo artístico de primera línea.
Consultas a su cel. 973900691

Queja ante la universidad la católica por maltrato de personal a mi persona

2011-09-01T11:55:00.000-07:00

Libro de Reclamaciones
Conforme a lo establecido en el Código de Protección y Defensa del Consumidor esta institución cuenta con un Libro de Reclamaciones a tu disposición.

Pontificia Universidad Católica del Perú
Av. Universitaria 1801, Lima 32, Perú
Hoja de reclamación: N° 0000000061-2011
Descripción: Pésima atención al cliente
Nombre de la unidad, programa o curso: seminario la historia del comic
Local: campus universitario
Tipo de reclamo o queja: trato del personal
Detalle:
SRS. DE LA CATOLICA, me apersone hoy día como a las 12.00 am a la católica para iniciar mi seminario la historia del comic en el Perú, para empezar tuve que hacer cola, en la maquina no figuraba como invitado, lo cual me llamo la atención suponía que estaría registrado, después me acerco a la ventanilla 2 y me informa la Srta. Encargada que no aparecía ese evento, que yo era externo, que solo era para los estudiantes, incongruencias.
Tenía una revista donde en una página entera figuraba este seminario y aun así supuestamente no tenían confirmación oficial, que va a llamar al encargado/a, se pasaban los minutos, con una cara de aburrida, le explique que me habían confirmado a mi correo, le aviso al de seguridad, risa y risa y les llegaba altamente mi persona, una chica que entregaba los dnis me dijo que le presentara mi invitación impresa, si no me iban a dejar pasar.
La verdad me parece increíble que en la católica me hayan maltratado de esta manera, me retire a mi domicilio, hago notar que este hecho lo voy a HACER PUBLICO.
Tal parece que Uds., piensan QUE EL PUBLICO ES GANADO y que hacernos perder el tiempo es una forma graciosa de diversión si en caso su dichoso seminario se canceló deberían de comunicar con uno y avisarnos.
Adjunto la confirmación
Estimados señores:
Para confirmarles que están inscritos para participar del Seminario La Historia del Cómic en el Perú, que se inicia el jueves 1 de septiembre, en el aula L-315 de Estudios Generales Letras – Campus PUCP a las 12:00 horas.

Cordialmente,
Ma. Isabel Hinostroza
Instituto Riva-Agüero
Pontificia Universidad Católica del Perú
 Jr. Camaná 459 - Lima 1
 626-6600 y 626-6602
 Fax: 626-6618
Sinceramente váyanse ya saben dónde.

Rescate De Palmeras Centenarias

2011-08-06T17:53:00.001-07:00

Les escribo para ponerlos al corriente del inminente riesgo de tala que corren cuatro palmeras centenarias en un terreno de la calleFernàndez 160 (ref.Parque de la Reserva,centro de Lima).Se trata depalmeras Phoenix canariensis con una altura aproximada de sietemetros,recogidas por la expediciòn Weberbauer a comienzos del S.XX para adornar el ingreso del antiguo consulado alemàn que allì funcionò. La compañìa inmobiliaria està de acuerdo con permitir el rescate de las citadas palmeras;acciòn que mas bien agradecen ya que les evita tener que derribarlas.
Adjunto las fotos del estado actual de las plantas,muy robustas y perfectamente capaces de resistir un transplante a algunos de los parques pùblicos bajo su supervisiòn para reponer las palmeras derribadas en la Av.Portillo por el anterior alcalde.
.Basta excavar hasta descubrir las raìces laterales y cortarlas a unos dos metros de largo.
El transporte de las palmeras requiere de uncamiòn grande y una escuadrilla de cuatro hombres.Las palmeras debenreplantarse un metro mas profundo que còmo se encuentran ahora,para garantizar su supervivencia.Un riego a fondo debe llevarse durante la primera semana despuès del transplante.De no tener otro fin,las palmeras serán derribadas.
Rescatemos estas palmeras centenarias

From Funny Mags To Actual Comics

2011-06-28T09:32:00.000-07:00

Circa 1970 decade,comics were currently named in Lima (Peru) as "funny mags".That was also their popular name.
"Funny mags" were a low-price commercial product,truly cheap.
People in Lima haved then a liking for reading (actually lost, sadly).After a military coup who establish himself as government(1968-1979) imported reading material was banned as considered "imperialist"(understanding it as USA-like).
This gubernamental attitude was a shock isolating the country from our neighbors and of exporters centers because they were considered as a "negative influence for the development of Peru".It looks now very funny,considering the actual openeness for foreign countries,particularly to the United States who that military government look like despicable.
It is also terrible to realize that they considered Donald Duck and Superman harmful for children and by another side put in circulation, at the time, semi-pornographic mags (because the state criteria of that times was that this were not "dangerous fantasies,highly harmful" for the population.Believe it or not.
With the restoration of civil government (1980) Peru opened abruptly to modernity.This included TV series,films,fashion,music and even manners.Also the sexual attitudes reached to an uncomplete maturity,like a a child catapulted to adult-live (or childlish minds in adult bodies,to say it in another way;not capable of an adecuate,moderate behavior).

But,what happens with comics? They are the topic of this article.
Well..,they re-appeared.Naively and with changed prices,this comics were mainly spanish-translations (as that of the now dissapeared editorial house Novaro).
Novaro presented as a novelty three new formats:the standard one (big) best known as "ostrich" format, relatively expensive ; the "eagle" format, the best selled thanks to his economic price and ;the "hummingbird" format, very little (pocket-size).
Formerly,funny mags havent had such dimensions.
Next arrived the comics of editorial house Zinco (of Spaino;new series in
standard format,easily written and with a nice presentation.Selled at newspapers kiosks and supermarkets (as in the then existant retail stores).
By that time makes his apparition a group called Nasca Comics,who taked the opportunity for satisfying the new readers generation ;mainly coarse youth of bad manners,
smug and ignorant...an easy target to get profit.
Centering their activities to the so called Universitary Park,this sellers offered all kind of comics:the Novaro ones, comics of USA an the last acquisitions of Zinco.Fooling buyers making them to believe that they represent exclusively editor house Zinco,offered each issue to minors at no less than twenty dollars.
Haw,haw,haw,...!
Of what I am laughing?,of how the buyers almost shocked to dead when a young street seller offered that same Zinco comics for only 0.30 dollars at the city downtown.Really,for just 0.30 dollars!
The deceived buyers asked the head of the Nasca group of sellers for an explanation .He replied that the street seller guy offered stealed mags or that he by himself reproduced them...it only missed to say that him was the owner of Alladin´s Magic Lamp.
Foolishes!,they deserved that Nasca Group manipulation.The exposed Nasca sellers even get to steal mags from the street seller and to menace him,with no results.
Finally Nasca Group decided to reveal the address of the mags distribution center to the buyers.
The smuggy pseudo-collectors get in turmoil,making shouting mobs in order to get the mags by dozens.The prize was the same one offered by the street seller,0.30 dollars.
By a short period of time some of this mags get to be reselled at distant points of the city at prices reaching 3 dollars the issue.
This awake the greed of the mags distribution center who upraised the prices of the comics now re-called "collection pieces".That was the day in wich cheap "funny mags" dissapeared,alone with price offers and remnant sales,thanks to the goddamn "collectors" (not "funny mags" collectors but comics collectors).Yes,from "funny mags" to comics,that was the point.
"Funny mags" had never produced collectors,because the last ones payed exorbitant prices for an issue.They had been selled in all Lima districts,mainly by street sellers.The prize of the issues,referenced for example to the disappeared kiosks at Dos De Mayo Square,in any case get beyond the 0.30 dollar.
The disappearance of the street sellers at the Lima downtown make the comic market to get in the stores and commercial galleries.Fault of rivalry the comics-fans phenomena appeared with high-priced issues associated with a supposed status of wellness.
Oh,well,that is what at least that street-wandering collectors believe;that paying decenes of dollars for "funny mags" gives them an aura of superiority and power over people.
This equation in his origins obviously favoured plently the Nasca Group,enriching their leaders wich,wich thanks to their well relations with the oficial press,were presented as dedicated business people;focused in the diffusion of comics in Peru.
Now,tell me one fairy tale.Please!
Comics in today form had side-effects,do not forget the related merchandising.This means clothes,postal cards,toys...For God sake,poor of the toy collectors!
A teen stray guy once sayed me that:"I get more money from comic collectors than from drug buyers... ".Terrible,but truth.
Obsessed,in a inner competition trying to demonstrate who is best.Yes,the best one! Ignorancy is terrible,don´t you believe? When will they get awared that all that money could afford studies or to stablish a little business?.Youth is not for ever;but so are lamentations.
Long live to comics! The "funny mags" are dead...Long live to comics in Peru!
P.S.: Please don not expose your money in promises for getting comics from USA,the money will not return...with your comics along.Don't dream! With this trick several youth had been fooled.
It is a pitty how this art pieces have had becomed a terrible,disgusting vice.
They don't called themselves Nasca Group anymore,actually they work for Kingdom Comics...another tune of the same song.
By the way;they make now meetings for the collectors fraternity,inviting freely the general public to assist to their galas.It not matters how much they will grin to you...they only want your money.
Get away from them and keep care of your children! Childs get easily trapped in their claws.The comic vice is worst than that of drugs!
Harry Gamboa (2011)

Sábado 4 de junio del 2011 / Incidente en el Centro cultural de España

2011-06-04T20:29:00.001-07:00

Soy asiduo visitante del Centro cultural de España, el cual dicho sea de paso ofrece al publico limeño una gran variedad de servicios, normalmente abierto a todo tipo de publico sin distinción alguna, en este lugar no existe la marginación, ya sea por raza o condición económica lo cual dicho sea de paso es algo que debería servir de ejemplo a los peruanos y a instituciones peruanas en general.
Liderado por la figura del Sr. Juan Sánchez, una persona correcta, amable, servicial y con ideas innovadoras, por ejemplo el nuevo servicio de la sala de ocio, las mejoras ala infraestructura del local, el contratar personal para atención al publico además de otras mejoras notables.
Pero, siempre hay un pelo en la sopa, en esta institución labora el Sr. Ricardo Tomas Galloso Jara, el cual es la persona encargada de la seguridad de esta institución.
Lamentablemente parece que el saco le queda demasiado grande y que el puesto que ocupa lo ha mareado al punto de sentirse posiblemente el dueño del mundo, la mayoría de personas encargadas de seguridad padecen del mismo tipo de trastorno, complejo de cachaquitis aguda, confunden seriedad con autoridad, o quizás crea que porque es el jefe de seguridad los usuarios también estamos bajo su jurisdicción.
Bueno, lastima yo al menos no. Lastima para este señor.

En el baño de dicha institución, el señor me llamo la atención porque constantemente me llevo papel higiénico en mis bolsillos , recomendándome que en lo sucesivo ya no lo haga, lo cual para empezar me parece una reverenda idiotez, creo que debería preocuparse por ejemplo de que no se lleven cosas de mayor valor material y mucho menos en la forma de hacerlo en presencia de otras personas los cuales también se sintieron incómodos y me brindaron su solidaridad, diciéndome que no tomara en cuenta esta llamada de atención y que ultimadamente ni que lo pagara de su bolsillo para que se comportara de esta manera para con mi persona y cosas por el estilo.
Siempre este sujeto tiene la manía de hacer este tipo de cosillas , no solo conmigo sino con otras personas inclusive recomendado al personal de seguridad para que nos traten y vigilen como delincuentes, si alguna persona quiere cargar unos momentos su celular por ejemplo , da unos gritos como si se tratara del fin del mundo , haciendo hincapié en que debemos solicitar un permiso por escrito del director de dicha institución para realizar esta operación, prohibido el uso de usb, por que infecta las maquinas, pobre que alguien por descuido coja algo o camine por alguna área que supuestamente no puede ser transitada por los usuarios.
Creo que respetos guardan respetos, no es la manera adecuada de dirigirse a las personas, y si tanto se preocupa de la seguridad porque no detecto cuando hace como 2 años atrás se robaron el dispensador del baño incluyendo todo el rollo de p.h. , porque no fiscaliza quien es la persona que se sienta en la computadora y que malogra e infecta constantemente, ya que de manera continua las maquinas no funcionan adecuadamente a pesar de que no se utiliza el usb., porque crea este ambiente de malestar en este ambiente para sentirse posiblente grande y poderoso.
Actualmente estoy laborando en la ONPE , para los señores españoles que posiblemente no conozcan de que se trate, esta institución es la oficina nacional de procesos electorales, hace unos días , visite con la compañía de mi supervisora jefa, para poder realizar unas charlas de capacitación a electores, como parte de la labor que realizamos para que el publico aprenda principalmente la forma correcta de realizar el voto.
El sr. Galloso a pesar de estar uniformados, de portar nuestras credenciales y de solicitarle de manera amable una entrevista con la persona encargada para ver si nos concedía el permiso para poder realizar nuestro trabajo, nos miro de manera despectiva y nos informo que habia salido a comer y que posiblemente estaría de regreso en el lapso de una hora , cuando regresamos de nuevo nos dio vuelta y la verdad mi jefa se aburrió y nos retiramos del cc de España exclamado la sra. la pésima atención al publico y el maltrato de su personal para con nuestras personas.
Considero que ya que la política del CC de España es la de una constante renovación y mejoramiento en el servicio consideren renovar / depurar, a esta persona como lo han hecho con el personal que labora en dicha institución.

P.D.: Si alguna persona mas aparte de mi ha sido afectada por este señor a ver si lo escribe con la esperanza que haga eco en la dirección de este centro cultural y tomen las medidas correctivas del caso.

EL COLECCIONISMO ES UN VICIO

2011-05-06T18:09:00.000-07:00

Un defecto, cuando yo dije esto en nyu, casi se me tiran encima, pero yo reafirmo que el coleccionismo está ligado a la avaricia.
Es una especie de Masturbación, Al Coleccionista no siempre le interesa mostrarle sus objetos a los demás, Estos se suelen hacer públicos cuando muere.
Hay algo de miedo al robo, por lo que los coleccionistas son personas muy recelosas, pero también, algo de fetichismo, ante el efímero placer de encontrar una pieza , surge la angustia por adquirir la infinidad, que no tiene.
El coleccionista nunca es feliz, porque siempre habrá algo que le falte.
Carlos Libedinsky
Extracto De un artículo publicado en la revista COSAS de LIMA / PERU
2 de mayo de 2011
El Coleccionismo es una expresión de ocio puro.
En lima Perú los precursores y promotores del coleccionismo de comics fueron los integrantes del grupo nazca, nombres como Carlos Crisóstomo palomino, Jaime coronel, Humberto chipoco, benjamín guadamur y muchos otros , que a la fecha suman una legión , el parque universitario, park comics, kingdom comic, sugoi, La fuerza etc.

GRAN INAGURACION “COMIC EN EL SIGLO XXI”

2011-03-03T16:13:00.001-08:00

GRAN INAGURACION “COMIC EN EL SIGLO XXI”
Pucha la verdad no se pasen, El día martes 1 de marzo se realizo la inauguración de la exposición “COMIC EN EL SIGLO XXI”, que se presento en la fundación telefónica. Fue bastante pobre y me defraudo bastante, principalmente porque personal de telefónica me informo que la inauguración se iba a realizar solo para gente con invitación y que a algunas personas del público se les iba a dejar pasar el personal de seguridad si se presentaban debidamente arregladas y al final nada de nada, ningún invitado, ningún personaje relevante, sirvieron unas copas del clásico vino rojo de ocasión y eso fue todo.
Y las personalidades invitadas fue un grupo de muchachos bastante malcriados y mal arreglados los que se hacen llamar así mismos grandes COLECCIONISTAS.
Es una lástima que a pesar de ser jóvenes sus padres no se hayan preocupado por darles algo de educación, me hice demasiadas ilusiones lo mejor supongo será para aquellos que paguen la entrada y vayan al hotel a ver el resto de este evento, lo malo que no son precios populares, si lo que desean es promocionar el comic porque no se dejan de tantos festivales y simplemente se ponen a vender comics a precios reales y no a esos precios tan exageradamente elevados.
El comic hace tiempo abandono los quioscos para ubicarse en tiendas de lujo y ser vendidos como tales a pesar de tratarse de simples revistas, mientras los coleccionistas, mayormente estos jóvenes imberbes sigan pagando no hay problema.

ASEGURAMIENTO UNIVERSAL EN SALUD AUS 2010 PROYECTO INEI

2010-12-06T15:56:00.000-08:00

ASEGURAMIENTO UNIVERSAL EN SALUD AUS 2010 PROYECTO INEI
El Instituto Nacional de Estadística e Informática INEI y el Ministerio de Economía y Finanzas MEF, han suscrito un convenio institucional para ejecutar el proyecto de aseguramiento universal en salud AUS 2010.
El AUS tiene como propósito fundamental obtener una base de datos con información socioeconómica actualizada para la evaluación de la elegibilidad de las personas que accederán al subsidio del aseguramiento en salud, dependiendo para ello del personal de campo, especialmente el empadronador o empadronadora capacitado para este fin.
El que tiene la importante misión de obtener información de calidad a través de las entrevistas directas al jefe o jefa de hogar, en cada una de las viviendas a empadronar.
En este sentido el trabajo del empadronador es enfocado en la capacitación brindada a los postulantes a empadronadores, desde una perspectiva estrictamente técnica, es decir enfocada a la presentación, toma de datos y como plasmarlos en las hojas de registro o fichas de trabajo.
El detalle está en que esta labor se realiza en las zonas de extrema pobreza, llámese pueblos jóvenes o asentamientos humanos, mayormente ubicados en la periferia de lima.
Llegar a estas zonas es realmente muy sacrificado y en algunos sectores altamente peligroso, cuando son frecuentados por delincuentes o consumidores de drogas.
El empadronador debe hacer gala de una gran destreza física debido a que las viviendas mayormente precarias están ubicadas en un plano vertical en donde mayormente no existen caminos, agarraderas o gradas, las personas que viven en estos AH están acostumbradas a caminar sobre piedras y tierra resbaladiza.
En zonas como SAN JUAN DE LURIGANCHO, el terreno es rocoso, en VENTANILLA es arenoso, en los AH de lima subes unas escalinatas de cemento larguísimas.
Como ya es costumbre en el INEI a pesar de que los postulantes indican su distrito donde residen, cuando se presentan atrabajar se dan con la ingrata sorpresa de que han sido programados a zonas alejadísimas de su domicilio, por ejemplo personas de lima y el callao son enviadas a san Juan de Lurigancho y viceversa.
Lo cual es realmente incomodo y costoso, levantarse todos los días desde muy temprano de la mañana y tomar mínimo 2 líneas para poder empezar su labor, no se tiene un horario regular establecido, deben cumplir una carga de trabajo diaria de 20 viviendas lo cual motiva que desde muy temprano y hasta muy avanzada hora, en algunos casos hasta de noche tengan que trabajar y en algunos casos sin haber tomado tiempo para ingerir sus alimentos.
En este trabajo un paso en falso y te caes, un mal golpe y puedes lastimarte seriamente, morir o quedar paralizado de por vida.
No es una exageración además estas zonas presentan riegos adicionales como el contagiarse fácilmente de enfermedades infectocontagiosas a las cuales el personal de campo no ha sido vacunado ni dispone de ningún seguro medico, y no hablemos de la mordedura de perros o el ataque de delincuentes.
El equipo de trabajo consiste en un carnet de cartón sencillo y pequeño, una tablilla de madera para que apoyes tus fichas y escribas, un maletín y un chaleco recontra sencillo de tela sintético, similar a esos babes usados por los chicos par jugar al futbol , estampado con el logo del inei .Un lápiz , un tajador y un borrador , recalco 1 nomas. Se molestan cuando pides otro, parece que piensan que son eternos, la mayoría los compra de su bolsillo para evitar problemas con los jefes.
Que sucede tan mal está el presupuesto del ministerio de economía y finanzas o alguien del inei está surtiendo su librería privada con material del estado.
También se imprimen volantes donde se promociona el trabajo que se está realizando sus beneficios y demás para que sea repartido a las personas lo cual es un gran ayuda para realizar este trabajo en campo porque ayuda a combatir la desconfianza hacia personas ajenas a este entorno, lamentablemente te hacen llegar solo 4 o 5 volantes lo cual es un poco ridículo.
Se debe hacer entrega de los viáticos cada semana, la jornada es de martes a domingo con el día lunes de descanso, pero en algunos casos como en el área de lima se quejan que su jefe un tal Cristian no les hace llegar su dinero… seria cuestión de verificar este detalle si es o no cierto.
Hay zonas de alta peligrosidad debido a la delincuencia los mismos pobladores te advierten del peligro, váyanse nomas de las 3 o 4 de la tarde porque bajan los fumones y no creen ni en dios.
Sin embrago los jefes no les inmuta en lo mas mínimo y obligan a seguir trabajando a pesar del riesgo físico a los trabajadores, y de noches hasta les dan una linterna ridícula de mano para que hagan sus visitas.
Se ve que no tienen ni padre ni madre.
Que conste que trato de ser lo más educado y objetivo posible claro está que una cosa es leer esté articulo y otra es estar ahí y arriesgar tu vida.
Debido a lo riesgoso de este trabajo mucha gente se retira, para lo cual y a pesar de no haber firmado ningún contrato de trabajo, personas como la jefa de san Juan de Lurigancho la Sra. MAGALY VELASQUEZ te obliga a firmar una carta de renuncia, a devolver tu tabilla, maletín y chaleco porque de lo contrario no te va dar la conformidad de pago es decir no te van a pagar.
La tablilla puede ser usada por otra persona, pero dudo mucho que un maletín y un chaleco usados se entreguen a personal nuevo que se incorpore.
Nunca he visto ni escuchado a nadie quejarse que te den gorros, polos, chalecos que son prendas de vestir de uso personal, usadas y cuanto termina el trabajo te lo llevas de recuerdo.
Quien quiere acordarse de esto digo yo.
Igualmente se advierte a los que se retiraron antes de fin de mes que no se les va a reconocer por sus días de trabajo, Sera Cierto , si el ministerio de economía y finanzas financia el proyecto a lo mejor sale para todos inclusive para los que se retiraron dándoles el pago por sus días trabajados , y si es así quien cobra este dinero que no es reclamado por sus legítimos trabajadores. La falta de trabajo permite el abuso de y explotación laboral de personas que se ven sometidas a todo tipo de atropellos ya que no existe con quien quejarse, la escala de poder del INEI solo respeta a los jefes, el personal de campo no tiene como denunciar abusos y arbitrariedades, los jefes de proyecto , coordinadores , asistentes y demás cabezas son los mismos de toda la vida, personas como CARMEN MEDINA a pesar de su avanzada edad y pésimo manejo de personal , déspota , irascible , hipócrita , explotadora y autoritaria es intocable en su puesto de trabajo. Será esta la fórmula del éxito para llegar a jefe en el INEI parece que si.
EL Sr. GASPAR MORAN estará enterado que el domingo 22 de agosto del 2010, en la evaluación a los profesores EDNOM, donde la Sra. Medina era la asistente de local, en el colegio Elvira García y García de pueblo libre, una docente que rendía su examen y que estaba en un avanzado estado de gestación fue impedida de salir del colegio a pesar de las recomendaciones tanto del aplicador como de los jefes de aplicadores, porque la Sra. Medina fiel a la orden de que todos se retirasen a una determinada hora no le importo la salud de esta Sra. Docente.
Tuvo que intervenir el señor AUGUSTO JIMENEZ, en su calidad de jefe del local, para autorizar el retiro de la docente del local de aplicación, sin embargo este gravísimo hecho no fue presentado en ningún informe ni comunicado a la Sra. ENRIQUETA ARANGO, por lo cual la Sra. Medina fue felicitada por su excelente labor en lugar de ser al menos amonestada.
QUIZAS SI LA DOCENTE HUBIERA FALLECIDO OTRA SERIA LA HISTORIA
El Sr. Augusto quizás en un arranque de generosidad, no haya querido exponerla para no perjudicar su imagen de Sra. Intachable y responsable trabajadora del INEI.
Lástima que la medina no tenga las mismas contemplaciones para hablar pestes de augusto a sus espaldas, y que podemos decir del Sr. ROMULO CERDA, que como jefe del ENEDU, saca y pone a su antojo a la gente que le agrada o que no usando y abusando del poner que tiene, fiel al estilo INEI, y la verdad no parece que tuviera estudios superiores como muchos jefes aquí.
Es increíble que pongan agente con aspecto y actitudes de verduleros y placeras como jefes de proyectos y pidan gente con estudios superiores que tiene que pasar capacitación y examen para ser admitidos, como personal de campo eventual. Los abusos, maltratos y robos son pan de todos los días, este es el instituto estatal con mayor grado de corrupción en nuestro país.
Ojala que el nuevo gobierno que salga, intervenga, fiscalice y moralice , una cortada de cabezas , empezando por las más altas y la destrucción de las cartas de renuncia que son un estigma para las personas que se vieron engañadas y obligadas a presentarlas.

Christmas Food Court Flash Mob, Hallelujah Chorus - Must See!

2010-12-04T13:34:00.000-08:00

Diana Ross & The Supremes "REFLECTIONS"

2010-11-25T15:04:00.000-08:00

Stylistics--You are everything--LIVE

2010-11-25T15:03:00.001-08:00

Stylistics - You Are Everything

2010-11-25T15:03:00.000-08:00

The Stylistics

2010-11-25T15:01:00.000-08:00

Yvonne Elliman - Love Me

2010-11-25T14:58:00.000-08:00

samantha sang - emotion

2010-11-25T14:57:00.000-08:00

Jackson 5 - Never can say goodbye live!

2010-11-25T14:56:00.002-08:00

NEVER CAN SAY GOODBYE - JACKSON 5 (1971)

2010-11-25T14:56:00.001-08:00

The Jackson 5- Never Can Say Goodbye

2010-11-25T14:56:00.000-08:00

Never Can Say Goodbye - Isaac Hayes

2010-11-25T14:54:00.001-08:00

Gloria Gaynor - Never Can Say Goodbye (1975)

2010-11-25T14:54:00.000-08:00

Gloria Gaynor - Never can say goodbye

2010-11-25T14:49:00.000-08:00

Say Say Say by Paul McCartney and Michael Jackson

2010-11-25T14:47:00.000-08:00

Michael Jackson Pepsi Generation

2010-11-25T14:44:00.000-08:00

Bee Gees - Stayin' Alive ( 1977 )

2010-11-25T14:43:00.000-08:00

The Captain & Tenille "LOVE WILL KEEP US TOGETHER"

2010-11-25T14:37:00.000-08:00

carlos gimenez en el cc de españa ingreso libre

2010-10-19T19:36:00.000-07:00

Conferencia en el marco del Festival Mundo Viñeta.
Carlos Giménez
(Madrid, 1941), es el dibujante español de historietas más importante de las últimas décadas. Se dio a conocer con la serie "Delta99" y con "Dani Futuro", editada en la revista Gaceta Junior. Cronista de la transición política española con su trilogía "España Una", "España Grande" y "España Libre" (1976-1977), en la que utiliza el cómic como medio de comunicación para realizar una ácida crítica de la sociedad española de aquellos años, y autor de un tragicómico retablo sobre los dibujantes españoles de historietas con su serie "Los Profesionales", Giménez es famoso internacionalmente sobre todo por los libros de su serie "Paracuellos", con los que se ha convertido en el máximo exponente español en la utilización de la historieta como medio de reflexión autobiográfica y en un referente internacional de la historia del medio. Mientras que obras como "Rambla arriba, Rambla abajo" y su serie Barrio, que nos habla de la vida en el Madrid de los años 50, acreditan su trabajo en la recuperación de la memoria histórica. A lo largo de su dilatada carrera, Carlos Giménez ha recibido toda clase de distinciones y premios, entre ellos han sido en 2003 la Medalla al merito en las Bellas Artes, en su categoría de oro, del Ministerio de Cultura, el premio a toda una vida dedicada al comic que le ha otorgado el Salón Internacional del Comic de Barcelona 2005 y el Premio del Patrimonio que el Festival Internacional de la bande dessinée de Angoulême le concedió en 2010.

Irresponsabilidad y Maltrato a las Personas por Parte de funcionarios del INEI

2010-10-12T15:59:00.001-07:00

Irresponsabilidad y Maltrato a las Personas por Parte de funcionarios del INEI
El día lunes 11 de septiembre del 2010, cerca de la 1.00 pm me llamo a mi celular la Sra. Carmen Medina CEL: 991685982 avisándome que tenía que acercarme a la base de Jesús maría para que participara de un curso de capacitación que iba a durar una semana para trabajar en el proyecto edenu 2010,que tenía que responder si iba o no a venir o de lo contario convocaba a otra persona para este proyecto, le conteste que sí, me acerque a mi domicilio, y de ahí al inei, tome una unidad vehicular que se dirigía al casino de la policía con base en Huampani, le envié mensajes de texto avisándole que estaba en camino que la Sra. Medina no me respondía.
Finalmente después de una travesía de más de una hora de viaje, llegamos al casino. la sra. Medina ni me saludo, en la camioneta estaba el chofer, 2 chicas mas, otro señor y el Sr. Jaime Florián que iba también a internarse. Yo lo conozco porque he trabajado con él en otro proyecto del INEI.
La sra. Medina nos hizo pasar a un salón grande donde un señor que no se identifico, un tipo de rasgos andinos y de lentes, el jefe del proyecto ENEDU nos entrevisto , cuando me toco mi turno, me miro de manera despectiva de pies a cabeza, me comenzó a pedir referencias laborales del inei, inei ya no entrega referencias laborales, certificados, nada.
Me comienza a sacar una de pretextos y finalmente me dice que mi currículo supuestamente no era adecuado para ese puesto de trabajo y que me retirase porque si no iba a tener problemas porque yo no era adecuado para ese proyecto.
¿Entonces para que me llamo la sra. Medina con tanta urgencia?
Hacer un viaje hasta huampani solo para divertirse con mi persona ?
El supuesto jefe de proyecto hasta se burlo de mi cv porque como soy dibujante pongo muestras de dibujos realizados por mí para diversas empresas, igualmente por el hecho de que pongo Hasta de los colegios particulares donde yo he estudiado mi primaria y secundaria completa.
Qué culpa tengo yo que el INEI contrate y ponga como jefes de proyecto a personas de rasgos andinos, que ni siquiera saben hablar con la debida propiedad y educación , tienen la costumbre de poner a este tipo de personas como jefes de proyectos, imagínense Uds. Y estos ignorantes son los que nos califican a nosotros y para personal de campo te piden una maestría en Harvard de de ser posible.
La vara del INEI es algo descarado, acaso creen que nadie se da cuenta que las personas ignorantes y los seniles como la Sra. Medina que fácil pasa de los 60 y pico años de edad y debería descasar en un asilo para personas de la 3ra edad, son realmente adecuados para trabajar… por favor.
Las personas de campo somos los que llevamos los proyectos adelantes y estos sinvergüenzas se la llevan fácil , eternamente están el INEI mientras que los demás tenemos que postular y amenos que tengas una buena vara como ellos no pasa nada contigo, muchos jefes inclusive tienen metida a toda su familia.
Ojala que ahora que se acaba este gobierno aprista el nuevo gobierno ponga mano dura, fiscalice y haga respetar nuestros derechos, fácil te sacan y te ponen a su gusto, y si ni les caes te sacan con pretextos de lo más cojudos.
Malcriados, prepotentes, insolentes, ladrones, te hacen trabajar horas extras que nunca te pagan , te hacen firmar por cosas que nunca te dan porque supuestamente se les va a dar los que pasen la capacitación ¿ y entonces porque nos obligan afirmar esos cargos de recibidos.?
Hasta para pagarnos nuestros sueldos te piden que entregues tus recibos de honorarios en blanco ( LAS 3 COPIAS ) , firmamos los contratos después de acabado el trabajo para que uno no pueda reclamar absolutamente nada.
Nos piden certificados de trabajo cuando no nos quieren dar ningún tipo de certificado laboral o cosa por el estilo como si nunca uno hubiera trabajado en este lugar.
¿Algún día se hará justicia en este país?
¿Cuánto tiempo más se permitirá y se encubrirá todo este tipo de atropellos ,sinvergüencerías y malos funcionarios.
Y así hablan de racismo todavía, para tener trabajo en este país tienes que ser corrupto y ser de origen provinciano si no ya fuiste.

ALACAZAM THE GREAT THE ORIGINAL SON GOKU

2010-07-23T17:12:00.000-07:00

la muerte de superman en español

2010-07-20T16:11:00.000-07:00

la muerte de superman en español

Colección de pulseras harry gamboa 2010

2010-07-16T15:22:00.000-07:00

Colección de pulseras harry gamboa 2010

El sr. gamboa diseña diversos tipos de artículos, todos hechos a mano a precios accesibles .Este es un avance de dicha colección mayor informes comunicarse a artista646@hotmail.com.

Redefinición de las prácticas artísticas

2010-06-18T19:30:00.000-07:00

1. No somos artistas, tampoco por supuesto "críticos". Somos productores, gente que produce. Tampoco somos autores, pensamos que cualquier idea de autoría ha quedado desbordada por la lógica de circulación de las ideas en las sociedades contemporáneas. Incluso cuando nos auto-describimos como productores sentimos la necesidad de hacer una puntualización: somos productores, si, pero también productos.

Nuestro propio trabajo, la actividad que lo concreta, es en realidad el que nos produce. Quizás incluso podriamos decir que nuestro trabajo tiene que ver básicamente con la producción de gente, gente como nosotros. No preexistimos (nadie preexiste) en punto alguno a esa producción. La cuestión de la identidad del autor o su condición es una cuestión definitivamente trasnochada. Nadie es autor: todo productor es una sociedad anónima -incluso diríamos: el producto de una sociedad anónima.

2. La figura del artista vive en tiempo prestado. Nutrida por fantasias e imaginarios pertenecientes a otros ordenamientos antropológicos, el conjunto de distanciamientos e inclusiones que prefiguran su lugar social, asignándole una cierta cuota restante de poder totémico, ya no hace al caso. Quienquiera se sitúe hoy por hoy bajo advocaciones semejantes cae de lleno o en la ingenuidad más culpable o en el cinismo más hipócrita.

3. No existen "obras de arte". Existen un trabajo y unas prácticas que podemos denominar artisticas. Tienen que ver con la producción significante, afectiva y cultural, y juegan papeles específicos en relación a los sujetos de experiencia. Pero no tienen que ver con la producción de objetos particulares, sino únicamente con la impulsión pública de ciertos efectos circulatorios: efectos de significado, efectos simbólicos, efectos intensivos, afectivos.

4. Por más de una razón deberíamos asemejar el trabajo del arte al del sueño: es una producción que induce formaciones de superficie que expresan, que traducen aproximadamente, un estado descompensado de energías. Lo esencial en ellas no es la forma o apariencia que adquieren en un instante dado: sino el campo de intensidades, o sea el diferencial de potenciales, -en que se efectúan.

5. Esa producción nunca debe confundirse con objeto o forma alguna: es un operador que se introduce con eficacia en algún sistema dado, desestabilizando la ecuación de equilibrio que lo gobierna. Pero tampoco conviene hacer mitologia al respecto. El modo en que esta desestabilización opera es algo muy parecido a la introducción de un mero clinamen, algo tan elemental y frecuente como lo que posibilita que dos gotas de lluvia cayendo a la vez desde la misma nube y hacia la misma tierra tengan la capacidad de, en algún punto de sus trayectorias relativas, chocar conocerse, digamos.

6. Describir a las actuales como "sociedades del conocimiento" -o todavia peor, como "sociedades del capitalismo cultural"- parece olvidar hasta qué punto su constitución se realiza, precisamente, sobre la consagración exaltada de la estulticia, de la ignorancia. Asumamos no obstante que cualesquiera de esas figuras no son más que un grado de las otras -quizás su grado cero. Y admitamos entonces también denominar a las nuestras "sociedades del conocimiento" o del "capitalismo cultural" -pero siempre bajo la observancia rigurosa de esa cláusula cuantitativa, gradualizada, y precisamente hacia lo más bajo. Queremos decir: siempre que pueda entenderse que como tales sociedades del conocimiento las contemporáneas podrían de hecho caracterizarse, con el mayor de los aciertos, como "sociedades del (escasisimo) conocimiento" o incluso como "sociedades del capitalismo (in)cultural".

7. El trabajo del arte ya no más tiene que ver con la representación. Alguien pensaria que el del sueño -ese que induce un "contenido aparente" en quien revive el "latente", o lo cuenta por la mañana- tiene que ver con la "re-presentación"? ¿De qué?

Negativo: el trabajo del sueño expresa una economía de las fuerzas, una tensión de las energías, una disposición de la distribución diferencial: es una melodía del deseo, nunca su pintura; es presencia, nunca re-presentación. Ese modo del trabajo que llamamos artístico debe a partir de ahora consagrarse a un producir similar -en la esfera del acontecimiento, de la presencia: nunca más en la de la representación. No queda nada digno que representar, no queda dignidad alguna reivindicable en la tarea del representar. Ya no es sólo aquello de "no cometer la indignidad de hablar por otro" sino que ningún signo, efecto, objeto, figura, ninguna entidad o existente, puede pretender dignidad alguna si su trabajo es única o principalemente valer por otro, representarle.

8. No existen este mundo y el otro. El arte no puede seguir reivindicando habitar una esfera autónoma, un dominio separado. Ni siquiera para argumentar la operación "superadora" de su estatúto escindido. La clase de los objetos es única, todos ellos gozan del mismo calibrado y adolecen de la misma carencia "objetiva" de fantasmalidad. Si el trabajo del arte tiene todavia que ver con el "fantasma", con la circulación de las ideas (en su inconcreción caracteristica) y la productividad del sentido o las energías deseantes (en su difusión magnificente), empieza a ser hora de no confundir ese halo con nada apegado a la materialidad de algún orden de "objetos especificos".

9. Las transformaciones de las sociedades actuales determinan la completa inadecuación del régimen actualmente hegemónico de circulación pública de la producción artistica. Esto en lo que se refiere de modo particular a dos circunstancias: 1. el deslizamiento del significante visual hacia el territorio de la imagen movimiento -y la consiguiente obsolescencia creciente de los dispositivos espacializados de organización de la recepción, de los modos de la expectación; y 2. la misma espureidad de cualquier requerimiento de objetualización determinada.

No ya que mucha de la energía resultante de una práctica artística cualquiera no requiere culminarse o concretarse en objeto único alguno. Ni siquiera en objeto multiplicado alguno.

Para las nuevas prácticas no es ya que carezca por completo de sentido hablar de original -ni siquiera lo tiene hablar de las copias (como no lo tiene hablar de copias cumplido el tránsito del disco hacia el MP3). El tiempo en que el régimen de circulación pública de los productos resultantes de las prácticas artísticas se refería a algún tipo de "objetos" está, por completo, cumplido y acabado.

10. En las sociedades del siglo 21, el arte no se expondrá. Se producirá y difundirá.

11. Nos interesa investigar la inadecuación creciente de los antiguos dispositivos espacializados de articulación de la recepción social de las prácticas artísticas (museos, galerias de arte). Pero no porque sea nuestro interés mantenernos instalados en la lógica antitética entre arte e institución-Arte; esa lógica nos resulta manida hasta el hastio y vaciada de cualquier potencial efectivo: quienes insisten en definirse con respecto a ella caen de inmediato en el polo de lo exhaustivamente institucionalizado, pues éste justamente se escribe bajo la figura de esta lógica. No entonces por tal razón sino más bien porque en la exacerbación de ese momento de inadecuación creciente, tanto las prácticas artísticas como la institución que regula su inscripción social se ven obligadas a evolucionar.

12. Toca evolucionar, si. Basta de darle cuerda a la fabulación falsamente "re-volucionaria" en lo que se refiere a las prácticas artísticas, -fabulación que no hace más que anclar la forma de las prácticas en un pasado bloqueado, autocomplacido en la irresolubilidad paradojal de su lógica antitética. Nada que tenga la forma de la negación calculada de si misma hace otra cosa que preparar indisimuladamente la coartada del compromiso cumplido anticipando el momento de su absorción integrada.

13. La que describiríamos como lógica antitética de la institución-Arte (es decir: la característica de la formación del espíritu objetivo que heredamos como pasado constituyente, la herencia de lo moderno) tiene esta forma: que para ser arte debe precisamente negar serlo, que para entrar en la institución-Arte debe precisamente aparentar (y adoptar el tono más convincente posible al respecto) que la pone en cuestión, que la rebasa, que la excede, que la desborda.

14. La que describiriamos como trasnochada lógica antitética de la obra tiene una estructura similar, la de un si es no es. Si no se le reconocia arte reclamará venir a serlo (lógica del readymade, de los otros comportamientos, de las actividades otras). Si se le reconoce serlo, deberá entonces serle negado algún valor en esa condición (lógica del pronunciamiento antiartistico).

15. El tiempo de esta "lógica generacional" -pues muy pronto deja de ser una mera lógica de la falsa conciencia para resolverse en una economía de la evolución presidida por la gobernación de un principio adaptativo, tipo "selección natural" ese tiempo toca a su fin. El que quiera presentarse a si mismo como otra cosa que coro repetidor de un academicismo prefijado, que se invente un estribillo menos complaciente que el de la expresión antitética. Fin de juego para la herencia Duchamp.

16. Dos figuras que marcan el carácter "falsamente" politico de un arte hoy obligado a resultar, como tal, "correcto": 1. la falsificatoria declaración de estar al margen de los procesos universalizados de la producción, y 2. la falsificatoria declaración de estar al margen igualmente de la exhaustiva "administración" del mundo social contemporáneo. Dicho de otra manera: la puesta en fantasmagoría de dos imaginarios interesados -queremos decir: cuya producción interesa por encima de todo al "capitalismo cultural" contemporáneo- el de que es posible un mundo sin mercado y el de que es posible un mundo sin estado, lo público y la ciudadania sin su administración.

Empobrecidas fantasias legitimadoras cuya postulación hipotética, fabuladora, a nadie beneficia tanto como a quien justamente trabaja para que bajo ninguna consideración y en el más minimo territorio esas fantasías sean realizables -sino como tales fantasías.

17. Ni al margen del Estado ni al margen del mercado, el trabajo que realiza el productor artístico se sitúa en la órbita de cualquier otra actividad, de la actividad cualsea. Es, como todo el resto del trabajo que realizan cualesquiera otros ciudadanos, una mera actividad productiva y su espacio de inscripción no es otro que el dominio público, el espacio social, definido por los actos de intercambio. Nos guste o no, en las sociedades actuales este espacio se encuentra exhaustivamente prefigurado por la actividad económico-productiva, bajo cuya administración se decide la forma reglada de todo intercambio social.

18. El arte ha dejado de pertenecer al orden de una economia simbólica presidida por las figuras antropológicas del derroche, de la sobreproducción. El artista contemporáneo no puede aceptar seguir oficiando de chamán de la tribu, de liberado en las nuevas formas del potlach contemporáneo. En las nuevas economías de la falsa opulencia sostenida el artista no puede aceptar que su práctica se inscriba de ninguna manera en los registros de forma actualizada alguna del lujo.

19. La transformación de las nuevas sociedades sitúa en primer plano el trabajo inmaterial, la producción de sentido y afectividad, el trabajo intelectual y pasional. El desafio más importante que las prácticas artisticas contemporáneas enfrentan apunta a redefinir su papel antropológico en relación a este gran desplazamiento.

20. La vieja circunscripción de la idea del trabajo a la economia productiva y la producción de objeto está quedando patentemente obsoleta, y no sólo por el desproporcionado mayor peso que la economia financiera y de la pura circulación de capitales está adquiriendo en las nuevas sociedades, sino también por el hecho de que la producción inmaterial y la circulación del sentido, de la información, se están convirtiendo en las modalidades de intercambio mas importantes en las sociedades emergentes.

21. Quizás lo más característico de las nuevas sociedades es en efecto su transformación estructural en cuanto a las relaciones de producción, su terciarización. En las sociedades del postfordismo, la parte más importante del trabajo que se realiza ya no tiene por objeto la producción de bienes materiales, sino que se orienta a la producción intelectual y afectiva, a alimentar nuestras necesidades de sentido y deseo, de significado y placer. Al mismo tiempo, también el consumo de bienes inmateriales, cuya circulación está regulada por las industrias culturales definitivamente fundidas con las del ocio y la comunicación, está tendiendo a convertirse también en el modo principal del consumo.

La consecuencia es que la centralidad antes ocupada en cuanto a la generación de riqueza por la posesión del capital bascula ahora hacia la posesión de la propiedad intelectual, objeto principal de la nueva reordenación del sistema capitalista. Las prácticas artísticas deben encontrar su lugar en relación a todos estos procesos de transformación.

22. La propiedad intelectual y el derecho de autor, como tales, se van a convertir en el caballo de batalla principal de este recentramiento contemporáneo de las relaciones de producción. Las figuras del plagiarismo utópico o la sindicación de la autoría cuya mejor eficacia se ha ejemplarizado hoy en el terreno del software libre- suponen al respecto puntas de lanza de una gran estrategia por desplegar que dirija su política a la generación de los dispositivos y agenciamientos que permitan la libre circulación y el acceso universal a a la información, modificando definitivamente al respecto la relación entre productores y utilizadores.

Se impone superar el esquema verticalizado emisores receptores para establecer una economia radial y desjerarquizada de usuarios, un rizoma de utilizadores actualizando la fórmula utópica de la comunidad de productores de medios.

23. Es preciso encontrar fórmulas que simultáneamente respeten el derecho de autor y el derecho colectivo de acceso púbico libre y abierto a la totalidad de los saberes y las prácticas de producción simbólica, revisando de forma profunda el concepto de propiedad intelectual. El que manejamos viene heredado de un tiempo en que las nociones de identidad, autoría y propiedad se asentaban en presupuestos jurídico-bio-religiosos, y no, como ahora deben replantearse, en función de consideraciones de orden bio-tecno-político.

24. El recentramiento que trae el trabajo inmaterial al centro operacional mismo de las nuevas economías supone una gran transformación: todo el espectro de una producción que antes era considerada "superestructural" ha pasado a convertirse en la parte nuclear del comercio antropológico contemporáneo.

25. Si las nuevas sociedades pueden hoy ser definidas como sociedades del trabajo inmaterial, sociedades del conocimiento, hay que reconocer entonces que a las prácticas de producción simbólica -a las actividades orientadas a la producción, transmisión y circulación en el dominio público de los afectos y los conceptos (los deseos y los significados, los pensamientos y las pasiones)- les incumbe en ellas un papel protagonista, absoluta y seriamente prioritario. El artista como productor ya no opera en ellas como una figura simbólico-totémica, sino como un genuino participante en los intercambios sociales de producción intelectual y producción deseante.

26. Primera responsabilidad: la aqduirida en cuanto a la producción de formas de socialización e individuación. Los viejos mecanismos de la reproducción social -la familia, la educación, la religión, la patria, todos los antiguos dispositivos articuladores de relatos de reconomimiento, las maquinarias abstractas productoras de elementos de identificación a través de la adhesión tácita a un sistema complejo de creencias implicitas o explicitadas- han dejado de funcionar como tales, y el encargo de proporcionarle al sujeto en su proceso de construcción herramientas de reconocimiento o identificación ha sido cedido, o desplazado, hacia agencias mucho más lábiles y flexibles, en las que el peso del "imaginario" visual circulante capaz de devenir-colectivo es decisivo.

El poder de la imagen, de la "cultura visual" al respecto es casi absoluto y los productores de esa "cultura visual" harian bien en conocer y asumir la desmesurada importancia que ella ha adquirido, y en consecuencia, su creciente responsabilidad (una responsabilidad para la que, todo debe ser dicho, no siempre se encuentran suficientemente preparados).

27. Por tres vias diferentes las nuevas prácticas artísticas están asumiendo esa responsabilidad. En primer lugar, por la via de la narración. La utilización de la imagen-técnica y la imagen-movimiento, en su capacidad para expandirse en un tiempo-interno de relato, multiplica las posibilidades de la generación de narrativas. En segundo lugar, por la vía de la generación de acontecimientos, eventos, por la producción de situaciones. Mas allá de la idea de performance y por supuesto mucho más allá de la de instalación- el artista actual trabaja en la generación de contextos de encuentro directo, en la producción especifica de micro-situaciones de socialización. La tercera vía es una variante de ésta segunda: cuando esa producción de espacios conversacionales, de socialización de la experiencia, no se produce en el espacio fisico, sino en el virtual, mediante la generación de una mediación.

El artista como productor es a) un generador de narrativas de reconocimiento mutuo; b) un inductor de situaciones intensificadas de encuentro y socialización de experiencia; y c) un productor de mediaciones para su intercambio en la esfera pública.

28. El artista como productor interviene, cada vez más en el tiempo real del dominio de la experiencia, no en el del tiempo diferido de la representación. Esto se hace tanto más indiscutible cuanto más entendamos el tiempo real en términos de tiempo de sincronización de la experiencia, tiempo compartido y de encuentro entre los sujetos de conocimiento y pasión. Cada vez más, el artista es un productor de directo ...

29. Segunda gran responsabilidad del productor artistico en las sociedades actuales: la que le concierne en relación al proceso de "estetización" difusa del mundo contemporáneo sin el que el nuevo capitalismo no sería pensable. Si el efecto del capitalismo industrial sobre el sistema de los objetos (y por ende sobre el sistema de necesidades, y el de las relaciones) fue su transformación generalizada a la forma de la mercancía, podría decirse que el efecto más característico del capitalismo postindustrial es la estetización generalizada de tal mercancía, la transformación de ésta (y por ende del sistema de necesidades, y el de las relaciones, sometido por tanto a una segunda metamorfosis) a su forma estetizada. Lo que preside en efecto la circulación social actual de objetos, bienes y relaciones, no es ya el valor de uso que podamos asociarles ni aún el valor de cambio: sino, y por encima de todo, su valor estético, la promesa que contiene de una vida más intensa, más interiormente rica.

30. La religión de nuestro tiempo se llama: justificación estética de la existencia cumplida bajo una forma evidentemente abaratada, trivial si se compara con su diseño en el programa romántico, en Nietzsche. Su efecto supone la realización de nuestro tiempo como tiempo del nihilismo culminado pero de nuevo a precio de saldo, como de segunda mano.

31. Los mecanismos sociales de reconocimiento y diferenciación, de socialización y subjetivación, de pertenencia a un grupo social y distinción dentro de él, se hacen reposar por encima de todo en el valor estetizado, y es la carga de éste que el nuevo capitalismo añade a objetos y relaciones, materiales o inmateriales, la que determina su nuevo valor social. Tanto más en un mundo globalizado, en el que la circulación de bienes, formas y mercancías trasciende cualquier frontera y entorno geo-bio-político de identificación especifico: en este mundo globalizado de señas de identidad extraviadas, las necesidades de implementar esos mecanismos de producción de identidad y diferenciación crecen exponencialmente.

32. El trabajo que al respecto concierne a las prácticas artísticas tiene entonces que ver con la producción de imaginario en las sociedades del trabajo inmaterial. A nivel genérico, ideológico, éste se aboca a 1. la implementación de imaginarios alternativos a los dominantes en el proceso de globalización y 2. la aproximación critica a los mecanismos y modos de producción de representación propios de las industrias culturales y del entretenimiento.

33. Lo que está en juego en las nuevas sociedades del capitalismo avanzado es el proceso mediante el que se va a decidir cuáles son y cuáles van a ser los mecanismos y aparatos de subjetivación y socialización que se van a constituir en hegemónicos, cuáles los dispositivos y maquinarias abstractas y molares mediante las que se va a articular la inscripción social de los sujetos, los agenciamientos efectivos mediante los que nos aventuraremos de ahora en adelante al proceso de devenir ciudadanos, miembros de un cuerpo social.

Es preciso intervenir en esa dinámica, reconociendo la dimensión altamente politica que comporta.

34. Resistir al efecto de desintensificación, empobrecimiento cualitativo y expropiación de lo auténtico de la experiencia que caracteriza a su gestión por las industrias del espectáculo puede ser el leit motiv de una nueva politica. Una nueva politica que frente al desorbitado potencial que poseen las industrias contemporáneas del imaginario pueda ser capaz de agenciar lineas de resistencia y modos de producción alternativa de los procesos de socialización y subjetivación.

Acaso en esa tarea -la de esa nueva politica definida en la era del trabajo inmaterial- las prácticas artísticas lograrán encontrar, en un proceso de transformación de las sociedades actuales que tiende a convertirlas en meros instrumentos de legitimación -cuando no en triviales generadoras de bibelots de lujo para las nuevas economias inmateriales- sus mejores argumentos de futuro, su más alto desafio -o cuando menos una buena razón de ser en el siglo que ya comienza.

LSA

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HOME (English with subtitles)

2010-06-15T16:22:00.001-07:00

HOME (English with subtitles)
We are living in exceptional times. Scientists tell us that we have 10 years to change the way we live, avert the depletion of natural resources and the catastrophic evolution of the Earth's climate.

The stakes are high for us and our children. Everyone should take part in the effort, and HOME has been conceived to take a message of mobilization out to every human being.
For this purpose, HOME needs to be free. A patron, the PPR Group, made this possible. EuropaCorp, the distributor, also pledged not to make any profit because Home is a non-profit film.

HOME has been made for you : share it! And act for the planet.Yann Arthus-Bertrand

HOME official website
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PPR is proud to support HOME
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HOME is a carbon offset movie
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superheroes marvel

2010-06-06T08:58:00.000-07:00

Spider-Woman (Jessica Drew)
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Spider-Woman (Jessica Drew)
Publicación Marvel Cómics

Primera aparición Marvel Spotlight #32 (febrero de 1977)

Creador(es) Archie Goodwin
Sal Buscema
Jim Mooney

Características
Nombre real Jessica Drew
Afiliaciones actuales Nuevos Vengadores, S.H.I.E.L.D., HYDRA

Afiliaciones anteriores Héroes de alquiler

Habilidades Fuerza, velocidad, resistencia, agilidad, reflejos y sentidos sobrehumanos.
Vuelo limitado a distancias cortas, creación de feromonas, adherencia a superficies, descarga de energía desde sus manos.
Inmunidad a radiación y venenos
Spider-Woman es un personaje de ficción del Universo Marvel, creado en 1977 como contrapartida femenina de uno de los grandes iconos internacionales de la editorial Marvel, y de los cómics en general: Spiderman. Las versiones femeninas de personajes como Spiderman o, por ejemplo, Hulk (She-Hulk), nacen con la intención de evitar que la competencia desarrolle contrapartidas a sus personajes estrella.
Historia
Siendo pequeña, mientras vivía al lado de sus padres en las faldas de la Montaña Wundagore, fue picada por una venenosa araña originaria de la zona. Su padre, en un intento de salvar su vida, la inoculó con un suero aún no probado, que no sólo la salvó, sino que transfirió algunas de las habilidades de la araña a la pequeña Jessica.
Más adelante fue contactada tanto por la Organización S.H.I.E.L.D. como por HYDRA, jugando un doble papel como agente de Hydra y como agente de S.H.I.E.L.D., siendo este último su verdadera afiliación. Respondiendo únicamente ante Nick Fury, Jessica obtuvo el grado de Agente Especial.
Más adelante, cansada del rumbo en que su vida giraba, fundó Investigaciones Drew, una agencia privada de investigaciones.
En eventos recientes, la fuga originada en la prisión para supercriminales La Balsa, la empujó a usar nuevamente su disfraz y, aunque renuentemente al principio, formó equipo con el Capitán América, Iron Man, Spider-Man, Power Man, Ronin y Wolverine para crear los Nuevos Vengadores. Tiempo después se descubrió que Esta Spider-Woman no era la real, sino que era la reina Skrull Veranke, disfrazada, para preparar la Invasión a la tierra de las tropas Skrull
Serie Animada
En 1979 se realizo una serie animada , pero a diferencia del cómic Jessica Drew dirigía una revista llamada:"Justicia" en la cual la acompañaban su sobrino Billy y el fotógrafo Jeff, quien era su interés romántico. Los villanos no eran los mismos del cómic, apareciendo Kingpin en un capítulo, los demás villanos fueron:"El Gran Magini"(Un ilusionista que extorsionaba al gobierno);Limara(una alien que usaba una máscara como la de Darth Vader, atacaba a la gente mientras dormía), Shanna(Una reina amazona que lideraba un grupo de amazonas descalzas que robaban el oro del fort knox)y también unos vikingos que viajaban por el tiempo con un cofre.Cabe decir que en la serie aparecería su contraparte masculina Spider-Man en 2 episodios.La serie duro una sola temporada de 16 capítulos y no hubo alguna adaptación en cómic.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Spider-Woman_(Jessica_Drew)" Spider-Woman
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En los cómics del universo Marvel existen varios personajes con el nombre clave Spider-Woman:
• Jessica Drew. La primera mujer araña, que pidió permiso a Spiderman para usar Spider-Woman como nombre clave.
• Julia Carpenter. Vengadora y compañera de Iron Man en su serie de animación. Más tarde cambió su nombre clave por el de Arachne.
• Spider-Woman (Mattie Franklin). Aparecida por primera vez en Spectacular Spider-Man #263. Luego tuvo su propia serie.
• Madame Web. Su nombre original es Cassandra Web, pero también se la conoce como Spider-Woman.
• Spider-Woman (Charlotte Witter). Apareció por primera vez en Amazing Spider-Man (vol. 2) #5. Nieta de Madame Web.
• Ultimate Spider-Woman. Su primera aparición fue en Ultimate Spiderman #98.
Enlaces externos
Portada de SpiderWoman (v3 #1) Se puede ver a las diversas Spiderwoman

Julia Carpenter
Arachne (Julia Carpenter), conocida como la mujer araña, es un personaje de ficción y superheroína en el universo de Marvel Comics. El personaje apareció por primera vez en Secret Wars, volúmen 1 #6.
Historia
La segunda Mujer Araña obtuvo sus poderes por obra de una organizacion secreta, fundada para crear superhéroes controlados por el gobierno. Julia Carpenter fue la primera paciente por lo que le inyectaron una fórmula experimental que la transformo en Spiderwoman II.
Tras el tratamiento, descubrió que tenía unos poderes sorprendentes entre los cuales podía tejer una telaraña de hilos creada de forma psíquica con la que podía atrapar a cualquiera, desprendía la suficiente psi-energía por las manos y los pies para adherirse a las paredes y además poseía una fuerza sobrehumana que le permitía levantar toneladas, así como una gran velocidad, reflejos y agilidad increíbles. Luego se le cambiaria el nombre a "Aracne".
La primera aparición fue en Secret Wars No. 6,pero solo apareció una sombra(en la última página),por tal motivo considero que la primera aparición fue en Secret Wars No. 7.
Apariciones
Televisión
Apareció en la serie animada de Iron-man en 1994,donde seria un personaje recurrente en las 2 Temporadas de la serie.
Videojuegos
También aparece en Marvel: Ultimate Alliance como una variante de Spiderwoman en el traje.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Julia_Carpenter"Spider-Woman (Mattie Franklin)
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a navegación, búsqueda
Spider-Woman (Mattie Franklin)
Publicación Marvel Comics

Primera aparición Spectacular Spider-Man #263
Creador(es) John Byrne y Rafael Kayanan

Características
Nombre real Martha "Mattie" Franklin
Estado Activo
Afiliaciones actuales Loners

Familiares
• Jeremy Franklin (padre)
• ¿? (madre fallecida)
• Marla Madison (tía política)
• J. Jonah Jameson, (Tío)
Habilidades Fuerza y reflejos proporcional a una araña, trepar por las paredes, telarañas y patas psionicas, destellos psíquicos, telepatía moderada y sentido arácnido.
Spider-Woman ( Mattie Franklin ) es una superheroina en el universo de Marvel Comics . Ella es el tercer personaje en ser llamada Spider-Woman y la segunda en recibir su propia serie regular. El personaje apareció primero en Spectacular Spider-Man #263 (en las sombras).
Biografía del personaje [editar]
Martha" Mattie" Franklin era una joven con problemas que creció con su padre después de que su madre murió.
A Ella se le concedierón sus poderes cuando, después de oír por casualidad una llamada telefónica entre su padre y Norman Osborn sobre la Recolección de los Cinco, ella tuvo lugar durante la Recolección y fue dotada de los imponentes poderes que Norman Osborn deseaba.
Durante uno de los retiros temporales de Spiderman, ella llevó un traje idéntico para reemplazarlo. Después de que regreso Spiderman, ella asumió la identidad de Spider-Woman. Eventualmente Charlotte Witter, una villana que también paso por el nombre de Spider-Woman, la atacó y robó sus poderes. Mattie continuó peleando contra Witter y no sólo logro reabsorber sus propios poderes, también absorbió los poderes de ambas Spider-Woman anteriores (qué Witter también había robado) y los propios poderes de Witter.
Con la bendición de Jessica Drew y Julia Carpenter, ella tomo el manto de Spider-Woman.
Franklin finalmente se estableció con su tío, J. Jonah Jameson, y lució ocho trajes antes de elegir el último.
Mattie requirió la ayuda cuando un novio se aprovechó de ella para producir una droga llamada Hormona somatotrópica Mutante que le permitió usar poderes mutante por un tiempo corto. Para adquirir la MGH, su novio la mantuvo sedada. Durante uno de sus estupores, Mattie irrumpió en el apartamento de la investigadora privada Jessica Jones buscando a Jessica Drew, pero rápidamente salió cuando Jones la confrontó. Jones, con la ayuda de Jessica Drew, Mattie fue rescatada y devuelta a su tío. (Jessica Drew es la Spider-Woman actual.)
Mattie rastreó abajo los distribuidores que estaban vendiendo el MGH, y los siguió a Los Angeles a dónde ella asistió a las reuiones del Excelsior y pretendió dejar de usar sus poderes. En realidad, ella estaba usando las reuniones para reclutar a un compañero para ayudarla. Ella se unió con Darkhawk y Ricochet, quiénes decidieron (desconocido al resto del grupo de apoyo) intentar y hacer algún preventivo superherico para dejar fuera a los niños de los trajes en primer lugar.
Poderes y habilidades [editar]
Mattie Franklin posee las habilidades originales combinadas de las otras Spider-Woman. Así ella posee fuerza sobrehumana, velocidad, reflejos, vitalidad y agilidad, la habilidad de aferrarse a las superficies verticales, pueden crecerle patas de araña psionicas en sus costados, puede volar, y posee poderes extrasensoriales, destellos precognitivos, puede generar telaraña psionica, y tiene telepatía moderada. De vez en cuando, Mattie ha mostrado poder disparar explosiones de energía desconocida de las puntas de sus patas aracnidas que pueden aturdir a sus oponentes.
Franklin no tiene ninguno entrenamiento o experiencia de las anteriores mujeres que han llevado el manto de Spider-Woman.
Enlaces externos [editar]
• Archivo de Mattie en Spiderfan.org (en inglés)
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Spider-Woman_(Mattie_Franklin)"
Categorías: Héroes de Marvel Comics | Spiderman
Madame Web
Madame Web es un personaje de ficción de la serie de cómics Spiderman.
Biografía
Cassandra Webb nació en Salem, Oregón. Era una mujer paralítica, ciega, telepática, clarividente, y mutante precognitiva. Originalmente fue afectada por miastenia gravis, una enfermedad que erosiona gradualmente el sistema nervioso central, por lo que fue conectada a un sistema de apoyo vital que la mantenía con vida, diseñado por su esposo Jonathan Webb, el cual incluía una serie de tubos con forma de telaraña.
Ella adivinó la identidad secreta de Spiderman, y utilizó sus poderes para ayudarle a localizar y rescatar al editor del Daily Globe, K.J. Clayton.
Es la abuela de la cuarta Spider-Woman, Charlotte Witter. Durante la Reunión de los Cinco, Webb fue rejuvenecida, siendo su enfermedad curada. Sirvió como mentor para la tercera Spider-Woman, Mattie Franklin.
Madame Web resurge con sus poderes psíquicos intactos después de Decimation. Sin embargo, desde House of M, ha recuperado su aspecto envejecido, aunque su enfermedad sigue curada.
Habilidades
Es una mutante que posee facultades psíquicas sensoriales incluyendo la telepatía y presciencia, así como la capacidad de detectar la presencia de poderes psiónicos en otros. Puede realizar cirugía psíquica y aparece ante otros en espíritu, en proyección astral.
Tras la Reunión de los Cinco parece tener el don de la inmortalidad.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Madame_Web"

Iron Man
De Wikipedia, la enciclopedia libre
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Iron Man
Publicación Marvel Comics

Primera aparición Tales of Suspense N° 39 (1963)

Creador(es) Stan Lee, Jack Kirby, Don Heck, Wilson Meza y Larry Lieber.

Características
Nombre real Anthony Edward "Tony" Stark
Alias conocidos Cobalt Man, Iron Knight, Hogan Potts, Spare Parts Man
Estado Desaparecido
Afiliaciones actuales Los Poderosos Vengadores
Illuminati

Afiliaciones anteriores Los Vengadores
Nuevos Vengadores
Vengadores de la Costa Oeste
S.H.I.E.L.D.(Director)
Force Works (Fuerza de Choque)

Familiares Howard Stark (padre), Maria Stark (madre), Morgan Stark (primo)
Habilidades Alto nivel de inteligencia.
Control de su armadura a través de impulsos nerviosos.
Combate cuerpo a cuerpo.
Poderes proporcionados por la armadura fabricada por una aleación de distintos metales plásticos:
• Vuelo
• Super-fuerza
• Rayos de energía o Rayos repulsores
• Diversas armas de fuego
• Láseres tácticos
• Campos de energía
• Generación de pulso electromagnético
• Transformación de energía cinética y calórica en energía eléctrica
• Resistencia frente a fuertes impactos
Iron Man u Hombre de Hierro es un superhéroe del Universo Marvel, cuya identidad pública es la de Anthony "Tony" Stark , un científico y empresario estadounidense, fabricante de armas. Descrito como un "pupas", debido a lo multitud de enfermedades que ha sufrido su alter ego, desde problemas cardíacos a alcoholismo pasando por cáncer e impotencia,1 además de problemas financieros, representa la conjunción del hombre y la máquina, e incluso el sueño americano, siempre alzándose de las cenizas.1
Fue creado para el comic-book Tales of Suspense N° 39 (1963) por Stan Lee (argumento), Larry Lieber (diálogos) y Don Heck (dibujo), siendo Jack Kirby quien dibujó la portada y concibió la primera armadura del personaje (pues ha llevado multitud de versiones). Desde mayo de 1968, ha poseído su propio título, siendo de destacar la labor realizada por dibujantes como Gene Colan, George Tuska o John Romita Jr.1 Ha gozado además de diferentes adaptaciones a otros medios, como la exitosa franquicia cinematográfica iniciada en 2008 y protagonizada por Robert Downey Jr., bajo dirección de Jon Favreau.

Biografía ficticia
Tony Stark nació en Long Island, Nueva York. A sus 21 años heredó las Industrias Stark, después de que sus padres (Howard Anthony Stark y Maria Collins Carbonell Stark) fallecieran en un supuesto accidente automovilístico. Se dice que el personaje está basado en la vida del magnate Americano de los años 30´s Howard Hughes, con el cual comparte muchas caracteristicas similares, tales como su extensa riqueza, su carisma, su inteligencia, su genio ingenieril, asi como su Transtorno Obsesivo Compulsivo T.O.C. el cual es uno de los motivos por el cual posee su Genio ademas de la herencia que comparte de su padre Howard como cientifico e ingeniero brillante. (howard stark - howard Hughes)
Existen varias versiones sobre el origen de este héroe: en la primera, realizó un viaje a Vietnam, en otra versión viajó a la Guerra del Golfo y en otra a Afganistán después de haber desarrollado un mini-transistor, que tenía el objetivo de ayudar a las tropas estadounidenses. En este viaje, mientras atravesaba la selva fue capturado en una emboscada por el general vietnamita Wong Chu. Al intentar escapar, pisó una mina antipersonal y un fragmento de metralla se incrustó cerca de su corazón, dejándolo al borde de la muerte y, quedándole así pocos días de vida. Se le intentó ocultar dicha información para obligarlo a desarrollar un arsenal de armas para las tropas vietnamitas durante sus últimos días de vida; Tony dedujo lo que pasaba. A su lado se encontraba otro científico, Yin Sen, que también había sido secuestrado. Ambos trabajaron en secreto en una armadura que mantendría a salvo el corazón de Stark a la vez que daría a su portador diferentes habilidades. Tony Stark decidió usar la armadura para escapar, pero antes de lograrlo Yin Sen fue asesinado por las tropas de Wong Chu. Después de vencer a los vietnamitas y mientras regresaba, Tony se encontró con un piloto de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, Jim Rhodes. Se presentó ante Jim ocultándole su verdadera identidad, como el guarda-espaldas de Tony. Juntos regresaron a Estados Unidos. Stark continuó mejorando su armadura y así fue como creó su nueva identidad, Iron Man. Además de esto, expandió las Industrias Stark, renombrándola como Stark Internacional.
Iron Man es conocido por ser el guarda-espaldas y "mascota" de la compañía de Stark. Debido a su imagen de multimillonario, nunca hubo sospecha alguna que condujera a la suposición de que Tony era en realidad Iron Man. En cuanto a la personalidad de Stark, se le muestra como una persona un tanto arrogante y que permite que el fin justifique los medios.
Tony Stark fue un miembro fundador de Los Vengadores, y dada su inmensa fortuna se convirtió en el patrocinador del grupo, donando una casa en Nueva York, que posteriormente se convertiría en la Mansión de los Vengadores. También creó la fundación Maria Stark, una organización sin fines de lucro, a la cual le dio el nombre de su madre, que se encarga de cubrir todos los gastos del equipo. Esta fundación es independiente del resto de los negocios de Stark, por lo cual sigue funcionando sin importar que las empresas de Stark tengan problemas.
Para la época, fue hecho público el estado en que se encontraba el corazón de Stark, por lo que se sometió a un trasplante de corazón. Sin embargo, aunque solucionó éste problema, desarrolló otro, el alcoholismo, por causa del estrés ante ciertas situaciones. Una de ellas fue la noticia de que la organización S.H.I.E.L.D. había estado comprando una cantidad considerable de las acciones de Stark Internacional, como una vía para mantener la empresa de Tony desarrollando nuevas armas para la organización. Al mismo tiempo, su rival empresarial, Justin Hammer, contrató a varios villanos para atacar a Stark, que con la ayuda de Rhodes, los derrotó en batalla. Su dependencia con el alcohol, la superó, apoyado por sus amistades más cercanas.
Pepper Potts
Virginia "Pepper" Potts se presentó desde el principio como la sexy empleada de Tony Stark enamorada de él. Con el paso de los años se fue convirtiendo en la chica indispensable de Stark, una amiga de confianza y, quizás, el amor platónico de la vida de Tony Stark, un proyecto de relación nunca puesto en marcha.
Cuando contaba apenas veintitantos años, la dulce jovencita de brillantes cabellos cobrizos fue promocionada del ejército personal de secretarias de las empresas de Stark al puesto de secretaria personal del jefe. Este ascenso meteórico había sido el premio de Stark por haber corregido un error cometido por él en uno de los más importantes contratos de la empresa. A partir de entonces, ocupando el puesto de leal asistente personal, la laboriosa Pepper ayudó a Tony a organizar su compañía mientras en secreto deseaba llevar la relación con su superior más allá del terreno profesional. Al comprender la predilección que Tony sentía por las mujeres glamurosas decidió pasar por el instituto de belleza para dar la talla en su nuevo trabajo.
Desde sus inicios en este puesto, Pepper se encontró formando parte de un triángulo amoroso. Ella amaba a Stark, Happy Hogan la amaba a ella, y Tony acabaría enamorándose con el tiempo de la misma. Pepper incluso llegaría en un determinado momento a creer estar enamorada de Iron Man, cuando aún desconocía el hecho de que su idolatrado Tony y el vengador Dorado eran la misma persona. Sin embargo, con el tiempo Tony Stark se echó a un lado, enamorándose Pepper de Harold "Happy" Hogan (el amigo boxeador de Tony) mientras Stark contemplaba la relación desde fuera. Más adelante la pareja acabó uniéndose en matrimonio, alejándose del lado de Stark para vivir su propia vida y formar una familia. A pesar de ello, acudieron al lado de su antiguo jefe siempre que necesitaba su ayuda. Con el tiempo acabaron divorciándose (Los hijos de su matrimonio eran aparentemente adoptados y les fueron arrebatados cuando se produjo el divorcio).
Tras los acontecimientos ocurridos en Civil War, Pepper se unió a la iniciativa como miembro de La Orden, un equipo operativo de superhéroes de California. Ella asumió el apodo de la diosa griega Hera y empleo hardware avanzado y prótesis para supervisar y coordinar las misiones del equipo. Tras la absorción de la Orden en la Iniciativa, Pepper reanuda sus obligaciones como secretaria de Stark hasta el cierre de las industrias por Norman Osborn.
Obadiah Stane
Algún tiempo después, surgió uno de los enemigos más despiadados de Tony Stark, Obadiah Stane, que en un intento por tomar el control sobre la creciente empresa Stark Internacional, condujo hacia al alcoholismo, nuevamente, a Anthony, manipulando sus emociones, lo que lo llevó a perder el control sobre su empresa. Stane ayudado por S.H.I.E.L.D. logró comprar Stark Internacional y la renombró luego como Stane Internacional.
Todos éstos problemas convirtieron a Stark en un desahuciado, dejándolo en la calle y vagando por ellas, no sin antes haber entregado su armadura a Rhodes, quien se transformó por un largo periodo en Iron Man.
Luego Anthony se recuperó y construyó una nueva empresa, llamada Circuits Maximus. Mientras Stark continuaba desarrollando nueva tecnología, Rhodes seguía con sus deberes como Iron Man pero su agresividad y paranoia fueron aumentando. En un principio se creyó que el estado de Rhodes se debía, principalmente, a que la armadura estaba programada para interactuar con la mente de Tony, pero luego se supo que dicha condición era un estado natural y enteramente psicológico. Rhodes se salió de control y Stark inmediatamente construyó otra armadura para detenerlo. Circuits Maximus continuaba con su desarrollo y expansión, pero fue atacada por Stane y fue cuando Stark lo confrontó con la nueva generación de su armadura. Las habilidades de Stark eran superiores sobre las de Stane (mejor conocido para el momento como Iron Monger) y que para evitar ser capturado cometió suicidio.
La Guerra de las Armaduras
Al ser revelados los diseños de la armadura del superhéroe, en manos del villano Spymaster, estos fueron entregados al rival de Stark, Justin Hammer, iniciándose así la producción masiva de diseños similares de la armadura de Iron Man, lo que a su vez comenzó el conflicto conocido como "Armor Wars" ("Guerras de armaduras", en español), que era un intento de Stark por poner un alto a aquellas personas que utilizaran su tecnología, destruyendo las armaduras, similares en diseño y tecnología a la suya, de héroes y villanos, por igual. Sin embargo, éste conflicto tuvo un trágico fin con la muerte de Titanium Man. Anthony Stark destruyó, en su camino, la armadura operativa de S.H.I.E.L.D. conocida como Mandroids, la armadura de los Guardsmen (Guardias de una prisión de supervillanos conocida como Vault) y derrotando en batalla a Stingray, un agente del gobierno, la armadura de éste útlimo, no guardaba relación alguna con la de Iron Man, por lo cual el conflicto empeoró. De esta manera la poca buena reputación del Hombre de Hierro fue devastada.
Durante el conflicto se observó el deterioro de la relación entre Stark y Steve Rogers (mejor conocido como el Capitán América), quien siempre estuvo de acuerdo con los motivos de Anthony por destruir los otros diseños de su armadura, pero no con los medios que empleaba para hacerlo. Luego de desmantelar a los Guardsmen, el gobierno de los Estados Unidos declaró a Iron Man una amenaza.
La salud de Stark presentó un grave inconveniente, dado que fue descubierto que la interfaz cibernética de la armadura le ocasionaba un daño en su sistema nervioso. A éste problema se le sumó un intento de asesinato, por parte de una desequilibrada mental, lo que lo dejó parapléjico. En su empeño por volver a caminar, Stark implantó un chip en su columna vertebral que le permitió volver a utilizar sus piernas, pero lo dejó expuesto al control externo de su cuerpo, a pesar de que su mente no fuera afectada. Ésta debilidad fue bien aprovechada por Tony, quién con la ayuda de Rhodes logró controlar cibernéticamente su cuerpo y a la vez su armadura logrando vencer a quien le provocó la parálisis.
El sistema nervioso de Stark continuaba fallando y tuvo que dejar de usar su armadura de Iron Man aunque se las ingenió para manejarla por control remoto. La armadura, sin embargo, falló en batalla contra los Maestros del Silencio. Por éste motivo, construyó una nueva armadura, más pesada con el nombre de "Variable Threat Response Battle Suit", también conocida como War Machine.
Finalmente Stark fingió su muerte y se colocó en animación suspendida con el fin de mejorar su salud, después de que el daño en su sistema nervioso fuera demasiado extenso. Rhodes estuvo al mando de Stark Enterprise y mantuvo la identidad de Iron Man usando la armadura War Machine. Anthony se recuperó por completo al usar el chip implantado en su columna para "reprogramarse" él mismo y asumió nuevamente su identidad como Iron Man. Cuando Rhodes supo que Stark había engañado a sus amigos fingiendo su muerte Jim se separó de su amigo y optó por continuar como War Machine.
The Crossing y Heroes Reborn
El argumento de "La travesía/La encrucijada" nos muestra a Iron Man como un traidor entre los Vengadores, debido a que años antes Kang el Conquistador había logrado manipularlo mentalmente. Por órdenes de Kang, Stark asesinó a Marilla, la niñera de Crystal y Luna (la hija de Quicksilver), a la chica Yellowjacket y por último a uno de los aliados de los Vengadores (En la miniserie Siempre Vengadores, que pasó a ser un retcon, los eventos fueron planeados y realizados por Immortus con la apariencia de Kang, después de que el control mental sobre Tony se perdiera meses atrás).
Los Vengadores viajaron en el tiempo en busca de ayuda para derrotar a Iron Man y a Kang, y agregaron a su equipo a un Stark adolescente. El joven Anthony robó una de las armaduras de Iron Man para poder ayudar a los Vengadores y vencer a Stark. Mientras luchaban los dos Stark se vieron y produjo en el Stark adulto un gran shock, liberándolo del control mental suficiente tiempo como para sacrificarse para que el grupo lograra vencer a Kang. El joven Stark construyó su propia armadura y ganó el control legal sobre "su compañía".
En la batalla contra la entidad Onslaught, Stark junto con muchos otros héroes, fallecieron. Los poderes de Franklin Richards le permitieron crear un universo alterno en Heroes Reborn en el que todos los héroes que habían muerto permanecieron con vida; en aquel universo alterno Stark volvió a ser adulto. Cuando los héroes fueron revividos, Stark, en su forma adulta, se fusionó con su "otro yo" que había muerto previamente durante "La travesía/La encrucijada". Este nuevo Tony Stark poseía los recuerdos de ambos, tanto de su yo adulto como los del adolescente, ambos tipos importantes y esenciales. En su ausencia, en la que se le creyó muerto, Stark Enterprise fue vendida a la Corporación Fujikawa, pero con la ayuda del bufete de abogados "Nelson & Murdock" Anthony recuperó su fortuna y creó una nueva empresa, Soluciones Stark. Al volver del universo paralelo, mejoró el estado de su corazón y volvió a reagruparse con los Vengadores.
La Guerra Civil
Artículo principal: Civil War
Tras los eventos ocurridos en Stamford, Connecticut, en la que murieron cientos de transeúntes, 60 niños y varios supervillanos y miembros de los Nuevos Guerreros, la buena opinión pública que se tenía de los superhéroes, cambió radicalmente. El gobierno de los Estados Unidos reaccionó, aprobando la Ley de Registro de Superhumanos. Ésta Ley dividió en dos a la comunidad de superhéroes. Anthony Stark apoyó públicamente la Ley de Registros, convirtiéndose en el líder del movimiento, para ello, reveló su identidad como Iron Man y convenció de hacer lo mismo a Spiderman. Con la creación de la Prisión 42 en la Zona Negativa, que tenía el propósito de encarcelar a todos aquellos que se opusieran a la Ley de Registros, Spiderman se enfrentó a Iron Man en la Torre Stark, y pasó al lado del Anti-registro.
Ambos bandos tuvieron un enfrentamiento decisivo en el que al final, el Capitán América, con mucha consternación, se rindió ante el tremendo daño que estaba provocando el conflicto y decidido a combatir la ley de registro dentro del sistema judicial.
En Civil War N° 7 Stark es nombrado el nuevo director de S.H.I.E.L.D. y tiempo después construye para él un Helicarrier, haciéndole lucir los colores emblemáticos de su armadura, rojo y dorado.
Poco después del final de la serie Civil War, es asesinado el Capitán América por un francotirador el día de su juicio. Stark mirando el cuerpo sin vida del Capitán dijo que lo que había hecho en nombre de la Ley no había funcionado. Luego en su funeral pronunció unas palabras, «nunca supuse que terminaría así».
La Guerra Mundial de Hulk
Artículo principal: World War Hulk
Antes del crossover Civil War, Iron Man y varios de los Illuminati, un grupo secreto de héroes importantes por su influencia en varios campos, concluyeron que Bruce Banner en su identidad de Hulk era una amenaza para la Tierra.
S.H.I.E.L.D, utilizando un simulacro dotado de vida con la apariencia de Nick Fury, envia a Banner en una misión espacial para desmantelar un satélite que utiliza Tecgnologia Gamma. Como resultado de la mision, Hulk queda atrapado en la nave y es lanzado al espacio con el fin enviarlo a un planeta deshabitado pero apto para la vida donde pudiera existir sin causar estragos y muerte de inocentes. Sin embargo Hulk no llega al destino deseado y antes de terminado el viaje, Hulk enfurece ante el mensaje grabado de los Illuminati donde se excusan de sus acciones y comienza a destruir su nave. Esto provoca el cambio de curso, dando por destino final el planeta Sakaar. Tiempo despues Hulk logra volver a la tierra en busca de venganza contra los miembros de los Illuminati.
Cuando Hulk regresa exige la precencia de los Iluminati en un tiempo limite, mostrando a Black Bolt (uno de los Iluminati y de los mas poderosos personajes de Marvel) derrotado. Al acercarse el tiempo limite, Hulk regresa a Manhattan, la cual estaba casi completamente evacuada a excepción de unos civiles que decidieron quedarse. Cuando el tiempo acaba, Hulk Enfrenta a Stark en la armadura Hulkbuster. Hulk resultó siendo el vencedor y encarceló a Stark.
Luego de derrotar y capturar a Stark, Hulk espera a ver la reacción de Los Vengadores. Después de acabar con los Vengadores, un grupo de la Iniciativa decide enfrentar a Hulk y a los Warbound, pero son vencidos sin ningún esfuerzo. La paz que volvió a Bruce pronto le fue arrebatada por Miek, un Warbound que en un intento por mantener a su "Destructor de Mundos", como llamaba a Hulk, asesinó a su mejor amigo, Rick Jones, desencadena la mayor ira de Hulk jamas vista, a lo que Hulk ruega a Stark que le derrote con unos lasers satelitales de S.H.I.E.L.D. para no acabar con la Tierra. Stark utiliza los lasers para derrotarle al fin, dejando a Banner en coma.
Invasión Secreta
Artículo principal: Secret invasion
Después de los eventos ocurridos en World War Hulk, los New Avengers hicieron un descubrimiento que cambiaría la historia de todos: Electra era un skrull.
Tony convocó a los desunidos Illuminati para ponerlos al tanto de la situación, pero todo se vino abajo cuando descubrieron que Black Bolt también era un skrull. La desconfianza se vio reflejada no solo en Tony, sino en los demás Vengadores, que con una gran paranoia fueron solo piezas de ajedrez para una inminente invasión Skrull.
Finalmente el día llegó: un transporte skrull cayó del cielo; Mighty y New Avengers se encuentran en la Tierra Salvaje y estuvieron a punto de pelear entre ellos, pero el transporte se abrió. Jarvis, el mayordomo de los Vengadores se revela como un skrull y desde la Torre Stark implanta un virus que desactiva toda la red y las defensas de la Tierra. El virus desactivó a su vez a S.H.I.E.L.D. y también la armadura de Iron Man.
De la nave skrull sale una versión de los superhéroes presentes, pero de una época más antigua. Todos se pierden en la Tierra Salvaje, pero Tony se va a una cueva donde empieza a construir una armadura nueva que no dependa de la red mundial de Stark Internacional.
Pasada la batalla llega Spider-woman (que en realidad es una reina skrull) y felicita a Tony, revelando que el es también un skrull llamado KL'RIKI DULU solo que aún no ha sido activado y que la invasión no se hubiera logrado sin él.
Esto último resultó ser un engaño y black widow (Natasha Romanova)le explica que fue engañado debido a que existen 5 personas en el mundo que podrían parar la invasión y el era uno de ellos, que no bastaba con sacarlo del camino y que era necesario doblegarlo.
Pasado este contra tiempo, iron man, junto con los todos los avengers (new y mighty) se agrupan para repeler las ordas de invasión skrull, con la aparición de un misterioso nuevo Capi y de Thor, pero todo acaba con un disparo (transmitido por televisión a nivel mundial) que Norman Osborn hace contra la reina Skrull (disfrazada de Spider Woman).
Luego de acabada la invasión, hacer la cuenta de las bajas (una de ellas es Janet van Dyne - The Wasp) y el daño causado por el ataque, Tony Stark es culpado por Hank Pym de la muerte de Janet, en el funeral de The Wasp, ya que si nunca hubiese existido el Acta de Registro, permitir la pelea entre los super heroes y la muerte del Capitan america, la invasión nunca hubiera ocurrido.
Si no fuese todo, las cosas se complican para Stark, ya que S.H.I.E.L.D. es desactivada por no ser eficaz ante la invasión, Stark es destituido del cargo de director de S.H.I.E.L.D., se crea a nueva agencia H.A.M.M.E.R. a cargo de su director Norman Osborn, quien acusa a Tony Stark de ser el responsable directo de permitir la invasión, convirtiéndose Tony en la persona más buscada del mundo.
Poderes y habilidades
Armadura
Iron Man posee una armadura poderosa, la cual le otorga poderes como vuelo, fuerza superhumana y el manejo de las distintas armas incluidas dentro de la armadura. La apariencia y poderes de cada armadura han variado con el pasar del tiempo, esto se debe a que Stark constantemente desarrolla nuevas armas y tecnología. La armadura era originalmente de color gris, pero Tony descubrió que las personas no confiaban en él, sino que le temían. Así que decidió cubrir su armadura con pintura dorada. La voluminosa armadura desapareció en Tales of Suspense N° 48 y fue cambiada por otra que se amoldaba con el cuerpo de Stark, le proveía de mayor agilidad en batalla y le agregó un nuevo color junto con el dorado, el rojo. La más notable excepción fue la armadura que empleó para luchar contra Iron Monger, de colores plateado y rojo, la que dejó de usar luego de la primera Armor Wars (en español Guerra de armaduras).
Su armadura está compuesta de varias capas de metal, como el hierro y el titanio, creando un traje flexible, resistente y que otorga gran protección. Es impulsado por medio de la energía solar, baterías eléctricas y por absorción de partículas beta que usa como combustible. La armadura le permite transformar energía cinética y calórica en eléctrica, y de ese modo las baterías también pueden ser recargadas por éste proceso. Unas lentes finas protegen sus ojos cuando lo necesita. En misiones submarinas o espaciales, el traje se sella completamente, logrando mayor protección para Stark.
El sistema armamentístico a bordo de la armadura ha evolucionado con los años, pero la única ofensiva que ha perdurado son los rayos repulsores. Dichos rayos son propiedad intelectual de empresas Stark y han constituido el arma por defecto en sus armaduras modernas. Son proyectados por la palma de sus manos y los utiliza para aturdir a sus enemigos. Otras armas incluidas en la armadura son el generador de PEM (Pulso electromagnético) y un campo de energía.
Aparte de la armadura que comúnmente se le ve llevando, Stark ha creado y modificado una gran gama de armaduras, cada una con distintos propósitos: para vuelos espaciales, buceo a grandes profundidades, misiones espaciales, entre otras. Para luchar, la más notable es el Hulkbuster, de grandes dimensiones y modificada especialmente para luchar contra Hulk.
En Civil War, Stark afirma que ha habido 48 actualizaciones de la armadura a lo largo de los años.
Habilidades
Por encima de los poderes que Stark obtiene con su armadura, Anthony es una persona con un nivel intelectual superior al de muchos y que usa constantemente para la creación de nuevas tecnologías y su renovación. Muy bien conocido en el mundo de los negocios, capaz de captar la atención de las personas cuando da discursos relacionados con economía.
se dice que el personaje esta basado en la vida del magnate Americano de los años 30´s Howard Hughes, con el cual comparte muchas caracteristicas similares, tales como su extensa riqueza, su carisma, su inteligencia, su genio ingenieril, asi como su Transtorno Obsesivo Compulsivo T.O.C. el cual es uno de los motivos por el cual posee su Genio ademas de la herencia que comparte de su padre Howard como cientifico e ingeniero brillante. (howard stark - howard Hughes)
Normalmente cuando, por periodos prolongados de tiempo, no se le ve luchando con supervillanos, Stark y el Capitán América entrenan, destacándose ambos en el combate cuerpo a cuerpo.
Además, ha obtenido Extremis, una poderosa sustancia que le permite adquirir poderes sobrehumanos. Ahora la velocidad de reacción de él con su traje es 10 veces más rápida que antes. Él mismo hace aparecer de su cuerpo el traje interior y, por magnetismo, se adhiere a él la armadura. Es capaz de actuar como su armadura, conectándose con los satélites y otros dispositivos a su disposición.
Enemigos
• Advance Idea Mechanics o I.M.A.: es una organización terrorista, ex-subdivisión de la organización HYDRA, comúnmente liderada por el cyborg MODOK. Conocida también como I.M.A. Ideas Mecánicas Avanzadas.
• Fin Fang Foom: Dragón Alienígena del planeta Maklu IV.
• Immortus: Futura versión de Kang el Conquistador. Viajero del tiempo. Fue el responsable de la manipulación sobre Iron Man, obligándolo a realizar todo tipo de delitos (incluyendo asesinatos) durante la polémica serie "La travesía".
• Iron Monger: Un ejecutivo financiero cuyo nombre real es Obadiah Stane. Se apoderó de Stark Enterprise luego de manipular las emociones de Stark. Se le conoce también como el Quincallero.
• Justin Hammer: Hombre de negocio y rival de Antony. Ha contratado a múltiples villanos para destruir Stark Enterprise. Su hija es Justine Hammer quien además es una supervillana.
• M.O.D.O.K.: Científico de A.I.M. genéticamente alterado dotado con una inteligencia superior (Mental Organism Designed Only for Killing u Organismo Inteligente Diseñado Exclusivamente para Matar)
• Mandarín: Se le considera uno de los mayores enemigos de Iron Man y su principal nemesis. El Mandarín es un monje chino y científico. Sus poderes provienen de los diez anillos de poder que recuperó de una nave espacial y de sus conocimientos acerca de las artes marciales.
• Spymaster: Mercenario y fisico especializado
Adaptaciones y referencias en otros Medios
Dibujos animados
Iron Man realizó su primera aparición en televisión en la serie Superhéroes de Marvel, como uno de los cinco superhéroes principales. John Vernon fue el encargado dar su voz para el personaje.
En 1981 Iron Man apareció como invitado en la serie animada Spider-Man y sus Sorprendentes Amigos, para la cual William Marshall prestó su voz.
Para finales de 1994 se estrenó una nueva serie animada titulada Iron Man en la que éste superhéroe fue el personaje principal, con la voz de Robert Hays. En la serie, Iron Man formaba parte del grupo Force Works (Fuerza de Choque), conformado por Century, War Machine, la Bruja Escarlata, Hawkeye en lugar del Agente U.S. y Spider-Woman. El origen de Iron Man fue modificado, en lugar del daño que afectó su corazón, múltiples astillas hirieron su columna vertebral lo que amenazaba con dejarlo paralítico. Además, Stark y Yinsen, no son capturados por el general Wong Chu sino por El Mandarín, al que los anillos modificaron, dándole super fuerza y una piel de color verde. El Mandarín es el líder de un grupo de supervillanos, entre los que destacan M.O.D.O.K., Justin Hammer, Gárgola Gris, Whirlwind y otros. La serie fue cancelada por baja audiencia en 1996 luego de dos temporadas.
Desde entonces, Iron Man ha hecho apariciones menores en series animadas como:
• Los 4 Fantásticos (serie animada).
• El Increíble Hulk.
• Los Vengadores.
• Los Cuatro Fantásticos: Los Grandes Héroes del Mundo.
• Spider-Man la Serie Animada (1994): "Venom Returns" y "Carnage".
Una nueva serie animada sobre el personaje fue estrenada por Nick Toons entertaiment en colaboración con Marvel, cuyo estilo recuerda mucho a la serie Spiderman: la nueva serie animada. Su estreno estaba previsto justo después del lanzamiento de la película Iron Man en el 2008, pero se retrasó el estreno al 2009. Cuenta actualmente 26 episodios y se promete una segunda temporada como otro dato transmitida por MTV Latinoamérica.
Hay que destacar también una serie de películas animadas: Ultimate Avengers, sobre el universo Ultimate y su secuela Vengadores Ultimate 2, producidas por Marvel Entertaiment y Lions Gate Films. Finalmente, en enero de 2007, se lanzó un film animado en el que Iron Man fue el personaje principal, El Invencible Iron Man.
Anime
Marvel Animation en colaboración con Madhouse preparan también lo que supondrá una oleada de anime sobre personajes de marvel con Ironman y Wolverine como los primeros en la pantalla nipona. El anime saldrá al aire en 2010, justo después de la salida de Ironman 2 en japón, y contará con 12 episodios.
Películas de imagen real
Una película live action sobre el personaje estuvo en producción con fecha de estreno para noviembre de 2005, por New Live Cinema. Múltiples veces se reprogramó el estreno de la película (2005, 2006 y 2007). Sin embargo, los derechos sobre el personaje expiraron pasando nuevamente a manos de Marvel.
Ésta llevaría a buen puerto dos películas sobre el personaje, de un total de 3 que hay proyectadas, comprendidas a su vez dentro del megaproyecto coral de The Avengers. Se trata de Iron Man e Iron Man 2, ambas dirigidas por Jon Favreau y protagonizadas por Robert Downey Jr., ambas con gran éxito de taquilla.
Downey Jr. también aparece brevemente representando al mismo personaje, en la película The Incredible Hulk, en una escena junto al general Thunderbolt Ross. En esta escena Stark le dice a Ross quiero formar un equipo haciendo referencia a Los Vengadores (The Avengers en inglés), sobre los que se realizará una película.
Otros
El álbum como solista del rapero Ghostface Killah fue llamado Ironman y desde entonces sus letras son alusivas a dicho superhéroe. Ghostface Killah adoptó también el apodo de Tony Stark, una de muchas personalidades.
La banda de Heavy Metal Black Sabbath tituló una de sus canciones como "Iron Man". En uno de los retcon sobre el origen del nombre Iron Man, se descubre que la canción era la favorita de Tony Stark cuando joven, por lo cual decide, más tarde, adoptar el nombre como su identidad secreta. La canción de Black Sabbath fue usada en el trailer de la película y el videojuego estrenados en 2008.
Véase también
• Iron Man (película)
Referencias
1. ↑ a b c Díaz, Lorenzo en "Diccionario de superhéroes" para la Colección "Biblioteca del Dr. Vértigo" de Ediciones Glénat, S. L., Barcelona, 1996, p. 23.
Enlaces externos
• Iron Man - El Hombre de Hierro sus poderes y habilidades en imágenes
• Trailer del nuevo anime
• Iron Man - Página oficial de Marvel
• Directorio Marvel
• Página de Iron Man Sega Europa.
• Web con información de Iron Man
• Análisis Iron Man: El Videojuego.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Iron_Man"
Hulk
De Wikipedia, la enciclopedia libre
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Hulk
Publicación Marvel Comics

Primera aparición The Incredible Hulk #1 (mayo de 1962)
Creador(es) Stan Lee
Jack Kirby

Características
Nombre real Robert Bruce Banner
Alias conocidos Hulk, La Masa, Masa, Masa Verde, Joe Fixit, "El Profesor", Roberto (Rubas), el Coloso de Jade, el Coloso Esmeralda, El Destructor de Mundos, el Gigante Esmeralda, Mr. Fixit, Mr. Arréglalo, Mr. Arreglalotodo, Cicatriz Verde.
Estado Activo
Afiliaciones actuales Los Vengadores, Defensores, The Mighty Avengers

Familiares Brian Banner (padre, fallecido), Rebeca Banner (madre, fallecida), Jennifer Walters (Hulka, prima), Betty Banner Ross (esposa, fallecida), General Ross (suegro), Caiera (esposa fallecida), Skar (Hijo), Lyra (Hija)
Habilidades Fuerza, velocidad, resistencia y longevidad sobrehumana, que crecen, junto con su tamaño, en relación a su ira. Factor de curación regenerativo, capacidad de respirar bajo el agua y ver fantasmas y otras entidades astrales.
El increíble Hulk también llamado Hulk o la Masa (en algunos cómics en español), es un personaje creado para la compañía Marvel Comics en 1962 por Stan Lee y Jack Kirby. Hulk apareció por primera vez en el número 1 de la revista de cómics The Incredible Hulk en mayo de 1962. Hulk es uno de los superheroes más populares del mundo.
Creación del personaje
El increíble Hulk se nutre de las historias de El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde y de Frankenstein, para tratar la dicotomía existente entre el intelecto avanzado del Dr. Banner y la mente sencilla y emocional de Hulk (tratado en las historias de los años 60 y 70). Tras esta etapa se va viendo en las historias que la relación no es tan simple, sino que cada manifestación de Hulk proviene de cualquier estado emocional y mental de Bruce Banner. La versión más famosa del cómic presenta un Hulk de color verde, de mente infantil, que tan sólo desea ser dejado en paz pero que es forzado continuamente a pelear en diversas batallas por diferentes fuerzas que intentan capturarlo.El también aparte tiene enemigos.Su archenemigo es el leader. Otros son Abomination, Maestro, Beastia Bi, Zzzax, El Rhino, y Thunder Ross.
También podemos ver a un Hulk con la mente y el raciocinio del doctor Banner en una colección que dibujó Sal Buscema a finales de los 70 y principios de los 80, contando además al no tan conocido Hulk gris, ligeramente menos fuerte, pero con un intelecto más desarrollado, sin llegar a la genialidad de su alter ego Bruce Banner.
Otra influencia directa en el personaje es la película de Frankenstein de los Estudios Universal de 1931 en el que el monstruo de fuerza prodigiosa y mente infantil es perseguido con furia.
Historia del personaje
El científico Bruce Banner estaba probando una de sus últimas invenciones, la bomba gamma. Justo en el momento del lanzamiento un intrépido chico llamado Rick Jones se adentró en la zona de pruebas del ejército donde iba a ser lanzada la bomba y un atónito Bruce Banner se dio cuenta y fue a salvarlo. Quedaban ya muy pocos segundos para el impacto de la bomba cuando Bruce Banner le dice que se aparte de la zona pero Rick no le escucha.
Entonces Bruce le tira a una zanja para salvarle pero cuando se va a meter él, explota la bomba y la radiación le da de lleno. Esta radiación se queda residente para siempre en el cuerpo de Bruce Banner, en la primeras historias tan solo se convertía en hulk cuando salia la luna pero conforme fue avanzando la serie sus trasformaciones se debían principalmente a estados de furia, excitación y miedo,lo que le convertía en un ser monstruoso dotado de multitud de veces la fuerza de un humano, capaz de dar saltos de varios cientos de metros, aguantar la respiración debajo del agua y en el espacio, además su cuerpo dependiendo de las necesidades puede mutar para adaptarse a las situaciones nuevas, y aguantar el disparo de un misil en su pecho. Además es perseguido y acosado en todo momento por el ejército. Su interés romántico por Betty Ross, hija del coronel Thunder (trueno) Ross, el contrincante de Hulk que dará pie a muchas aventuras.
Hulk, además, llegó a formar parte de grupos de superhéroes como los Vengadores, con los que estuvo apenas los primeros cuatro números pero fue miembro fundador, y un largo periodo con los Defensores de más de cien números, dirigidos por el Dr. Extraño (Dr. Strange).
Aunque gracias a estas actuaciones, Hulk logró una cierta popularidad, su carácter tremendamente irascible le hizo llegar a pelearse con sus compañeros o a rebelarse contra ellos, por eso la gente nunca confió en él (a excepción del anteriormente nombrado Hulk inteligente que fue amnistiado por el presidente de los EEUU gracias a la ayuda de los demás superhéroes). Bruce Banner pudo casarse com Betty Ross pero desdichadamente murió, entonces, Hulk sufrió una transformación tipo bestia que finalmente fue destruida, continuando sus aventuras hasta que un día arrasó con la mitad de Las Vegas. Esa fue la razón por la que S.H.I.E.L.D envio agentes para capturarlo, y fue desterrado al espacio. En ese momento Hulk descubrió una sociedad secreta llamada los Illuminati‎ conformada por El hombre de hierro, El Doctor Extraño, El profesor X, Namor el Sub-mariner, Rayo Negro y Reed Richads. Esta organización controlaba el mundo de los superheroes, y exiliaron a Hulk al espacio por considerarlo un peligro para el mundo. Hulk accidentalmente desvía la nave, que es enviada a un agujero negro a través del cual aterriza en el Planeta Sakaar, un planeta donde habitan varias razas alienigenas organizadas por diferentes tribus barbaras dirigidos por reyes. Hulk es capturado y hecho esclavo por los sirvientes de El Rey Rojo, un tiránico rey de Sakaar gue gobierna un vasto territorio, y es convertido en gladiador por sus habilidades. Con la ayuda de varios aliados, Hulk derroca al Rey Rojo y se queda con su reino. El reinado de Hulk estuvo lleno de paz hasta que el planeta y sus habitantes fueron destruidos por una bomba dejando pocos supervivientes. Hulk jura venganza contra los responsables de su exilio, los Ilunimati, y así comienza el evento conocido como World War Hulk.
Poderes y habilidades
Su principal poder es su capacidad de aumentar su fuerza hasta niveles prácticamente ilimitados a la vez que aumenta su furia (como él mismo dice, "cuanto más se enfada Hulk, más fuerte es Hulk"). En su estado "calmado" su fuerza le permite levantar entre 70 y 100 toneladas (dependiendo de qué personalidad de Hulk esté al mando en ese momento; el Hulk gris es el más débil, pero lo compensa con su inteligencia y astucia). Cuando Hulk se enfada o irrita aumenta su nivel de adrenalina y puede alcanzar una fuerza descomunal (en cierta ocasión soportó todo el peso de una montaña sobre sus hombros). El límite superior de su fuerza se desconoce. En el transcurso de las Guerras Secretas (Secret Wars) aguantó sobre sus hombros una cordillera equivalente a las Montañas Rocosas. Debido al gran desarrollo de sus músculos, Hulk es capaz de dar saltos que le permiten cubrir varios kilómetros de distancia en poco tiempo. Además, puede chocar sus manos en una palmada que crea una gran onda de choque.
Hulk posee una resistencia increíble al daño físico. Puede resistir el impacto de artillería de un cañón de gran calibre y armamento anti-tanque sin daños apreciables. Su resistencia es tal que puede sobrevivir en el vacío del espacio durante cortos períodos de tiempo y apenas sufre cansancio o agotamiento. También posee una gran resistencia a temperaturas extremas, pudiendo aguantar desde -129°C hasta unos 5000°C sin abrasión ni irritación. Aunque difícil de dañar, Hulk no es totalmente invulnerable ni indestructible. Ciertas armas (como el martillo de Thor o el escudo del Capitán América) pueden causarle daño si son blandidas por un oponente lo suficientemente fuerte, ha sufrido cortes de armas hechas de materiales de gran dureza (como las garras de adamantium de Lobezno) y en teoría no podría sobrevivir en el centro de una explosión nuclear.
Además de su enorme resistencia, Hulk posee una regeneración de tejidos acelerada, pudiendo curar partes de su cuerpo perdidas o dañadas rápida y eficientemente en cuestión de minutos. Al igual que su fuerza física, su factor de recuperación aumenta cuando está enfurecido. Su sistema inmunológico es tan fuerte que le hace inmune a todas las enfermedades e infecciones existentes.
Hulk además ha demostrado poseer ciertas habilidades extrasensoriales, como su capacidad de poder escuchar, ver y comunicarse con los espíritus, como la forma astral del doctor Extraño y el espíritu de Maestro, su futuro maléfico.
También parece poseer una glándula que permite a sus pulmones respirar bajo el agua y moverse rápidamente entre diferentes presiones sin sufrir narcolepsia ni descompresión. Esta glándula no se sabe si Hulk la posee de siempre o la ha generado su organismo con el paso del tiempo por necesidad.
En sus primeros tiempos podía incluso respirar en el espacio. En sus primeros enfrentamientos con La Abominación se pudo ver. Curiosamente éste era más fuerte que Hulk en principio, pero con los años de batallas y peleas Hulk se fue fortaleciendo hasta llegar a niveles de fuerz superiores incluso a Thor y a Hércules (los dioses del Universo Marvel, cuyo nivel de fuerza es 100 toneladas también).
Transformaciones
Hulk Gris (también llamado Mr. Fixit): Se suponía que al principio de la serie, Hulk siempre sería gris, pero un error de coloración del capítulo hizo que en el número uno apareciera de un color diferente en cada viñeta. Unos años después de esto, se recuperó al Hulk gris. Es más inteligente que el verde y más astuto, aunque más pequeño y débil. Es la faceta adolescente de Bruce.
Mientras luchaba contra El Líder, terminó apareciendo en el desierto de Las Vegas. Allí, un hombre de negocios llamado Mike Beregenti decidió contratarle para que fuera su guardaespaldas, llamándolo Mr. Arréglalotodo. Tras trabajar en Las Vegas y tener algunos encuentros con supervillanos como el Hombre Absorbente o volver al mundo de Jarella, Beregentti decide despedirle por tener demasiados encuentros desastrosos.
Tras irse de Las Vegas, vaga hasta llegar a la casa del Dr. Extraño, donde Dormammu intenta apoderarse de su cuerpo, pero Namor y el Dr. Extraño lo evitaron, a cambio de que volviera el Hulk verde.
Al volver, tuvieron unas cuantas peleas por el dominio, hasta que se fusionaron con Banner para crear al Hulk profesor.
Hulk Verde (Hulk salvaje): El más conocido. Reapareció tras el Hulk gris y es el más famoso de todos. Es salvaje, descontrolado y éste es el único que posee la habilidad de aumentar sus facultades (fuerza, tamaño, resistencia, etc.) es más fuerte que el gris y más grande; siempre está siendo perseguido por el ejército, por supervillanos y superhéroes. Siempre venció gracias a su fuerza bruta. Este estado retrocedió cuando Banner tomó el control de Hulk, pero volvió a aparecer en las Guerras Secretas.
Tras que el Doctor Extraño le desterrara a otra dimensión, volvió y fue atacado por los Vengadores, She-Hulk y Doctor Samson, siendo derrotado porque le fallaban las fuerzas. Tras esto, se cayó a un recipiente donde reaparece el Hulk gris.
Al cabo del tiempo, volvió a aparecer porque el intento de control de Dormammu lo liberó, teniendo luchas con el Hulk gris por el control. Acabó fusionándose con Banner y el otro Hulk para crear al Profesor.
Pero cuando este perdió el juicio volvió a aparecer, manteniendo un poco de cordura pero siendo igual de salvaje.
Hulk con el cerebro de Banner: Este estado se dio en algunas ocasiones, Bruce tomaba el control de Hulk.
Tres Hulk en un cuerpo
El Profesor:Es la fusión de los dos Hulks (el gris y el verde) y Baner. Tiene una personalidad diferente de los otros tres y es más razonable. Acaba cuando lucha contra Onslaugth.
Bruce con el cerebro de Hulk: Es una forma en la que aparece Banner con el cerebro de Hulk cuando se destransforma siendo el profesor. No es consciente de su estado y cree que es el más fuerte del mundo.
Hulk Maestro: El Maestro es una versión futura del gigante esmeralda, si le ha hecho falta Hulk se ha llegado a transformar en su encarnación futura.
Historia de la Publicación del Cómic de Hulk
El Debut y la primera serie
Hulk debutó en el número 1 de la colección de cómics The Incredible Hulk (mayo de 1962),con guión de Stan Lee, dibujo de Jack Kirby y entintado de Paul Reinman. En la primera historia, Hulk era gris en vez de verde. Stan Lee , escritor y editor en jefe, había querido un color que no sugiriera ningún grupo étnico en particular. El colorista Stan Goldberg, sin embargo, insistió a Lee en que la tecnología del momento no podía presentar el color gris claro o coherente, lo que resulta en diferentes tonos de gris e incluso verde. A partir de la edición del n º 2 (julio de 1962), Goldberg pintó la piel de Hulk color verde.
La serie original fue cancelada después de seis números, con fecha de cubierta de marzo de 1963. Lee había escrito todas las historias, con Kirby dibujando los cinco primeros números y Steve Ditko el sexto. El personaje fue estrella invitada en Fantastic Four número 12 (marzo de 1963), y meses más tarde se convirtió en miembro fundador de los Vengadores en noviembre de 1963, y regresa como antagonista en los números 3 y 5 de enero y mayo de 1964. A continuación, es estrella invitada en el Amazing Spider-Man # 14 (julio de 1964).
Poco después el co-creador, Jack Kirby, recibió una carta en su dormitorio de la universidad indicando que Hulk había sido elegido como mascota oficial. Kirby y Lee habían encontrado una audiencia de edad en la universidad.

Tales to Astonish
Un año y medio después de que su serie fuese cancelada, Hulk volvió a aparecer en Tales to Astonish número 60 (octubre de 1964). En el número anterior, se presentó como el antagonista del Hombre Gigante, el protagonista del número. Estas nuevas historias fueron inicialmente escritas por Lee e ilustradas por Steve Ditko en el dibujo y George Roussos como entintador. Otros artistas más adelante incluyeron a Jack Kirby # 68-84 (junio de 1965 - Octubre de 1966) y diseños de otros artistas; Gil Kane, acreditado como "Scott Edwards", en el # 76 ( Febrero de 1966); Bill Everett (Abril-Octubre de 1966) y John Buscema. Marie Severin terminó con la temporada de Hulk en Tales to Astonish y comenzó con la edición # 102 (abril de 1968) cuando la serie fue retitulada The Incredible Hulk, y duró hasta marzo de 1999, cuando Marvel canceló la serie y, a continuación, reinició el título con nueva numeración.

1970
En 1977, tras el debut de la serie de televisión El Increíble Hulk (serie televisiva), Marvel lanzó un segundo título, The Rampaging Hulk, una revista de cómics dirigida a la audiencia de la serie de tv. Los escritores introdujeron una prima de Banner llamada Jennifer Walters, mejor conocida como Hulka, que luego se ganó una serie para ella misma (para prevenir posibles problemas de derechos). Banner le dio un poco de su sangre en una transfusión que necesitaba y la radiación gamma afectó todo su cuerpo, que paso a ser verde y musculoso, y aunque mantuvo la mayor parte de sus facultades intelectuales, su personalidad se vio afectada.
Los escritores cambiaron varias veces durante la década. Algunos de ellos fueron Archie Goodwin, Chris Claremont, y Tony Isabella, Len Wein, Herb Trimpe, Sal Buscema (que fue el dibujante oficial durante 10 diez años desde 1975).

1980 y 1990
Tras Roger Stern, Bill Mantlo se hizo cargo de la redacción con el número 245 (Mar 1980). Durante su estancia en la serie, estableció que Banner había sufrido maltratos cuando era niño, una idea explorada en la historia Encrucijada, que se desarrolló a partir de la edición # 300 (octubre de 1984) a # 313 (noviembre de 1985). Mantlo mostró a los lectores que el abuso sufrido era la causa de la gran cantidad de ira reprimida dentro de Banner, que a su vez provoca su fragmentada personalidad. Fue una de las mejores etapas de toda la colección, hasta que Mantlo y el dibujante Mike Mignola se fueron a trabajar a Alpha Flight [5], haciéndose John Byrne cargo de la serie, seguido por Al Milgrom , antes de que llegase Peter David.
Peter David se convirtió en el escritor de la serie con el número 331 (mayo de 1987), que marca el inicio de una etapa de 12 años que se caracterizó por la relación conflictiva entre Banner y su alter ego Hulk. David representó el sufrimiento Banner como un trastorno disociativo de identidad (DID, mostrando que tenía graves problemas mentales desde mucho antes que se convirtiera en Hulk). David renovó su personalidad significativamente, dando al Hulk gris el alias Joe Fixit, y trabajó con numerosos dibujantes durante su carrera en la serie, como Dale Keown, Gary Frank, Todd Mcfarlane, Mike Deodato Jr, George Pérez, y Adam Kubert.
En el número 377 (enero de 1991), David renueva la personalidad de Hulk, utilizando una línea argumental en la que la hipnosis sintatiza las personalidades de Banner y Hulk en un nuevo Hulk: el Doctor, que posee la astucia del Hulk gris y la inteligencia de Bruce Banner.
En el 1993 en el especial Futuro Imperfecto, y con los dibujos de George Pérez, presentó a los lectores la distópica de un futuro. Llamado a sí mismo el Maestro, Hulk habita un mundo en el que la mayoría de los héroes han muerto y sólo Rick Jones y un pequeño grupo de rebeldes lucha contra el Maestro. Aunque El Maestro parecía ser destruido por el final, regresa en El Increíble Hulk # 460 (enero de 1998), también escrito por David.
Más tarde, en 1998, el editor Bobbie Chase sugirió la idea de matar a Betty Ross, que David siguió. En la introducción Hulk, David dice que su esposa le había abandonado recientemente y le había proporcionando inspiración para la historia. David estuvo en desacuerdo en muchos temas con Marvel, como los constantes cruces con otras colecciones que interrumpían sus planes, lo que le llevó a abandonar el proyecto y a Marvel. Su último número fue el 467 (agosto de 1998).
También en 1998, Marvel relanza Rampaging Hulk, esta vez en la serie de cómics.

Relanzamiento
Cuando David salió del Hulk, Marvel contrató a Joe Casey como escritor temporal. Poco después, Marvel decidió cancelar The Increíble Hulk.
Marvel contrató a John Byrne para un segundo volumen de la serie, titulado volver a Hulk, con Ron Garney penciling. Byrne salió antes de del primer año, citando diferencias creativas. [7] Erik Larsen y Jerry Ordway hicieron pequeños cambios en su lugar, y pronto el título volvió a El Increíble Hulk con la llegada de Paul Jenkins en el número 12.
Jenkins escribió una historia de arco en el que los tres Banner y Hulks (Savage Hulk, Hulk Grey, y se refundió el Hulk, ahora considerado una personalidad independiente y se refirió a como el profesor) son capaces de interactuar mentalmente con los otros, teniendo cada uno más de su personalidad Compartida cuerpo. Durante este, los cuatro personajes se enfrentan otra sumergida Hulk, un sádico Hulk intención de atacar el mundo de la venganza. [8] John Jenkins Ryker creado también en el número 14, un despiadado general militar a cargo de la bomba gamma original responsables de la prueba Hulk de la creación y la planificación para crear criaturas similares. Ryker acciones del resultado brevemente Banner en Hulk convertirse en el sádico, pero las otras cuatro personas golpearon de nuevo.
Bruce Jones como seguido la serie de la escritora, y su carrera características Banner utilizando yoga para tomar el control de la Hulk mientras que él es perseguido por una conspiración secreta y ayudados por el misterioso Señor Azul. Jones se centró en un tema con el horror Hulk como un fugitivo. Se adjunta su número 43-Incredible Hulk con el correr Hulk / Thing: Hard llama a series limitadas, que Marvel publicó después de poner en marcha la serie de hiato.-
Hulk 2099
A comienzos de la década de 1990, dentro de las páginas de la colección 2099 Unlimited, se narraban las aventuras ambientadas en el futuro de John Eisenhart, un empleado de una megacorporación que tras ser bombardeado accidentalmente por rayos gamma, se convierte en una enorme bestia verde de fiero aspecto y terrible fuerza. El personaje, conocido como Hulk 2099, protagonizó su propia serie de cómics que sólo duró 10 números.
Televisión
- 1977, Serie de imagen real con Bill Bixby y Lou Ferrigno (Baner y Hulk respectivamente)
- 1977, Episodio Piloto y Origen de Hulk.
- 1977, segundo episodio Piloto de 100 minutos de duración. The Incredible Hulk Death in the Family (Return of the Incredible Hulk)
Después se rodó la serie de TV, que duró desde 1978, hasta 1982 y tuvo bastante éxito. Con Bill Bixby y Lou Ferrigno con un total de 87 episodios de 60 minutos de duración.
Le siguieron 3 películas, que en un principio serviría como re lanzamiento de una nueva serie a modo de Spiderman/Marvel Team Up, pero con el monstruo esmeralda. Las películas de Televisión son:
- The Incredible Hulk returns, 1988 y 100 minutos de duración, aparece el personaje de Thor
- Trial of the Incredible Hulk, 1989 y 100 minutos de duración. Con la aparición de Daredevil y de villano tenemos a Kingpin
- Death of the Incredible Hulk, 1990. A la espera de un nuevo episodio piloto para la nueva serie, la cual se iba a llamar Rebirth of the Incredible Hulk, es más en esta película iba aparecer Ironman y She Hulk, inclusive se dijo que seria para lanzar a los vengadores en la televisión, pero la muerte de Bill Bixby hizo cancelar el proyecto. Así que, Hulk muere absurdamente por una caída desde un avión, cosa que en un episodio de la serie sucedía lo mismo y siguió vivo.
Como nota curiosa, en la serie, que poco tiene que ver con el cómic, el personaje de Bruce Banner es cambiado por David Banner según Stan Lee el nombre fue cambiado ya que "Bruce" sonaba homosexual[cita requerida]. En un principio, Hulk no iba a ser verde, si no, de color rojo esto basándose en el concepto de David y Goliat.

- 1982, serie animada con un total de 13 epiosdios de 24 minutos de duración. La serie es más cercana al cómic que la de imagen real.
- 1996, otra serie animada con un total de 21 episodios
Cine
En el 2003 saldría en cine la primera película de este personaje, bajo el título de Hulk Dirigida por Ang Lee y protagonizada por Eric Bana (Bruce Banner), Jennifer Connelly (Betty Ross) , Sam Elliot como el general (Thundebolt Ross) y con Nick Nolte como el padre de Banner y catalizador de la historia. El propio Hulk fue realizado mediante técnicas informáticas, siendo la calidad de los efectos especiales muy alta.
El resultado fue polémico; mientras que los detractores del film se quejan de que es demasiado lento e introspectiva para una película de superhéroes, sus defensores alaban el trabajo de interpretación y la estética de cómic conseguida, a base de utilizar con profusión viñetas y los colores verde y morado característicos del personaje. Sin embargo la opinión general si está de acuerdo en que los efectos especiales están muy mal conseguidos, sobre todo en la famosa escena de Hulk en el desierto enfrentándose a pleno sol contra unidades del ejército.
Marvel Studios recuperó los derechos del personaje y en el 2008 se estrenó una nueva versión con el título The Incredible Hulk, conocida erróneamente como "Hulk 2". Dirigida por Louis Leterrier y protagonizada por Edward Norton como Bruce Banner, Liv Tyler como Betty Ross, Tim Roth como Emil Blonsky, la Abominación, William Hurt como el general Thunderbolt Ross y Lou Ferrigno poniéndole voz al mismísimo Hulk. El guionista Zak Penn trabajó en una secuela más cercana a los cómics y la serie de televisión. Norton reescribió el guión tras aceptar actuar como actor principal, eliminando cualquier vínculo con el anterior film recontando el origen del personaje mediante flashbacks.
Encontramos al científico (Bruce Banner) viviendo entre las sombras, buscando un antídoto por todo el planeta para curar el monstruo que lleva dentro. Pero los militares, que sueñan con conseguir sus poderes, no lo dejarán en paz. Sin embargo, él, lo único que necesita es estar con la única mujer que ha amado, (Betty Ross). A su vuelta a la civilización, nuestro brillante doctor es perseguido ferozmente por (Abomination), una bestia de pura adrenalina cuyos poderes son iguales que los de Hulk. Una lucha de proporciones de cómic se acerca , a la vez que (Bruce Banner) deberá buscar el héroe que lleva dentro para salvar a Nueva York de la destrucción total. El científico debe tomar una decisión final: aceptar una vida tranquila o convertirse en la criatura para siempre: Hulk.
En la película aparece brevemente otro personaje Marvel, Tony Stark más conocido como Iron Man (Robert Downey Jr.).
Esta nueva película tiene diferentes cameos a la serie de los 70, además en una escena aparece Lou Ferrigno como un guardia de seguridad. Y en otra escena aparece Stan Lee como consumidor fortuito de la bebida infectada con la sangre de Hulk.
Enlaces externos Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Hulk.
• Muestras de los poderes y habilidades de Hulk y del Universo Marvel
• Todas las reseñas del Hulk de Peter David
• Tema musical (BSO hispano)
• Comentarios sobre capítulos de la serie de TV, la película de 2003 y La muerte de Hulk, de 1990
• Cubiertas cómicas del Hulk
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Secret Wars
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Secret Wars
Formato
Series limitadas con posteriores recopilaciones en tomos
Primera edición Mayo 1984 - Abril 1985
Editorial
Marvel Comics

Periodicidad Mensualmente
Personajes
Lista de personajes

________________________________________
Creador(es)
Stan Lee

Guionista(s)
Jim Shooter

Dibujante(s)
Mike Zeck, Bob Layton

Entintador(es) Terry Austin, John Beatty

Colorista(s) Christie Scheele, Nelson Yomtov

Rotulador(es) Joe Rosen

Portadista(s) Mike Zeck, Bob Layton

Sitio web

Secret Wars (en castellano "Guerras Secretas") es una serie limitada de 12 números publicada por Marvel Comics entre 1984 y 1985. Fue junto con la miniserie Contest of Champions los dos primeros crossover que afectaban a todas las series de la compañía, y estuvo a cargo de Jim Shooter, Mike Zeck y Bob Layton. La historia trata de una entidad cósmica, el Beyonder (traducido en España como «Todopoderoso»), que secuestra a un gran número de héroes y villanos y los enfrenta en un planeta artificial.
La serie tuvo una secuela, Secret Wars II, donde la acción ocurría en la Tierra y se veían involucrados muchos más personajes.
Idea original
La serie fue concebida por el entonces editor en jefe de Marvel Jim Shooter. Kenner había conseguido la licencia para hacer juguetes de los superhéroes de DC, y Mattel pese a tener la licencia de He-Man no quería dejar pasar la oportunidad de hacer algo con los superhéroes. Mattel tenía interés en los personajes de Marvel pero solo si se realizaba una publicación que congregara mucha atención y sobre la que ellos pudieran trabajar. Los fans, sobretodo los más pequeños, siempre le habían sugerido a Jim Shooter «una gran historia con todos los héroes y villanos juntos», de esta manera surgió la idea de hacer la serie.1

Historia
Antes de la publicación de la serie limitada, buena parte de las series de Marvel tuvieron como última página del número de ese mes la misma escena: una gigantesca estructura similar a un «estadio» que aparecía de pronto en medio de Central Park, y todos o algunos de los superhéroes protagonistas de la serie entraban a investigar de qué se trataba.
Todo esto era un plan trazado por la entidad cósmica denominada Beyonder quien tras a observar detenidamente el planeta Tierra queda fascinado por la presencia de superhéroes y su potencial y decide crear un grupo de héroes y otro de supervillanos para enfrentarlos entre sí.
Tras entrar en el «estadio» todos los héroes son teletransportados contra su voluntad. El primer número de la serie comienza con los héroes desaparecidos rematerializándose dentro de un nave espacial, sin ninguna otra tripulación mientras que en la otra nave aparecen los villanos. La tensión derivó en conflictos internos en ambas naves, en la de los héroes se enfrentan a causa de la presencia de Magneto (que en aquel momento se estaba intentando reformar)., mientras que en la otra Ultron intentó matar a todos y por ello fue desactivado por Galactus.
Todo eso pasó de pronto a un segundo plano: fuera de las naves, una galaxia completa fue destruida y sólo una estrella quedó intacta. Cerca de esa estrella se comenzó a formar un planeta con numerosos fragmentos. Entonces, se abrió una grieta en el espacio, y una voz dijo: Soy del más allá. Maten a sus enemigos y todo lo que deseen será suyo. No hay nada que sea imposible para mí.2
Debido a que, en inglés, la primera frase del ser fue «I am from beyond» («Soy del más allá»), Galactus se dirigió a él como Beyonder, y este pasó a ser el nombre definitivo del personaje.
Galactus sintió que el ser que hablaba realmente tenía el poder que decía, y abandonó la nave inmediatamente, para entrar a la grieta y obligar a Beyonder a cumplir su máximo deseo: quitarle su «hambre», su necesidad de consumir planetas. Dr. Doom lo siguió en la retaguardia, ambicionando el poder de Beyonder, a la espera de alguna oportunidad que pudiera surgir. Sin embargo, ambos fueron repelidos y cayeron al planeta de abajo. Ambas naves se dirigieron también al planeta, y sus dos tripulaciones fueron teleportadas a su superficie, en diferentes localizaciones.
Cada uno de los bandos (los X-Men se mantuvieron independientes) estableció una base de operaciones y mantuvieron diversos enfrentamientos, que finalizaron cuando el Dr. Doom absorbió para sí los poderes de Beyonder.3 Convertido en un ser todopoderoso, restaura su cara, se despide de héroes y villanos (salvo Klaw, del que no se separa) y anuncia su próxima ascensión a un plano superior.
El Capitán América, no admitiendo que Dr. Doom pudiera limitar la libertad ajena, decide atacarle, siendo secundado por el resto de héroes. En ese momento, Dr. Doom (que ni siquiera estaba presente) hace caer un rayo sobre ellos, matándolos. Se prepara entonces para atacar el reino de Mefisto para rescatar a su madre del infierno.
Pero Beyonder, tras su caída, había tomado posesión del cuerpo de Klaw y a través de él engaña a Dr. Doom para recuperar finalmente sus poderes. En ese momento restaura a todos a su estado inicial, y se va.
Finalmente, Reed Richards utiliza el artefacto que los trajo a todos allí para devolverlos a la Tierra, salvo a Ben Grimm, que decide quedarse allí solo.
Personajes
Superhéroes
Liderados por el Capitán América.
Los Vengadores
• Capitán América
• Iron Man (Jim Rhodes)
• La Avispa
• Ojo de Halcón
• Capitana Marvel II
• She-Hulk
• Thor
Los Vengadores incluían también a Pájaro Burlón, Visión y la Bruja Escarlata, pero no entraron a la máquina que transportó a los demás. La armadura de Iron Man no estaba en manos de Tony Stark porque este tenía problemas con el alcohol.
Los 4 Fantásticos
• Antorcha Humana
• Mr. Fantástico
• Thing
La Mujer Invisible de Los 4 Fantásticos no acompañó a sus compañeros por estar embarazada por segunda vez.
Independientes
• Hulk (con la inteligencia de Bruce Banner)
• Spider-Man
• Spider-Woman (Julia Carpenter)4
X-Men
• Cíclope
• Coloso
• Charles Xavier
• Lockheed (dragón)
• Magneto
• Nightcrawler
• Rogue
• Tormenta
• Wolverine
Kitty Pryde era también parte de los X-Men en aquel momento, pero al no entrar en el artefacto no fue transportada.
Villanos
Liderados por el Dr. Doom.
• Doctor Octopus
• Dr. Doom
• Encantadora
• Hombre Absorbente
• Hombre Molécula
• Kang
• Klaw
• Lizard
• Titania
• Ultron
• Volcana
• Wrecking Crew
Personajes neutrales
• Beyonder
• Galactus
• Zsaji, una curandera nativa.
Consecuencias
En todas las series de Marvel afectadas pasó un año entre el final del número en el que desaparecían los protagonistas y el siguiente, que era el tiempo que había pasado en las Secret Wars. A la vuelta, se habían producido una serie de cambios:
• Spider-Man trajo consigo el Traje Negro sin ser consciente de que en realidad es un simbionte alienígena.5
• Ben Grimm (Thing) se quedó en el planeta del Beyonder para poder averiguar qué le permite poder cambiar su forma humana-rocosa a voluntas; sus historias allí se contarían en la recién creada serie del personaje.6
• She-Hulk pasó a formar parte de los 4 Fantásticos, sustituyendo a Ben Grimm.7
• Hulk fue perdiendo poco a poco la inteligencia de Bruce Banner.
• Coloso, tras contarle su aventura amorosa con Zsaji, rompió con Kitty Pride.8
• Los X-Men reaparecieron en Japón.
• El Dr. Connors perdió la personalidad del Lagarto.
• Se crean los personajes Titania y Volcana.9
Edición española
En España la miniserie de Secret Wars se publicó en la editorial Planeta DeAgostini Cómics en 12 números de formato "forum" en 1985, más tarde, en 1991 se hizo una segunda edición. En 2003 se reeditó la obra en un tomo de tapa dura incluyendo toda la miniserie más páginas de diferentes comics de Marvel donde se ve a los heroes entrando en la máquina del Beyonder procedentes de: "The Amazing Spider-Man" #251, "The Uncanny X-Men" #180, "Captain America" #292, "The Invincible Iron-Man" #181, "The Incredible Hulk" #294 y "The Thing" #10.10
Referencias
1. ↑ «THE Jim Shooter Interview» (en inglés). Consultado el 30-11-2009editor=Valiant Fans.
2. ↑ Marvel Super-Heroes Secret Wars #1 (mayo 1984)
3. ↑ Secret Wars #10 (febrero 1985)
4. ↑ Secret Wars #6 (octubre 1984)
5. ↑ Secret Wars #8 (diciembre 1984)
6. ↑ Secret Wars #12 (abril 1985)
7. ↑ Avengers #243 (mayo 1984); Fantastic Four #265 (abril 1984)
8. ↑ Uncanny X-Men #183 (julio 1984)
9. ↑ Secret Wars #3 (julio 1984)
10. ↑ SHOOTER Jim y MIKE Zeck, Marvel Super Heroes: Secret Wars, Planeta DeAgostini, Barcelona, 2004, ISBN 978-2-7150-0777-2
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Secret_Wars"
Categorías: Series de Marvel Comics | Guerras ficticias

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2010-06-04T15:15:00.001-07:00

Slide de harry gamboa y su trabajo

HARRY GAMBOA

RESUMEN

Artesano, Dibujante Artístico Free Lancee con conocimientos de Internet y Windows Office. Soy una persona responsable, me adapto al ambiente de trabajo, tanto individual como grupalmente, y con capacidad de trabajar bajo presión.
ESTUDIOS
ESTUDIOS PRIMARIOS : Escuelas Particulares Mixtas :
Inmaculada De Las Nieves
Colegio San Agustín
Colegio Santísima Trinidad
ESTUDIOS SECUNDARIOS : C.E.P. Fray Luís De León
ESTUDIOS SUPERIORES : Escuela Nacional Autónoma Superior De Bellas Artes ENSABAP ( Grabado , Xilografía , Serigrafía, Intaglio, Lithografia, Artes Plásticas, Dibujo Artístico, Fotografía B/N )
OTROS ESTUDIOS :
Taller De Afiches Chicha: Revolución cromática
Duración :
Del lunes 10 al sábado 15 de mayo 2010-05-16 Centro Cultural de España
Experto En Microsoft Office 2007
(Windows XP , Word 2007, Excel 2007, Publisher 2007 , Access 2007 ,Power Point 2007)
Duración : Del 13 / 01/ 2010 al 17 / 02 / 2010
Windows, Word , Internet en el Instituto Superior Tecnológico Peruano de Computación e Informática I.P.C.I.
Dibujos Animados , Especialidad LAYOUT en VIDEO SPOT Para un proyecto de dibujos Animados para la compañía americana HANNA – BARBERA
Participante en el ciclo de conferencias organizado por la ONPE /
DIALOGO ELECTORAL 2009 / 2
Proyecto : Fortalecimiento de valores y practicas democráticas para el sostenimiento y consolidación de la democracia en el Perú y América latina

3. OTROS CONOCIMIENTOS Y HOBBIES
Leo y Escribo en Ingles Básico, Realizo Cómics Books, tengo mi grupo en Internet y diversos blogs dedicados al arte, el cine y los cómics books
Participe En :
El 2do. CONCURSO NACIONAL DE HISTORIETA TEMATICA Organizado por la Universidad Científica Del Sur / Agosto 2009 .
Se Publico un Dibujo mió en la revista americana N.I.C.E. NEWS MONTHLY / MARCH 1998 (MARZO 1998) en la sección
HEY! N.I.C.E. ART! Pagina 79
Participe en la EXPOSICION ANUAL 1982 de la ESCUELA NACIONAL SUPERIOR AUTONOMA DE BELLAS ARTES (ENSABAP) como alumno de la Especialidad de grabado.

Blogs :
• http://comicsenaccion.blogspot.com/
• http://gamboaworld.blogspot.com/
• http://artista646.lamula.pe/
• http://www.metroblog.com/index.php?mod=blogs&act=preview
• GRUPO YAHOO :
http://ar.groups.yahoo.com/group/gamboacomicsworld

incidente en ONPE

2010-05-01T10:09:00.001-07:00

El día de hoy viernes 30 de abril del 2010, me presente a un local en la avda. Bolivia en breña para dejar mi CV y postular a un puesto de trabajo, la puerta estaba abierta.
Salude a un grupo de personas y cuando consulte para dejar mi documento, una señorita me acompaño a un salón y me llevo con un señor de aproximadamente 50 y pico años, gordo, mal encarado. Canoso, mi CV lo tenia en un sobre blanco Bond, el le indico que me sacara del local y que solo recibía curriculums en sobre Manila. Regrese como a los 20 minutos, compre un sobre Manila puse mi cv dentro y toque la puerta, salio un joven y también me lo rechazo diciéndome que la manera correcta de presentar mi CV era en un folder Manila dentro de un sobre Manila y que si no estaba de esa manera presentado no lo recibían.
Me parece un abuso. Acaso el presentar un documento significa que ya uno tiene el puesto de trabajo.
Es un gasto inútil de dinero, yo lo tenía en un sobre, no eran hojas sueltas, inclusive tenía otro documentado.
Simplemente me rechazaron por la presentación.
Gracioso, en las convocatorias piden estudios superiores para trabajar en la onpe, en cualquier área por pequeña que sea,¿ eso se aplica también a los jefes ?
Parece que hay personas que no tienen ni siquiera el tercero de primaria, y encima colocan ese tipo de personas en puestos claves.
Realmente estoy muy contrariado, en sus charlas invocan al ciudadano de a pie a participar activamente en la vida política del Perú.
Yo lo hago siempre, ojala y este contratiempo no sirva solo para divertirlos a Uds.
Realmente si así de exquisitos son hasta para postular como será trabajar en la onpe.

Como el chiste se transformo en cómic en el Perú y sus fatales consecuencias.

2010-04-25T16:48:00.000-07:00

Hasta los años 70s aproximadamente en lima / Perú / el cómic se denominaba comúnmente chiste. Es el nombre que se le daba en ese entonces.
El chiste era un producto económico, en realidad barato.
La gente en lima se caracterizaba por su amor a la lectura no como ahora lamentablemente, pero con la llegada al poder del gobierno militar se corto la importación de material extranjero. Por un fenómeno supuestamente anti-imperialista, léase/entiéndase, anti-usa, okey.
Eso fue un shock, vivimos aislados de otros países por considerarse negativa la influencia usa para el desarrollo del Perú, es gracioso que ahora se les invite en bandeja a cualquier potencia extranjera, sobre todo a los americanos después que el gobierno militar los botara como perros.
Es terrible pensar que considerase el gobierno al pato Donald y superman como dañino para los niños y nos pusieran revistas pseudo pornos que al menos no eran de fantasías peligrosas y altamente dañinas para la mente de los niños de ese entonces.
Increíble pero cierto.
ahora bien al llegar el gobierno civil se abrió paso en el Perú la modernidad de manera abrupta es decir , series , películas, modas, música y eventualmente patrones de conducta sexual , un desarrollo sin madurez , de niño a adulto , mejor dicho cuerpo de adulto sin tener un adecuado y moderado comportamiento, actuando solo por imitación.
Y que pasa con los cómics que es el tema principal de este articulo.
Fácil reaparecieron.
Tímidamente y a otros precios, la mayoría de cómics eran en español de la desaparecida editorial Novaro.
Novaro presento como novedad 3 nuevos formatos.
El tamaño estandar grande como serie avestruz un poco caro.
El tamaño águila que pego por su precio económico.
El tamaño colibrí muy pequeño formato bolsillo.
Nunca vi. chistes en ese tamaño.
Luego llegarían los cómics de la casa editorial zinco de España, series nuevas , formato estándar, excelente traducción y presentación que llegaron a los quioscos de periódicos y autoservicios como la desaparecida cadena de autoservicios tipo metro y plaza vea llamada escala gigante.
Para ese entonces el grupo llamado nazca cómics había hecho su aparición y se dieron cuenta de ese vacío y que los nuevos lectores, mayormente jóvenes, groseros, malcriados, petulantes e ignorantes eran un blanco fácil para lucrar con ellos.
Usando como campo de batalla o bunker el parque universitario, ofertaban a través de esos vendedores todo tipo de cómics desde los Novaro, cómics usa y los últimos de zinco que decían que habían hecho un trato exclusivo con la casa editora en España y que tenían la exclusividad de su línea editorial ofertándolos a esos chicos nada menos que a un promedio de diez dolares cada uno.
ja,ja,ja,ja,ja,ja,ja,ja,ja,ja
Saben de que me río, bueno calcúlenlo así, al cambio un dólar son como 3 a 4 soles en Perú es decir entre 30 y 40 soles cada cómic de zinco.
Casi se mueren cuando un joven salio a vender esos cómics de zinco en pleno lima como ambulante a un sol.
De veras un sol.
Los idiotas les pedían explicaciones les dijeron que vendía revistas robadas,
Que el las fabricaba en fin solo faltaba decir que tenia la lámpara de Aladino.
Tarados, se merecen al grupo nazca que se los coma, encima le iban a robar cómics, a mentarle la madre, oye tu flacuchento de mierda, quien eres tu concha de tu madre para vender esos cómics que mis amigos, amigos...a esos se les puede llamar amigos son los únicos que pueden venderlos y a ti nadie te conoce y no eres del grupo nazca.
Finalmente el grupo nazca dio su golpe maestro, como sacárselo del medio sin matarlo.
Fácil.
Les dijeron donde estaba ubicado la casa distribuidora.
Los muertos de hambre de los pseudo coleccionistas hicieron un escándalo, se amontonaron y se pusieron a dar de gritos, oye huevon mira a un sol y por docena más barato todavía,
Pero que cojudos, si son cómics de colección son cómics de colección.
Por lo menos a 80 dólares cada uno. Suave en la calle lo vendes a 10 soles y la gente te los paga calladito.
Ese día murieron los chistes baratos, las ofertas, los saldos, gracias a los coleccionistas de miércoles, pero no como coleccionistas de chistes sino ahora como coleccionistas de cómics.
Cómics no chistes.
Ahí esta el chiste del asunto, porque cómics, no chistes.
Porque chistes no crean coleccionistas, un coleccionista paga precios exorbitantes por un cómic un chistero no.
Además anteriormente existían puestos de ventas en todos los distritos de lima, mayormente ambulantes, alguien se acuerda de la plaza 2 de mayo por ejemplo donde ninguna revista sobrepasaba el sol.
Al desalojar a los ambulantes de toda lima, ellos optaron por cambiar de giro comercial y el parque sobrevivió, ingresando a los locales y al no tener competencia con mas ganas empezó el proceso comiquero, es decir agarrate catalina ni preguntar precios de cómics que te da patatús de inmediato y obviamente se convirtió en un producto que representa un supuesto estatus de poder y riqueza.
Al menos los coleccionistas, es decir esos tarados que te encuentras por la calle a cada momento, creen que pagar cientos de soles por un chiste les da un aura de grandeza y poder sobre los demás.
Esa ecuación obviamente a favorecido plenamente al llamado grupo nazca que enriqueció a sus miembros cabezas, y que como tienen muy buenos contactos y relaciones con personas de la prensa los presentaban como un grupo dedicado a la difusión del cómic en el Perú y a dedicarse a actividades artísticas sin fines de lucro.
Ahora por favor cuentemente una pero de vaqueros si, please.
El cómic trajo cola, no solo los cómics dan plata, se olvidan acaso del enorme merchasing existente, es decir, prendas de vestir, cards, juguetes, dios mío, pobres de los coleccionistas de juguetes.
Un joven una vez me dijo:
Me sale mas a cuenta ser dedicarme a las drogas que ser coleccionista de cómics,
Terrible pero cierto.
Solo piensan en eso, es una competencia entre ellos tratando de demostrar quien es el más mejor.
Si el más mejor es terrible ser ignorante no lo creen.
Alguna vez sacaran cuenta que todo ese dinero podrían emplearlo para pagar sus estudios o poner un pequeño negocio, la juventud no es eterna los lamentos si.
Que viva el reinado de los cómics.
El chiste ha muerto en el Perú.
Larga vida a los cómics.
P.D. Por favor abstenerse de dar plata para que te traigan cómics de usa, tu plata no la vas a ver, tus cómics menos, ni en sueños, con ese cuento han estafado a muchos jóvenes.
Es una lastima que se aprovechen de algo tan hermoso como los cómics y lo hallan convertido en un terrible y asqueroso vicio.
Ahora ya no se hacen llamar grupo nazca ahora son el Kingdom cómics, la misma chola con otro calzón.
A propósito realizan charlas para la hermandad de coleccionistas e invitando al publico en general a participar de esos eventos, no importan que te sonrían solo quieren tu dinero.
Aléjate de ellos y cuida a tus hijos, ellos caen fácil en sus garras, el vicio del cómic es peor que el vicio de las drogas.

dibujo

2010-04-20T10:32:00.000-07:00

Dibujo
Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace.[1] El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes, una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.Dibujo tambien significa la forma de una persona como expresar sus sentimientos pensamiento o ideasHistoria

Nos valemos del dibujo para representar objetos reales o ideas que, a veces, no podemos expresar fielmente con palabras. Los primeros dibujos conocidos se remontan a la prehistoria, como los que se encuentran en la Cueva de Altamira, donde nuestros antepasados representaron en los techos y paredes de las grutas lo que consideraban importante transmitir o expresar.

Dibujos y pinturas de la cueva de Altamira.
De las primeras civilizaciones perduran escasos testimonios de dibujos, normalmente, por la fragilidad de sus soportes (se han hallado en ostraca y pinturas murales inacabadas), o porque eran un medio para elaborar posteriores pinturas, recubriéndolos con capas de color. Las culturas de la Antigua China, Mesopotamia, el valle del Indo, o el Antiguo Egipto nos han dejado muestras evidentes de ello, ideándose los primeros cánones de proporciones, como sucedió también en la Antigua Grecia y Roma.

En la Edad Media se utilizó profusamente el dibujo, generalmente coloreado, para representar sobre pergaminos los temas religiosos tratados, a modo de explicación o alegoría de las historias escritas, primando lo simbólico sobre lo realista, incluso en sus proporciones y cánones. También la cultura islámica contribuyó con preciosos dibujos que acompañaban textos de anatomía, astronomía o astrología.

Es en el Renacimiento cuando el dibujo eclosiona alcanzando sublimes cotas. Por primera vez se estudia el método de reflejar la realidad lo más fielmente posible, con arreglo a unas normas matemáticas y geométricas impecables: con Filippo Brunelleschi surge la perspectiva cónica. El dibujo, de la mano de los grandes artistas renacentistas cobra autonomía, adquiriendo valor propio en autorretratos, planos arquitectónicos y variados temas realistas –como los de Leonardo da Vinci–, además de seguir sirviendo como estudio previo imprescindible de otras artes, como la pintura, escultura, o arquitectura.

Conceptos
El dibujo es el lenguaje universal porque, sin mediar palabras, podemos transmitir ideas que todos entienden de modo gráfico. Hay dibujos que son reconocidos dentro de una cultura, a los que llamamos símbolos. Otros ejemplos son las señalizaciones: señales de peligro, de advertencia o informativas, como las que prohíben fumar, las que diferencian géneros, o indican salidas de emergencia. En ellas se utiliza el lenguaje gráfico como un modo directo y eficiente de transmitir un mensaje.
Dibujar y pintar
Dibujar y pintar no es lo mismo. El dibujo es el arte de representar gráficamente objetos sobre una superficie plana. Es la base de toda creación plástica y es un medio convencional para expresar la forma de un objeto mediante líneas o trazos. En la pintura, la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas.

Las técnicas de "pintar" y "dibujar" pueden ser confundidas, porque las herramientas son las mismas para ambas tareas, pero las operaciones son distintas, "pintar" incorpora la aplicación de pigmentos, generalmente aplicados mediante un pincel, que son esparcidos sobre un lienzo; mientras que el dibujo es la delineación en una superficie que generalmente es el papel.

El termino dibujar también sugiere un proceso distinto al de pintura. El dibujo es generalmente exploratorio, con énfasis principal en la observación, solución de problemas y composición. En contraste, la pintura tradicional es generalmente la ejecución o acabamiento del dibujo mediante la inserción de pigmentos.

Clasificación del dibujo
Dibujo según su concepción
De acuerdo con su objeto, el dibujo se puede clasificar en:

Dibujo de concepción
Dibujo de definición
Dibujo de fabricación
Estos determinan precisamente el orden cronológico para representar y transmitir a través de bosquejos, diagramas o esquemas la idea o proyecto que desea desarrollar y ejecutar su inventor o diseñador: plasmando en su orden la idea general; su espacio forma y dimensión; y por último su proceso y técnica de fabricación.

De acuerdo con su objetivo se clasifican en :

Dibujo artístico

Dibujo artístico: Autoretrato de Durero a los 13 años. Dibujo de Albrecht Dürer de 1484.
Los dibujos artísticos suelen ser representaciones de objetos o escenas donde el artista ve, recuerda o imagina. Estos pueden ser realistas al punto de resemblanzas de tipos de vida. Un ejemplo son los retratos, o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al grado de perder cierta aproximación con la realidad (como la caricaturas), relativamente alejados de la realidad (o los dibujos animados y los comics), hasta llegar a lo surrealista y lo abstracto. Los bocetos son dibujos preparatorios para pintar, que son coloreados a lo largo del trabajo. Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa.

Dibujo geométrico
Es aquel que se representa por medio de gráficas planas. El Dibujo geométrico constituye un verdadero y novedoso sistema de enseñanza estructurado para garantizar, tanto al alumno de los primeros años de las Escuelas Técnicas como a los de las Facultades de Arquitectura e Ingeniería -bachilleres o peritos mercantiles- un rápido manejo y posterior dominio de la mano en el plano.

Dibujo arquitectóntico: Planta y sección de la Basílica de San Pedro. Roma.
Dibujo técnico
Se dice que el Dibujo Tecnico es el lenguaje gráfico universal técnico normalizado por medio del cual se manifiesta una expresión precisa y exacta. Las aptitudes para esta clase de dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que se llega a él a través de un proceso de conocimiento y aprendizaje. Que se subdivide en Dibujo Técnico Especializado, según la necesidad o aplicación los más utilizadas o difundidos en el entorno técnico y profesional. Cada uno se caracteriza porque utiliza una simbología propia y específica generalmente normalizada legalmente.
Los planos que representan un mecanismo simple o una máquina formada por un conjunto de piezas, son llamados planos de conjunto; y los que representa un sólo elemento, plano de pieza. Los que representan un conjunto de piezas con las indicaciones gráficas para su colocación, y armar un todo, son llamados planos de montaje.

Dibujo geodésico

Dibujo geodésico: Mapa físico-político de la Tierra.
Sirve para representar la superficie esférica terrestre mediante proyecciones gráficas. Se realizan con diversas correcciones, proporcionales a la distancia que se encuentren los puntos respecto de los polos.

Un mapa del mundo en dos dimensiones, como si la tierra fuera plana, deberían trazarse los meridianos (círculos concéntricos verticales) en forma de líneas rectas verticales (pero Europa estaría situada proporcionalmente mucho más alejada de América). En un mapa geodésico, los paralelos (círculos paralelos horizontales) se dibujan como líneas horizontales paralelas, y los meridianos como curvas que parten de los polos (así, Europa está situada a una distancia proporcional de América).

Instrumentos y materiales

Dibujo mediante ordenador.

Dibujando rectas paralelas sobre papel con escuadra y tiralíneas.
Más que una técnica gráfica basada en el uso de la línea, el dibujo es la expresión de una imagen que se hace en forma manual, es decir, se usa la mano para realizarlo. Los instrumentos que se pueden usar son muchos, como también la superficie donde se puede hacer. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz como el instrumento, pero actualmente se usa la computadora utilizando el teclado, un ratón de ordenador, o con un lapiz óptico auxiliándose de una tabla o tableta digitalizadora.

Instrumentos
Los instrumentos más comunes para trazar dibujos son los lápices de grafito, la pluma estilográfica, crayones, carboncillos, regla, etc.
Tintas y pigmentos
El medio hace referencia a que tipo de tinta, pigmento o color va a ser usado sobre la superficie a dibujar. El medio dibujador puede ser tanto seco (como el grafito, pasteles, conté) como húmedo (como marcadores, pluma o tinta). Los lápices acuosos pueden ser utilizados en seco, pero al estar húmedos adquieren un tono especial. Muy raramente los artistas trabajan con una clase de tinta invisible.
Soportes físicos
El papel se elabora en gran variedad de tamaños y calidades, desde el papel de periódico hasta el papel de alta calidad y relativamente costoso que se vende por unidades. Los papeles pueden variar en textura, tonalidad, acidez y resistencia ante la humedad. Los papeles lisos y satinados son buenos para hacer trazos finos, pero un papel más áspero y poroso contiene mejor el medio líquido, resultando más adecuado para dibujar texturas y definir contrastes.
Para el trabajo con pluma y tinta, el papel convencional es apto para dibujos prácticos, aunque los papeles satinados o con más gramaje son más idóneos, al ser mucho mejor su superficie y espesor para trabajar con tinta y grafito.

Curiosidades
Paul Valéry decía que las tres grandes creaciones humanas son el dibujo, la poesía y las matemáticas.
La expresión coloquial no meterse en dibujos se refiere a abstenerse de hacer o decir impertinentemente más de lo que corresponde.
Un modo de dibujo a mano alzada es el realizado sobre la marcha, sin correcciones posteriores, por viajeros, exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce como Cuadernos de campo. Como ejemplo se pueden citar al colombiano Juan José Gutiérrez, al alemán Wilhehm Filchner y al español Julio Caro Baroja.
Véase también
Pintura
Dibujo animado
Dibujo técnico
Dibujo vectorial
Dibujos fotogénicos
Referencias
↑ Significado de "Dibujo" según la RAE.
Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Dibujo.Commons
Dibujo infantil
El dibujo infantil en América Latina
El dibujo infantil por Vygotski
Tutoriales para aprender a Dibujar
Doodle Is Art. Proyecto mundial del dibujo infantil
Museos del dibujo
Museo del dibujo Julio Gavín - "Castillo de Larrés" El único museo español dedicado íntegramente a la disciplina artística del dibujo
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Dibujo"

comic book

2010-04-20T10:10:00.000-07:00

Comic book
Un comic book (traducido en ocasiones al castellano como cuaderno)[1] es un formato de publicación de historietas, el más utilizado para los cómics estadounidenses y sus versiones en otros países.Características generales

En su forma más común, un cómic book es una revista o cuadernillo con grapa, de periodicidad mensual, de unos 17 x 26 cm. El contenido de la historia publicada oscila entre 20 y 30 páginas a color o monocromo, además de cubiertas, publicidad y textos autorreferenciales intercalados. Normalmente contienen una historia que, cada vez con mayor frecuencia, está dividida en entregas.

Originalmente se utilizaba papel barato y una calidad de impresión muy baja, en la que la trama de puntos que componía los colores era claramente visible; también solían tener alrededor de 18 páginas. A partir de los años 90 se generalizaron tipos de papel muy superiores, con lo que su calidad de impresión llegó a ser equivalente a la de cualquier revista, en especial desde la introducción del color verdadero.

La forma digital para ser leído digitalmente (en un ordenador, un Tablet PC, etc) se denomina e-comic.

Historia
Desde marzo de 1897, de la mano de Hearst, las tiras de prensa se recopilaron, apareciendo al menos 70 recopilaciones sólo entre 1900 y 1909. Muchos de ellos se regalaban con la compra de ciertos productos. En los Estados Unidos alcanzaron una gran popularidad como lectura de los soldados durante la primera (1914-1918) y segunda (1939-1945) guerras mundiales.

El primer comic book con material original sería producto de la iniciativa de George T. Delacorte Jr. (1929) con sus Famous Funnies, pero no será hasta mediados de la década de los 30 cuando surjan pequeñas compañías como All Star Comics, Action Comics o Detective Comics (DC Comics) y sus historias comiencen a aumentar en calidad.

Los que "levantaron a pulso la industria del cómic"[2] fueron, sin embargo, los superhéroes, el primero de los cuales sería Superman, creado por Joe Shuster y Jerry Siegel en 1938 y al que siguen otros como Batman en 1939 o el Capitán América y La Mujer Maravilla, ambos en 1941.

En un comienzo, cada ejemplar solía incluir cierto número de historias de diversos personajes, pero la longitud habitual de la historias fue creciendo progresivamente hasta que, en los años 60, la mayoría de ellos incluía una única historia autoconclusiva.

En la década de 1980 empezó a ser habitual que las historias se prolongaran a través de varios números de la misma colección. También empezaron a aparecer formatos alternativos al comic book, como el formato prestigio y la novela gráfica.

En España, su aparición fue tardía (el primero que se conoce es de 1936). Hasta los años 1970, el formato más habitual era el apaisado en blanco y negro, pero el formato vertical en color acabó imponiéndose. Actualmente, la mayoría de los cómics publicados en España utilizan este formato en su primera edición, siendo luego, con cierta frecuencia, recopilados en formato tomo, tal como se hace en Estados Unidos casi sistemáticamente con todas las colecciones de Marvel y DC.

Referencias
↑ Es el caso de Sergio Pradera en la sección "Doom Mail" de "La Patrulla Condenada" nº 3, Ediciones Zinco, Barcelona, 1988, p. 2.
↑ Aguilera, Ricardo y Díaz, Lorenzo en la sección "Mitos y músculos" del fascículo "Los superhéroes", para Gente de comic: De Flash Gordon a Torpedo, p. 35, publicado en "Gente" del Diario 16, 1989.
Véase también E-comic
Historieta
Libro-e
Manga
Revista
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Comic_book"E-comic
Comic digital, e-comic, ecomic, tebeo para el ordenador, tebeo digital, cibertebeo, o simplemente tebeo, comic, manga... es como se conoce un comic, manga o historieta en formato digital, para ser visualizado en los PC o cualquier dispositivo que posea una pantalla y memoria, como una videoconsola o un telefono móvil, adecuado para este propósito.
Generalidades

Página de Little Nemo in Slumberland, digitalizada. En Internet se pueden encontrar la obra completa, así como muchas otras.
Hoy en día numerosos archivos consisten en un archivo fotográfico totalmente digitalizado. O varios archivos fotográficos a modo de páginas, comprimidos en un solo archivo. Pueden ser fotografías de las páginas de un libro, como un diccionario visual o una guía de campo de la naturaleza, un libro de arte con cuadros de pintores, un álbum de cromos, etc. Cuando esas fotografías lo son de las páginas de un tebeo, manga o comic, tenemos un e-comic. En telefonos moviles suele denominarse en inglés "mobile comic". El término en inglés "webcomic" abarca los dos tipos de definición en español, e-comic o historieta digitalizada y webcomic, comic de web. En el caso de ser un libro escrito digitalizado, se denomina e-book.

Los cómics digitales para ordenador, tienen algunas ventajas en su uso, como marcadores, ampliación para personas con defectos visuales... se acompañan a veces de un audiolibro o archivo de audio que lee los textos, se puede escuchar música a la vez o el poco espacio físico que ocupan al poderse usar en un ordenador portátil. Se pueden enviar en una tarjeta de memoria, pendrive, Wifi, por infrarrojos, etc. Se aprestan muy bien a aprender idiomas ya que la oferta gratuita en otros idiomas como inglés, francés, alemán, italiano, portugués es amplísima. Se pueden extraer las imágenes para cambiar los colores, aclararlas, realizar posters, nuevos comics, etc.

En el idioma inglés no se distingue entre comics digitales y escritos. En Estados Unidos un "Comic Book" es un ejemplar de un comic escrito que suele tener continuación en una serie, como los "Manga magazine" de Japón. Un "comic album", se refieren generalmente a ejemplares con una historia autoconclusiva como las de Tintin denominado en U.S.A. "anthology book".

Archivos totalmente fotográficos como los cómics, son complicados de manejar, ocupan mucha memoria y deben ser ampliados bastante, por lo que necesitan una resolución alta. Para ello existen programas llamados visor de cómic. Un programa visor puede ser empleado para leer libros en cualquier formato de letra ya que visualiza la fotografía de la página de un libro, lo que los capacita a leer imágenes, pinturas o caracteres chinos o japoneses de escritura sin que resulte más complejo.

Los webcómics también suelen llamarse e-comics, aunque webcomic es realmente el nombre usado para referirse a los cómics realizados con el fin de obtener directamente una edición digital, para ser leído en un PC o similar, en el cual normalmente se presenta su lectura a través de una página web.

Un aficionado ha creado un programa homebrew de software para Nintendo DS, que es un comic con música denominado "QuestionDS", adaptado de la saga "A Question Of Promise". Hay varios libros interactivos de homebrew libre y gratuito del tipo "Elije tu propio final" de la coleccíon en inglés "Lone wolf" llamados "Fire on the Water" y "Huida en la oscuridad" este ultimo se encuentra en español y en inglés.

Los Comics digitales se pueden descargar gratuitamente con programas peer to peer como Emule o Ares, Torrent, Pando, o de numerosas páginas web en español, inglés y otros idiomas adaptados para verlos directamente con un visor incluso para formatos especiales como el de un móvil o la Nintendo DS.

Programa Visor El formato visual ya sea en pdf, cbr, cbz, cbds o cualquier otra variante es muy práctico para leer diccionarios visuales, de idiomas y especialidades, musculación, animales, plantas, bricolaje, planos de metro, manuales de instrucciones... y chistes a una viñeta tipo "13 Rue Del Percebe".
Prácticamente todos los visores cbr y cbz y algunos pdf son freeware realizados por programadores voluntarios y se distribuyen gratuitamente solo hay que descargarlos de Internet.

Los visores pdf surgieron como una necesidad profesional de reproducir documentos de trabajo. Pertenecen, o fueron creados, en su mayoría a empresas privadas y algunos están enfocados a la creación de documentación a nivel profesional. También se pueden ver comics además de libros en formato pdf para lo cual se usan visores como El ILiad de IRex, Adobe reader, XChange Viewer... y para PocketPC: ClearVue PDF Professional. La mayoría de telefonos moviles capacitados para leer archivos pdf llevan su propio visor pdf, como el telefono móvil LG Arena KM 900.

Visores de Comics para formato cbr y cbz:

Para Windows:, CDisplay, Nueva versión del CDisplay y CDisplayEX, Gonvisor, Ray Viewer, VisorComikator, Picwalker, Pixelcomic, CoView, Foxit Pdf Reader (visor gratuito de PDF), Comicrack: Visor y organizador.

Para Linux: Qcomicbook, Comix.

Para Mac: Comical, Ffview 0.9.6, Jomic, ComicBookLover.

Para PSP: PSPComic. para comics o libros en formato pdf se emplea el bookr.

Para Nintendo NDS: Nintendo DS el único formato que admite es cbds. Comic Book Ds. Como en otros dispositivos de pantalla tactil, puedes ocultar los iconos, que aparecen si tocas la pantalla tactil.Además de emplear una pantalla para el cómic y otra de lupa para leer los textos. Puedes dividir la página del comic entre las dos pantallas apretando de nuevo la tecla "A" cuando has accedido a una página. La página del comic dividida entre las dos pantallas, ponerla en apaisado, pulsando la tecla "R". esta página con el modo zoom te permite ver la media página, o la tira de viñetas, a tamaño real o mayor.

Formatos de los archivos de e-comic [editar]
Los formatos más comúnmente usados para ello son el .cbr y .cbz, además de los formatos de textos conocidos para los PC. En el último caso se visualizan mediante su programa respectivo. Estos formatos son sencillamente los archivos comprimidos en formato rar o formato zip, que después de comprimidos se cambia la extensión del nombre y se abre con un programa especial capaz de visualizar archivos comprimidos. Ejemplo, páginas escaneadas de Superman, comprimidas en rar: Superman.rar, comprimidas en zip: Superman.zip, manualmente las denominariamos Superman.cbr y Superman.cbz respectivamente.

Creación de e-comic
El procedimiento más común para crearlos es mediante la utilización de un escáner, aunque también se esté empezando a utilizar la cámara digital para este propósito. CRG en Internet, es una página web de aficionados a los cómics que crea e-comics gratuitos para uso personal.
Similares e-book, libro digitalizado.
Webcómic, comic diseñado para web.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/E-comic"Historieta
Se llama historieta o cómic a una "serie de dibujos que constituye un relato", "con texto o sin él",[1] así como al medio de comunicación en su conjunto.[2] Partiendo de la concepción de Will Eisner de esta narrativa gráfica como un arte secuencial, Scott McCloud llega a la siguiente definición: «Ilustraciones yuxtapuestas y otras imágenes en secuencia deliberada con el propósito de transmitir información u obtener una respuesta estética del lector».[3] Oscar de Majo agrega que «suele incluirse dentro del concepto también el humor gráfico, por utilizar las mismas herramientas, aunque no siempre se desarrolle en forma secuencial, o sea a través de varios cuadritos o viñetas, leídos de izquierda a derecha como la palabra impresa, sino en un solo cuadrito unitario ("cartoon")».[4]

Considerada durante mucho tiempo como un subproducto cultural,[5] apenas digno de otro análisis que no fuera el sociológico, desde los años 60 del pasado siglo se asiste a su reivindicación artística, de tal forma que Morris[6] y luego Francis Lacassin[7] han propuesto considerarla como el noveno arte, aunque en realidad sea anterior a aquellas disciplinas a las que habitualmente se les atribuyen las condiciones de octavo (fotografía, de 1825) y séptimo (cine, de 1886). Seguramente, sean este último medio y la literatura los que más la hayan influido, pero no hay que olvidar tampoco que "su particular estética ha salido de las viñetas para alcanzar a la publicidad, el diseño, la moda y, no digamos, el cine."[8]

Las historietas suelen realizarse sobre papel, o en forma digital (e-comic, webcómics y similares), pudiendo constituir una simple tira en la prensa, una página completa, una revista o un libro (álbum, novela gráfica o tankōbon). Han sido cultivadas en casi todos los países y abordan multitud de géneros. Al profesional o aficionado que las guioniza, dibuja, rotula o colorea se le conoce como historietista.[9]

En los países hispanoparlantes, el término historieta es el nombre autóctono[10] más extendido. En origen, era un diminutivo de la palabra historia, procedente a su vez de la raíz griega histor que significa ‘juez’. Algunos países hispanohablantes tienen además sus propias denominaciones específicas: Monitos en México, y tebeo en España.

Hacia los años setenta comenzó a imponerse en el mundo hispanoparlante el término de origen anglosajón cómic[11] (procedente a su vez del griego Κωμικός, kōmikos, de o perteneciente a la "comedia"),[12] que se debe a la supuesta comicidad de las primeras historietas.[13] En inglés, se usaban además los términos funnies (es decir, divertidos)[14] y cartoon (por el tipo de papel basto o cartón en donde se hacían), pero con el tiempo los "animated cartoons" o dibujos animados tendieron a reservarse la palabra "cartoon". Posteriormente aparece desde el movimiento contracultural el término comix, primero en inglés y luego en otras lenguas, que suele reservarse para publicaciones de este estilo.

Obviamente, las historietas no tienen por qué ser cómicas y por ello los franceses usan el término bande dessinée ('tiras dibujadas'), abreviado BD, que en realidad es una adaptación de 1962 de comic strip. El portugués tradujo del francés para crear banda desenhada, mientras que en Brasil se la denomina história em quadrinhos (historia en cuadritos), haciendo así referencia al procedimiento sintáctico de la historieta, como también sucede con el término chino liánhuánhuà ('imágenes encadenadas').

En relación a otros nombres asiáticos, el término manga (漫画,'imágenes grotescas') se ha impuesto en japonés a partir de Osamu Tezuka quien lo tomó a su vez de Hokusai, mientras que se reserva el término komikkusu (コミックス) para la historieta estadounidense. Los filipinos usan el similar komiks, pero lo aplican en general, mientras que en Corea y China usan términos derivados de manga como manhwa y manhua, respectivamente.

Finalmente, en Italia la historieta se denominó fumetto (nubecillas, en castellano) en referencia al globo de diálogo.[15]

Historia

Un fragmento del Tapiz de Bayeux (siglo XI).
Existe una fuerte controversia sobre cuál fue la primera historieta, en función de si se usa una definición más o menos restrictiva.

Antes de la imprenta
Algunas pinturas murales egipcias como la Tumba de Menna (c. 1422-1411 a. C.) o griegas y relieves romanos como la famosa columna trajana pueden ajustarse a la definición de cómic dada más arriba.

En la Edad Media europea, la narración visual en las naves de las iglesias, como en los 24 compartimientos del vitral de la Catedral de Chartres,[16] se desarrollaría todavía más en el extraordinario Tapiz de Bayeux (siglo XI), así como en la tradición de manuscritos iluminados representada por el Salterio de San Luis (1253-1270), la Biblia del cardenal Maciejowski (c. 1250), las Cantigas de Santa María (mediados del siglo XIII-1284), el Breviario de Felipe el Hermoso (c. 1300) o el Salterio Arundel (primera mitad del siglo XIV). También hay una tradición precolombina contemporánea, a la que pertenece el Códice Nuttall en escritura mixteca.[17] Para teóricos como Oscar Masotta, el verdadero parecido entre la historieta moderna y sus parientes de antaño[18] no comenzaría hasta finales del siglo XIV con la utilización en Europa del grabado en madera o xilografía, produciéndose libros como la famosa Biblia de los pobres o Biblia pauperum (1410-1420).

Las primeras historietas impresas (siglo XVI-1845)

Imagen de Epinal (s. XIX).
Gutenberg introdujo la imprenta en Occidente en 1446, y ya desde el siglo XVI, en Francia, y luego otros países, comienzan a difundirse las aleluyas. Fuera de ésta, también suelen citarse El Primer Nueva coronica y buen gobierno (hacia 1615) de Felipe Guamán Poma de Ayala[19] o las pinturas en serie del inglés William Hogarth (1697–1764), como A Rake’s Progress (La carrera de un libertino) y A Harlot’s Progress (La carrera de una puta).

Fueron los humoristas gráficos ingleses del XVIII, como Isaac Cruikshank, los que desarrollaron el globo de diálogo en sus caricaturas para satirizar a sus gobernantes, pero probablemente el primer libro de historietas sea “Lenardo und Blandine” (1783) de Josef Franz von Goez.[20] La reproducción masiva del dibujo tampoco fue posible hasta 1789, año en que se descubrió la litografía, ya que esta permite la impresión directa sobre la página sin ningún proceso humano intermedio, gracias a planchas resistentes a múltiples prensados. En 1796, Jean-Charles Pellerin inicia en Francia, concretamente en la región de Épinal, una industria de producción de estampas conocida como imágenes de Épinal.

Entre los pioneros de la primera mitad del siglo XIX, suelen citarse a Nordquist, Bilderdijk, Thomas Rowlandson (Dr Syntax), William Chacón y George Cruikshank,[21] aunque el popularizador del cómic moderno es el franco-suizo Rodolphe Töpffer, quien publica en 1833 su Histoire de M. Jabot, a la que seguirían otros seis álbumes. Su Ensayo sobre fisionomía de 1845 es considerado como el primer texto teórico del medio.

En la prensa de masas (1841-94)

"O nosso Zé Caipora" (Revista Illustrada, Brasil, 1886) de Agostini.
Hay estudiosos que consideran la historieta como un producto cultural de la modernidad industrial y política occidental que surgió en paralelo a la evolución de la prensa como primer medio de comunicación de masas, y buscan la primera entre las reproducidas en ella.[22] Hay que remitirse, entonces, a la revista mensual británica Punch (1841), que inspirada en Le Charivari francesa, fue el motor de la expansión mundial del cómic, al dirigirse a un nuevo sector aupado también por la revolución social e industrial: la infancia. El modelo de Punch fue imitado en todo el mundo, dando lugar en Alemania a Fliegende Blätter (1844) en la que debutaría el excepcional Wilhelm Busch, autor de Max und Moritz (1865); en Japón, a The Japan Punch (1862-87), en España, a La Flaca (1869-76) y, lo que es más importante, en Estados Unidos, a Puck (1877), Judge (1881) y Life (1883), verdaderos campos de prueba en los que comenzaron, entre otros, Richard Felton Outcault y Frederick Burr Opper.

Surgen también series con personajes fijos, como el británico Alley Sloper, creada por W. G. Baster en 1884 para la revista Alley Sloper’s Half Holiday; Famille Fenouillard, creada por Georges Colomb para Le Petit Français illustré en 1889, y Little Bears and Tigers, del estadounidense James Swinnerton en 1892. Al año siguiente, se incorpora el color en el suplemento dominical del New York World de Pulitzer.[23]

La modernidad (1895-1928)

Dominical de Krazy Kat de 1922.
En los albores del siglo XX el principal centro de producción e innovación en el campo de la historieta fue EE.UU, ya que los principales editores del país, Hearst y Pulitzer, la usaron para atraer a todo tipo de público, niños y adultos, incluyendo a los inmigrantes que no sabían inglés.[24] Llegaron hasta a luchar en los tribunales por su posesión y los tribunales sentenciaron en 1913 que un autor debía renombrar su serie si se pasaba con ella a otro periódico. W. R. Hearst también impulsó los recopilatorios de tiras y en 1914 fundó el Kings Feature Syndicate, la primera agencia para su distribución.

Las series germinales fueron Hogan's Alley (1895) de Outcault, protagonizada por The Yellow Kid,[25] The Katzenjamer Kids (1897) de Rudolph Dirks, inspirada en Max y Moritz de Busch, y Happy Hooligan (1899) de Frederick Burr Opper, que se sirven progresivamente de los globos de diálogo.[26]

Surgen también series que exploran las posibilidades cromáticas y rítmicas de la página, amén de cierto surrealismo avant la lettre, como Little Nemo in Slumberland (1905) de McCay y Krazy Kat (1911) de Herriman.

No obstante, las tiras más populares oscilan entre el humor físico del slapstick y el tratamiento de los problemas de adaptación a la modernidad de un grupo de personajes. El grupo podía ser una familia o una pareja, siempre polarizada entre un padre y su esposa o hijos o entre dos compañeros de diferente carácter. Los ejemplos más famosos son Mutt and Jeff (1908) de Bud Fisher, Polly and her pals (1912) de Cliff Sterret; Bringing up father (1913) de McManus, Thimble theater (1919) en la que Segar crearía a Popeye, y Gasoline Alley (1919) de Frank King. También surgen "girl strips", como Little Orphan Annie (1924) de Harols Gray.

En el resto del mundo, mientras tanto, seguían colocándose los textos al pie de la viñeta, siendo de destacar las originales novelas sin palabras de Frans Masereel[27] y el surgimiento de revistas y suplementos infantiles como las británicas Chip y Comic Cuts, ambas de 1890; la brasileña "O Tico-Tico" (1905), la italiana Corriere dei piccoli (1908), la española TBO (1917) y la argentina Billiken (1919). En Japón, tras la labor pionera de Rakuten Kitazawa, triunfan historietas infantiles como Las aventuras de Shochan(1923) de Shousei Oda/Tofujin y Los Tres Mosqueteros con botas en la cabeza (1930) de Taisei Makino/Suimei Imoto[28] El uso internacional de los globos no se generalizaría hasta la belga Zig et Puce (1925) de Alain Saint-Ogan.

La aventura continua (1929-42)

Milton Caniff en 1982.
La Gran Depresión de 1929 impulsaría una renovación temática y estilística en la historieta estadounidense, de tal manera que, a pesar de la aparición de notables series de comedia como Li’l Abner (1934) de Al Capp, los siguientes años estarían marcados por las tiras de aventuras, tras el éxito de Buck Rogers (1929) de Dick Calkins, Mickey Mouse (1930) de Floyd Gottfredson o Dick Tracy (1931) de Chester Gould, lo que propició que series anteriores como Wash Tubbs (1924) de Roy Crane, y Tim Tyler's Luck (1928) de Lyman Young, derivaran hacia el nuevo género.[29]

Flash Gordon (1934) de Alex Raymond, Príncipe Valiente de Harold Foster y el Tarzán de Burne Hogarth, ambos de 1937, potenciarían un grafismo realista y elegante, cercano a la ilustración, en detrimento del grafismo caricaturesco habitual hasta entonces, pero, lo que es más importante, sustituyeron definitivamente lo episódico por la continuidad,[30] tornando fundamental el suspense en la última viñeta para fidelizar lectores.

Esta nueva historieta invadió el ámbito europeo con Le Journal de Mickey (1934) al que sólo pudieron resistir:

Las revistas franco-belgas como Junior o Coeurs Valliant que incluían una historieta de aventuras con un grafismo característico: Tintín, creado en 1929 por Hergé. Pronto se sumará a ellas Le Journal de Spirou, revista nacida en 1938 en Marcinelle (Bélgica), que hoy en día se sigue publicando y en la que habrán de trabajar todos los grandes maestros del cómic franco-belga.
La italiana, donde el gobierno prohíbe en 1938 las series de EEUU y triunfa en su lugar Dick Fulmine de Vincenzo Baggioli y Carlo Cossio,[31] así como un nuevo formato apaisado, el cuadernillo de aventuras.
La revista Beano en Gran Bretaña.
En Japón, por su parte, destacan series de aventuras infantiles como Speed Taro (1930-33) de Sako Shishido, Ogon Bat (1930, de Ichiro Suzaki/Takeo Nagamatsu y Las aventuras de Dankichi (1934), de Keizo Shimada, así como la tira Fuku-Chan (1936-), de Ryuichi Yokohama.

También en 1934 se empezaría a distribuir Terry y los piratas de Milton Caniff, quién adoptó el nuevo lenguaje del cine tomando muchos de sus recursos como el plano americano e imitaciones del plano-secuencia, y llevó la lógica de la continuidad al extremo: las tiras diarias se conectaban entre sí y con el dominical pero, además, la serie se podía leer sólo con las páginas dominicales o, también, sólo con las diarias.

El guionista Lee Falk desarrollaría series como El Fantasma en 1936 y Mandrake el mago en 1939, pero la historieta en prensa comenzaría pronto a acusar un duro golpe, el de los comic-books con material original, que aunque surgidos en 1929 con "The Funnies", triunfarían gracias al éxito de los superhéroes,[32] el primero de los cuales sería Superman en 1938 y al que siguen otros como Batman en 1939 o el Capitán América y La Mujer Maravilla, ambos en 1941. No muy diferentes de las más recientes tiras de aventuras, pronto se dejarán imbuir del espíritu bélico de la Segunda Guerra Mundial, presentando en muchas ocasiones nombres o uniformes relacionados con sus símbolos nacionales, y enfréntandose a los enemigos del país. Esto les permitió lograr un gran éxito comercial, pero también causaría el cierre de la mayoría de sus títulos al finalizar la guerra. Parecida suerte correrían historietas bélicas japonesas como Norakuro (1931-41) de Suihou Tagawa.[33] Más renovador se muestra Spirit (1940) de Will Eisner.

La Edad de Oro (1943-62)
Debido a la guerra, se prohibió la importación de "comic books" estadounidenses en el Imperio británico, lo que permite un breve florecimiento de la producción autóctona en Canadá o Australia. Tras el conflicto, la Historieta estadounidense se encuentra en su cénit, con unas ventas enormes y con un público compuesto por niños, adolescentes y adultos jóvenes, tanto masculinos como femeninos. Sin embargo, enseguida va a tropezar con graves limitaciones: de formato, para las tiras de prensa, y temáticas, para los comic books.
En la prensa, se impone la llamada daily strip (‘tira diaria’), que ocupa uno de los fragmentos horizontales de una página de contenido heterogéneo y puede ser, dependiendo del género, una narración completa o serial. También había publicaciones de página completa los domingos, aunque los autores eran diferentes. Esto impuso una limitación espacial a diálogos y acción, perjudicando a los cómics más realistas, como Johnny Hazzard (1944) de Frank Robbins y Rip Kirby (1946) de Alex Raymond; en los años venideros las tiras más importantes adoptarían predominantemente protagonistas orientados a la infancia, aunque con una fuerte carga intelectual, como Nancy (1938) de Ernie Bushmiller, Barnaby (1942) de Crockett Johnson, Pogo (1948) de Walt Kelly, B.C. y Peanuts (1950) de Charles Schulz, con su mundialmente famoso Snoopy.
En el comic book, se alcanzaba una gran variedad temática, triunfando los de ciencia ficción ("Planet Comic", desde 1940), crímenes (Crime Does Not Pay, desde 1942); funny animals (con el gran Carl Barks al frente), terror (Frankenstein Comics, 1945), romance (Young Romance, desde 1947) y westerns, destacando sobre todo los publicados por la empresa EC Comics, dirigida desde 1947 por Wiliam Gaines. En 1954, los ataques del psiquiatra Fredric Wertham y de un Subcomité del Senado para la Investigación de la Delincuencia Juvenil provocaron caídas generalizadas de ventas y la creación por parte de las editoriales supervivientes de The Comics Magazine Association of America, que instituyó el Comics Code Authority (en la práctica una forma de autocensura).[34]
Campañas similares contra la Historieta se producen en Holanda (1948),[35] Alemania (1953)[36] y Gran Bretaña, donde en 1955 el educador George Pumphrey y el Partido Comunista se escudarán no sólo en la defensa de la infancia, sino también de la cultura autóctona frente a la influencia estadounidense.[37] También a nivel mundial, se afianza la TV, un medio de entretenimiento de fácil consumo y aparentemente gratuito que acabará por robar gran parte de su público a la Radio, el Cine y al Cómic. Sin embargo, estos son aún años de una gran expansión internacional para el medio, ya que las escuelas argentina, franco-belga y japonesa adquieren un gran desarrollo durante la postguerra, gracias a genios del calibre de Oesterheld, André Franquin y Osamu Tezuka, respectivamente.

Oesterheld posa para la revista Hora Cero Semanal.
En Argentina, destacan la revistas humorísticas Rico Tipo (1943) y Tía Vicenta (1957), así como el inicio de su propia tradición de historieta de aventuras, obra de Héctor Germán Oesterheld junto a dibujantes como Francisco Solano López (El Eternauta, su obra maestra, de 1957); Hugo Pratt (Sargento Kirk de 1952 o Ernie Pike de 1957), y Alberto Breccia (Mort Cinder, de 1962), aunque su mercado entra en crisis a partir de entonces.
La historieta franco-belga, dividida generalmente en dos escuelas, la de Bruselas y la de Charleroi, aporta series como Blake y Mortimer (1946) de Edgar P. Jacobs, Lucky Luke (1946) de Morris, Jerry Spring (1954) de Jijé, Tomás el Gafe (1957) de André Franquin o Los pitufos (1958) de Peyo. En 1959, los franceses Goscinny, Uderzo y Charlier, lanzan al mercado la revista Pilote después de varias tentativas para buscarse un hueco en el panorama de las publicaciones juveniles lideradas por Spirou y Tintín. Su éxito y el de su personaje estrella, Astérix el Galo, fue inmediato y la convirtió en la revista de referencia del cómic franco-belga.
Desde Manga Shonen (1947), que fue la primera revista infantil dedicada en exclusiva al manga, Osamu Tezuka, impuso su esquema de largas epopeyas y diversificó su producción en múltiples géneros, amén de combinar un mayor dinamismo con abundantes efectos sonoros. Con un grafismo muy diferente, nada disneyano, encontramos a autores como Machiko Hasegawa, creadora de la tira Sazae-san (1946-74), Kon Shimizu o Shigeru Sugiura.
Finalmente, se renueva en Estados Unidos el interés por los comic-book de superhéroes gracias a títulos como La Liga de la Justicia (1960), Los Cuatro Fantásticos (1961) o El Hombre Araña (1962), muchos de ellos creados por Stan Lee/Jack Kirby. La revista MAD (1952) también se convierte en un éxito, pero en general puede decirse que "el grueso de la producción norteamericana, para la segunda mitad de los años sesenta, ha bajado de nivel y se halla por debajo de la producción francesa o italiana".[38]

Una nueva conciencia (1962-87)
A partir de 1962, se afianza una nueva conciencia del medio, sobre todo en Francia e Italia, de tal forma que los intelectuales ya no lo abordan desde una perspectiva propia de la Psicología social, sino desde la Estética[39] y se crean instituciones para su estudio como el CELEG (Centre d’Etude des Littératures d’Expression Graphique), y el SOCERLID (Société d’Etudes et de Recherches des Littératures Dessinnées), que lanzan sus propias revistas. Se celebran también congresos italianos como los de Bordighera (1965) y Lucca (1966 ), así como una monumental exposición de historietas estadounidenses y francesas en el Museo de Artes Decorativas del Palacio del Louvre (1967) y una Bienal Mundial de la Historieta, en el Instituto Torcuato Di Tella (1968).[40]
Muchas de las nuevas historietas están orientadas, además, hacia un público cada vez menos juvenil:

Las heroínas fantaeróticas Barbarella (1962), Valentina (1965) o Jodelle (1966);
El fumetto nero italiano que nació en 1962 con Diabolik;
El nuevo western franco-belga representado por Blueberry (1963) y Comanche (1969);
El relanzamiento del terror en EE.UU. por parte de la Warren con sus revistas Creepy (1964), Eerie (1966) y Vampirella (1969).
El gekiga japonés, cuyo estilo se aleja del de Disney y trata nuevos temas como el horror, el erotismo, los yakuzas y los samuráis. Es el caso de Lobo solitario y su cachorro (1970)
El cómic de superhéroes con fuertes temas sociales, como la reunión de Linterna Verde y Flecha Verde que Dennis O'Neil y Neal Adams realizaron en 1970.
Por su parte, los italianos Guido Crepax y, ya en los años 80, Milo Manara y Serpieri cultivan sin apenas disisimulo el cómic erótico. Se experimenta también con la composición de la página , como hacen el propio Crepax o Jim Steranko. Surge también un importante movimiento contracultural, tanto en Estados Unidos como Japón, del que surgirían autores como Robert Crumb o Sanpei Shirato que en 1964 patrocinaría la única revista underground de la historia del manga, Garo.

Aún se crean sin embargo series clásicas como Modesty Blaise (1963) de Peter O'Donnel/Jim Holdaway; Valerian, agente espacio-temporal (1967), de Christin/Mezières, o Corto Maltés (1967) de Hugo Pratt, mientras que otras como Mortadelo y Filemón de Francisco Ibáñez emprenden su etapa de mayor éxito.

En el mayo de 1968, la revolución llega a la revista francesa Pilote: Los dibujantes jóvenes dan un auténtico golpe de estado y consiguen hacer, de lo que era una publicación infantil, todo un cómic de vanguardia. En 1974, algunos de estos autores, como Moebius, deciden lanzar su propia revista de ciencia-ficción que se llamará Métal Hurlant y que se convertirá en un modelo a seguir por europeas y estadounidenses. Una de estas revistas, la británica "2000 AD" (1977) será el caldo de cultivo de toda una hornada de nuevos autores británicos que a partir de 1982, vendrían a revitalizar el comic-book de superhéroes estadounidense con obras como "Watchmen" (1986), de Alan Moore/Dave Gibbons, junto a nativos como Frank Miller.

Jean Giraud en 2008.
Con retraso, se produce también un boom del cómic adulto en España que pronto pasa a estructurarse "por escuelas identificadas con las revistas Cairo, El Víbora y Madriz".[41] En general, puede decirse que muchos autores buscan un lector más adulto, como los franceses Tardi o Lauzier, el español Carlos Giménez, el serbio Enki Bilal, el italiano Vittorio Giardino o los argentinos Carlos Sampayo/José Muñoz, dando lugar al fenómeno de la historieta de autor. En Estados Unidos, nacen las primeras editoriales independientes aprovechando la institución del sistema de venta directa a librerías (1976),[42] un redivivo Will Eisner populariza el concepto de novela gráfica a partir de su Contrato con Dios (1978) y surgen autores alternativos como Dave Sim con Cerebus (1977), los hermanos Jaime, Gilbert y Mario Hernández de Love and Rockets (1981) y Stan Sakai con Usagi Yojimbo (1984).

Y es que aunque la Historieta se desarrolla en otros ámbitos, como el mundo árabe[43] y siguen produciéndose obras muy populares, como las del guionista Jean Van Hamme (Thorgal, 1977 y XIII, 1983) o Los pasajeros del viento (1980), de François Bourgeon, poco a poco va dejando de ser un medio masivo en la mayoría de los países, creándose formatos más caros, tales como álbumes o revistas de lujo. En Japón, en cambio, la editora Kōdansha ha cambiado con su revista Shōnen Magazine la pauta de periodicidad mensual a semanal, multiplicando la producción y reduciendo costes, y se atrae también a público femenino con obras como La Rosa de Versalles (1972) de Riyoko Ikeda o Candy Candy (1975-79) de Kyōko Mizuki/Yumiko Igarashi.

La expansión del manga (1988-)
En 1988, gracias al éxito de las versiones en dibujos animados de Akira (1982-93), de Katsuhiro Otomo y Dragon Ball (1984-95) de Akira Toriyama, la historieta japonesa empezó a difundirse internacionalmente. Al día de hoy, el manga se ha consolidado en la sociedad occidental, llegando a ser imitado por autores estadounidenses y europeos y dando lugar a movimientos como el amerimanga o la nouvelle manga. Historietistas japoneses, como Jirō Taniguchi, ganan prestigiosos premios internacionales y lo que es más importante, la población juvenil occidental ha vuelto a interesarse masivamente por el medio, como no ocurría en Europa desde la postguerra.[44]

Daniel Clowes en 2006.
Por otra parte, son muchas las editoriales de Europa y Estados Unidos dedicadas al mercado de la Historieta, si bien las revistas y el comic book han ido perdiendo fuerza en favor del álbum y la novela gráfica. Del mismo modo, las experiencias de edición independiente de los 70 y 80 se transforman en un sólido sector del mercado, afianzándose editoriales como Fréon en Bélgica, Cockroach en China, Fantagraphics Books y Drawn and Quarterly en Estados Unidos, L'Association o Cornélius en Francia, Atrabile en Suiza, etc.

Las obras de autores como los estadounidenses Peter Bagge, Daniel Clowes y Charles Burns, los franceses David B., Philipe Dupuy y Charles Berberian, la iraní Marjane Satrapi o la israelí Rutu Modan, que a menudo se autoeditan y tienden hacia el costumbrismo (incluso autobiográfico) o la historieta experimental, pronto empiezan a recibir premios como el Pulitzer otorgado al Maus de Art Spiegelman en 1992[45] e incluso a serializarse en suplementos tan prestigiosos como “The New York Times Magazine".[46] Algunos de estos autores no pretenden alejarse del gran público ni de los géneros más clásicos. Un buen ejemplo sería La Mazmorra, de Trondheim y Sfar, que se inscribe dentro del subgénero de la fantasía heroica. Tampoco los artistas fundadores de Image Comics en 1992, con series como Spawn o The Maxx. Del mismo modo, la editorial DC Comics fundaría oficialmente la línea Vertigo en 1993 para acoger la obra de autores británicos como Neil Gaiman o Grant Morrison.

Otro destacado fenómeno de estas dos últimas décadas es la aparición de los webcómics gracias a la generalización de Internet, que han permitido el desarrollo de formatos específicos del espacio virtual (como el infinite canvas, ‘lienzo infinito’), además de una difusión más fácil de las historietas. Paradójicamente, ha sido el clásico formato de la tira de prensa el que se ha revelado como más idóneo para para la pantalla.[47] Entre las publicadas en prensa, destaca Calvin y Hobbes (1985) de Bill Watterson. El gran superventas del mercado francés también está protagonizado por un infante: Titeuf, cuyo álbum duodécimo, alcanza prácticamente medio millón de ejemplares vendidos en 2008.[48]

Tradiciones
Véase también: Categoría:Historieta por país

Viaje a Tokio de Tagosaku y Mokube (1902), considerado el primer manga, de Kitazawa.
Del relato expuesto más arriba, puede deducirse la existencia de tres grandes tradiciones historietísticas a nivel global, todas con sus propias sistemas de producción y distribución:

Estadounidense,
franco-belga, y
japonesa.
De menor trascendencia global, aunque con fases de gloria, y siempre con algún autor relevante y rasgos específicos, pero sufriendo la estrechez e incluso crisis de su mercado, podemos citar otras escuelas, como la:

argentina,
británica,
española e
italiana.
Aparte de la producción argentina y española, puede destacarse la de otros países hispanos, como Cuba o México y, en menor medida, Chile o Colombia.

Ya a finales de los 60, Oscar Masotta afirmaba que a través del cómic se estaba produciendo un verdadero intercambio de culturas o universalización cultural, de tal manera que "los italianos y los alemanes leen historietas producidas en Francia y viceversa, los pueblos de habla hispánica leen tiras producidas en países anglosajones, en los Estados Unidos en su mayor parte, etc", contribuyendo así a borrar las particularidades nacionales. Sin embargo, este teórico no dejaba de mencionar, como un valor negativo, que

"esa universalización puede ser utilizada -y lo es sin duda- como medio de influencia por lo países que, por su estructura económica, se encuentran colocados en posición de centrales".[39]
En este mismo sentido, se extiende el libro Para leer al Pato Donald (1972) de Ariel Dorfman y Armand Mattelart.

Industria
Tradicionalmente, la industria del cómic ha requerido un trabajo colectivo, en el que, además de los propios historietistas, han participado editores, coloristas, grabadores, impresores, transportistas y vendedores. Siempre han existido autoediciones, como las del cómic underground, pero ultimamente han aumentado por la crisis de determinados mercados y la facilidades logradas con el auge de la informática e Internet. Pueden distinguirse los siguientes formatos de publicación:
Tira de prensa, compuesta por una franja horizontal de tres o más viñetas.
La página, que puede compilar varias tiras o presentar una sola, pero desplegada a toda página y color (lo que se denomina sunday, por ser publicada en domingo).
La revista de historietas (comic book en Estados Unidos, pepines en México y tebeo en España),[49] normalmente con grapa y a veces forma de cuaderno, que presenta una o varias historietas.
El libro, que se concreta en Álbum de historietas, Novela gráfica y Tankōbon en las tradiciones franco-belga, estadounidense y japonesa, respectivamente.
Digitales: E-comic, webcomics, etc.
Géneros
Un género narrativo es un modelo o tradición de estructuración formal y temática que se ofrece al autor como esquema previo a la creación de historietas, además de servir para la clasificación, distribución y venta de las mismas. Todo género se clasifica según los elementos comunes de los comics que abarca, originalmente según sus aspectos formales (grafismo, estilo o tono y, sobre todo, el sentimiento que busquen provocar en el lector), y temáticos (ambientación, situaciones, personajes característicos, etc), de tal forma que "las características de guión, planificación, iluminación y tratamiento"[50] de una historieta variarán según el género al que pertenezca. Alternativamente, los géneros historietísticos se definen por el formato de publicación. Como explica Danieli Barbieri, "la división por géneros es distinta e independiente de la división por lenguajes", de tal forma que

independientemente del lenguaje en que estén contadas (trátese de literatura, de cine, de teatro, de cómic, o de cualquier otro marco), la mayor parte de las historias policíacas, por ejemplo, tienen más características en común entre sí que, pongamos por caso, con las fábulas de animales; y éstas últimas, a su vez, tienen entre sí muchas más características en común.[51]
Actualmente no existe un consenso en cuánto a su número, pues las diversas clasificaciones no derivan tanto de la retórica clásica, con su división en lírico, épico y dramático, como de la novela popular y el cine, que se caracterizan por la escasa complejidad de su regulación. No es raro encontrar, por ejemplo, referencias a macrogéneros como historieta de aventuras[52] o de acción.[53] Para complicar aún más el tema, los géneros también pueden ser combinados para formar géneros híbridos. Hay, sin embargo, algunos bastante definidos y con mucha tradición,[50] como los que se distinguen en las monografías Gente del cómic y Mangavisión:

Portada de Young Romance nº11 de 1949.
Aventuras;
Bélica,
Ciencia ficción o futurista:
Mecha,
Space opera, y
Superhéroes;
Cómica y satírica;
Costumbrista;
Deportivo, de artes marciales o juegos de mesa,
Erotismo y pornografía, distinguiéndose en la tradición japonesa:
Ecchi (ッチ), que no muestra el coito, y
Hentai (変態) que ya es plenamente pornográfico;
Fantástico y legendaria, incluyendo la fantasía heroica o el mahō shōjo;
Histórica, que cuenta con un subgénero consolidado, el de la historieta del Oeste o western, y
Policíaco o criminal;
Sentimental y romántica;
De terror.
Hasta la reciente evolución de la imagen generada por computadora, podía decirse que la proliferación de ciertos géneros, como la ciencia ficción o el fantástico, era debida a la "la facilidad y economía de medios con que un buen dibujante puede introducir a sus lectores en los ambientes más fantásticos".[54]

Sociología
También se distingue, aunque ya fuera de cualquier clasificación por géneros, una historieta infantil, dirigida a niños, de otro cómic para adultos, mientras que apenas tiene predicamento el término historieta familiar, que si tiene equivalentes en el cine, para referirse a las obras que resultan atractivas a lectores de todas las edades. Antiguamente había en Occidente "reductos específicamente femeninos", ya sea en forma de revistas infantiles para niñas, o de melodramas románticos.[55] Los aficionados al manga sí clasifican las historietas en función del segmento de población al que se dirigen, usando términos nipones como kodomo (niño), shōjo (muchacha), shōnen (muchacho), josei (mujer) y seinen (hombre).
Hay que decir que, en términos generales, la historieta infantil ha constituido la mayoría del material clásico "de todos los países (Estados Unidos incluido)".[56] El cómic adulto, por su parte, inició su auge en los años 60 presentando relatos que podían ser tan imposibles y pueriles como los anteriores, pero que incluían mayores dosis de violencia, temas inquietantes, palabras malsonantes y sobre todo sexo explícito.

En términos generales, se ha señalado que el hecho de muchos cómics clásicos "ofrecen sólo una de las caras de sus personajes y ocultan todas las demás" explica por qué "no han entrado aún en el mundo de la gran cultura que necesita algo más que la pura anécdota".[57] Actualmente, sin embargo, las historietas son leídas mayormente por adolescentes y adultos jóvenes, por lo que cada vez las hay "más complicadas, más abiertas, más sensibles y más liberadas", es decir, más adultas.[58]

También hay que destacar que el cómic, como medio de comunicación de masas, ha tendido a "traducir una ideología tradicional, conservadora e inmovilista durante muchos años",[59] ya sea por las convicciones de sus autores o para no desagradar al conjunto de sus lectores y arriesgarse a perderlos o incluso sufrir los efectos de la censura, como ocurrió en regímenes como los de Mussolini o Franco y, respecto a las historieta de horror y crímenes en los Estados Unidos y la Gran Bretaña de los años 50. Esto explica que las historietas que no se ceñían a los valores sociales imperantes se manifestasen a través de publicaciones underground y que temáticas como la homosexualidad no aflorasen a la superficie hasta los años 80, conforme iba siendo aceptada en la cultura oficial, ni produjesen hasta entonces sus primeros autores reconocidos por crítica y público, como Ralf König o Nazario. Del mismo modo, "sólo en las últimas décadas se han empezado a producir buenas historietas protagonizadas por mujeres", ya sea ejerciendo el papel del héroe tradicional[55] o mostrando una psicología propia.[60]

Por último, hay que indicar que el interés por el cómic "puede tener muy variadas motivaciones, desde el interés estético al sociológico, de la nostalgia al oportunismo".[61]

Lenguaje
Para Oscar Masotta, lo que determina en primer lugar el valor de una historieta, es el grado en que permite manifestar e indagar las propiedades y características del lenguaje mismo de la historieta, revelar a la historieta como lenguaje.[62] Jean Giraud afirma que

El cerebro tiene que pensar y necesita el lenguaje escrito, mientras que el dibujo tiene un lenguaje subterráneo que llega a través de los ojos. El mensaje que el dibujante envía es un mensaje secreto, en código cifrado, que va del dibujante al cuerpo, a las sensaciones. Pero la conciencia, la razón tienen que ser educadas para poder descifrarlo según una lógica que vaya más allá de la sensación inconsciente.[63]
Iconografía

Pág. 13 del Essai de physiognomonie de R. Töpffer.
Históricamente, los personajes tipo han sido muy importantes para el medio, ya que el lector "desea, quiere y espera que el "bueno" ponga cara de bueno, y el "malo" tenga cara de malo".[64]

En la historieta se figura, "con medios estáticos, el movimiento real", usando técnicas que ya practicaron los futuristas.[65]

Texto
El texto no es necesario, pero suele estar presente, ya sea en forma de globos o bocadillos, cartelas, textos sueltos y onomatopeyas. Las palabras dichas por los personajes suelen recogerse en los globos, salvo que se presenten fuera para indicar que han subido el tono de voz.
Todos los textos suelen estar escritos en mayúsculas y las diferencias tipográficas, de tamaño y grosor sirven para destacar una palabra o frase, y matizar intensidades de voz. Masotta establece a este respecto un esquema con 7 oposiciones:

Diálogo - "Off"
Lenguaje interior - lenguaje proferido.
Lenguaje normal - lenguaje excepcional.
Cerca - lejos
Globo - Extra-globo.
Línea recta - línea sinuosa (o en zig-zag, o estrellada, etc.)
Tipografía normal - tipografía excepcional.[66]
Articulación narrativa
Toda historieta es una narración gráfica, es decir, desarrollada mediante una concatenación de dibujos, y no una serie de ilustraciones cuyo mérito radique en ellas mismas, de tal forma que "cada cuadro o viñeta debe estar relacionado de algún modo con el siguiente y con el anterior".[67] En afortunada expresión de Román Gubern, la viñeta es la representación gráfica del mínimo espacio y/o tiempo significativo. Al espacio que separa las viñetas se le conoce como calle[68] y al proceso por el que el lector suple ese vacío se le denomina clausura. McCloud distingue 5 tipos de transiciones entre viñetas:[69]
1. Momento a momento.
2. Acción a acción.
3. Tema a tema.
4. Escena a escena.
5. Non-sequitur.
Cuanto mayor sea el formato y el número de signos icónicos y verbales, más tiempo y atención deberemos prestar a una determinada viñeta. La historieta usa variaciones del ángulo visual, encuadre y planos, términos éstos que ha tomado del cine, para dinamizar la narración.

Relaciones con otros medios Por el carácter de su lenguaje, la historieta se relaciona con:
Caricatura
Cine:
Cine de animación
Fotografía:
Gráfica
Ilustración publicitaria:
Literatura
Dada la antigüedad y el prestigio de la literatura, "cualquier relación cercana entre uno y otro, se ve con buenos ojos, porque, se supone, da “categoría” a la niña”".[70] En la historieta, sin embargo, "los textos no viven una vida propia en su interior" como sí ocurre en la literatura.[71]

Música
Pintura
Televisión
Estilos En un apartado anterior de la sección de historia, ya se ha mencionado la revolución que en los años 30 del pasado siglo, supuso la imposición de un nuevo tipo de grafismo realista para los cómics "serios" en detrimento del grafismo distorsionado y caricaturesco que había predominado hasta entonces. En realidad, los estilos gráficos usados por los historietistas son tan variados como la intención y la habilidad del autor, distribuyéndose éstos dentro un triángulo formado por tres vértices (abstracción, realidad y lenguaje)[72] que comprende desde el realismo de filiación fotográfica (Luis García, Alex Ross, etc), a la caricatura.
En una misma viñeta pueden combinarse además varios estilos. McCloud denomina efecto máscara a la combinación de unos personajes caricaturescos con un entorno realista que podemos observar en la línea clara o el manga clásico de Osamu Tezuka.[73]

A pesar de tamañas posibilidades, los dibujantes clásicos procuraban mantener siempre un mismo estilo a lo largo de toda su carrera, debido quizás a imposiciones de sus syndicates. Un autor más moderno, como el español Josep María Beá, a pesar de estimar grandemente a los que le precedieron, considera que "el estilo, cuando se perpetúa indefinidamente y no evoluciona, es signo de fosilización, de amaneramiento".[74] Ciertamente, desde mediados de los años 60, muchos autores han tendido a "la destrucción del realismo naturalista para encontrar nuevos caminos: el realismo fantástico, la deformación y la angulación, el montaje de mayor expresividad", etc.[75]

Véase también Portal:Historieta. Contenido relacionado con Historieta.
Humor gráfico
Día de la Historieta
Wikiproyecto:Historieta
Referencias ↑ Véase la segunda acepción de «historieta», Diccionario de la lengua española (vigésima segunda edición), Real Academia Española, 2001, http://buscon.rae.es/draeI/SrvltConsulta?TIPO_BUS=3&LEMA=historieta
↑ Alcázar, Javier en "La normalización errónea", para Tebeosfera 2ª época, Sevilla, 2009.
↑ McCloud, Scott en Cómo se hace un cómic: El arte invisible, de Ediciones B., Barcelona, 1995, p. 18.
↑ De Majo, Oscar en "Historieta argentina, la primera mitad de la historia", para Tebeosfera 2ª época, Sevilla, 2009.
↑ Remesar, Antonio en "Tecleando sobre Carlos Giménez", publicado en Un hombre, mil imágenes nº 1. Norma Editorial. 1982, p. 40.
↑ En su serie de artículos Neuvième Art, musée de la bande dessinée (1964-67) dentro de Le Journal de Spirou.
↑ En su libro Pour un neuvième art, la bande dessinée, de 1971.
↑ Aguilera, Ricardo en "Tebeos e historietas: Comic", para Gente de comic: De Flash Gordon a Torpedo, publicado en "Gente" del Diario 16, 1989, p.13.
↑ Cuadrado, Jesús en Para saber de tebeos, artículo publicado en Tiza nº2, 10/1984.
↑ Guiral, Toni en Terminología (en broma pero muy en serio) de los comics, de Ediciones Funnies, 1998, p. 30.
↑ En coicidencia con la aparición de Yellow Kid en 1896, la revista inglesa Comic Cuts estableció ese mismo año el nombre por el cual hoy es conocida la historieta en el mundo anglosajón
↑ "comic adjective" The Oxford Dictionary of English (revised edition). Ed. Catherine Soanes and Angus Stevenson. Oxford University Press, 2005. Oxford Reference Online. Oxford University Press. Surrey Libraries. 21 April 2008
↑ Vázquez de Parga, Salvador, con el seudónimo de Santi Valdés, en Los cómics gay, colección Biblioteca del Dr. Vértigo nº 17, Ediciones Glénat, S. L., mayo de 1998, p. 12.
↑ Gubern, Roman en "Para niños y adultos", publicado en Cómics clásicos y modernos, El País, 1987, p. 16.
↑ Escudero, Vicente en "Breve historia de los comics. Capítulo 1: La era de los pioneros y la formación de un arte" para Totem nº 7, Editorial Nueva Frontera, S. A., Madrid, 1978, pp 4 a 5.
↑ Masotta, Oscar en La historieta en el mundo moderno, p. 120.
↑ McCloud, Scott en Cómo se hace un cómic: El arte invisible, Ediciones B. Barcelona, 1995, pp. 19 a 20, basándose en las interpretaciones del arqueólogo mexicano Alfonso Caso.
↑ Ibid., pág. 120.
↑ Merino, Ana en El cómic hispánico, Madrid, Cátedra, 2003.
↑ 1783, the first graphic novel, 'Lenardo and Blandine' by Joseph Franz von Goez de Andy Bleck.
↑ Manuel Barrero en "El bilbaíno Víctor Patricio de Landaluze, pionero del cómic español en Cuba", Mundaiz (Universidad de Deusto) 68, San Sebastián: Universidad de Deusto, 2004, pp. 54. Disponible en tebeosfera
↑ Es el caso de Román Gubern en El lenguaje de los comics, Barcelona, Ediciones Península, 1972, pp. 13 a 15.
↑ Masotta, Oscar en La historieta en el mundo moderno, pp. 21 a 24 y 124.
↑ Gubern, Roman en "Para niños y adultos" de Cómics clásicos y modernos], El País, 1987, p. 16.
↑ Un grupo de expertos reunidos para la ocasión en el Salón de Lucca (Italia) determinaron que el día 16 de febrero de 1896 se produjo el nacimiento del cómic, porque la viñeta de ese día muestra un globo de diálogo mediante la cual un loro exclama: Sic em towser!".
↑ Blackbeard, Bill en "Niños, capitanes y sombreros de hojalata: Un planteamiento de aquellos días burlescos de los comics" para Historia de los Comics, 1982, pp. 1 a 8, de Toutain Editor.
↑ McCloud, Scott en Cómo se hace un cómic: El arte invisible, Ediciones B, Barcelona, 1995, pp. 27-28.
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↑ Aguilera, Ricardo y Díaz, Lorenzo en la sección "Heroes bien acompañados" de "Los aventureros: De Tintín a Corto Maltés", fascículo nº 12 de Gente de comic: De Flash Gordon a Torpedo, publicado en "Gente" del Diario 16, 1989, p. 179.
↑ Blasco, Jesús y Parramón, José Mª. en Cómo dibujar historietas, Parramón Ediciones, S. A., 1966, p. 25.
↑ Escudero, Vicente en "40 años de censura infantil" de Totem nº 6, Editorial Nueva Frontera, S. A., Madrid, 1978, p. 5.
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↑ a b Masotta, Oscar en Técnica de la historieta (Buenos Aires, 1967), p. 7
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↑ Lladó, Francesca, Los Comics de la Transición, Ediciones Glénat, 2001, p. 31.
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↑ Pueden citarse, ademas, el American Book Awards recibido en 1996 por la Palestina de Joe Sacco o el Guardian First Book Award recibido por Chris Ware.
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↑ En Cómo dibujar historietas (1966) se considera historieta de aventuras a la del oeste, policíaca, futurista, legendarias y de la selva, siendo las restantes categorías las de historieta cómica, sentimental, religiosa, biográfica, leyendas o cuentos, de dibujos animados, infantiles y publicitarias.
↑ En Diccionario gremial, publicado en 1991, Jesús Cuadrado recoge en la entrada de género de acción, los de aventuras, crímenes, oeste y, de soslayo, fantasía heroica.
↑ Aguilera, Ricardo y Díaz, Lorenzo en la sección "El papel del futuro" del fascículo "La ciencia ficción: Del romanticismo de Flash Gordon a la sofisticación tecnológica", p. 2, para Gente de comic: De Flash Gordon a Torpedo, publicado en "Gente" del Diario 16, 1989.
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↑ Vázquez de Parga, Salvador, con el seudónimo de Santi Valdés, en Los cómics gay, colección Biblioteca del Dr. Vértigo nº 17, Ediciones Glénat, S. L., mayo de 1998, p. 11.
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↑ Aguilera, Ricardo y Díaz, Lorenzo en la sección "Novias eternas, chicas y mujeres" del fascículo ya citado, p. 149.
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↑ Blasco, Jesús y Parramón, José Mª. en Cómo dibujar historietas, Parramón Ediciones, S. A., 1966, p. 41.
↑ Masotta, Oscar en Técnica de la historieta' (Buenos Aires, 1967), p. 8
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↑ Tubau, Iván en Curso de dibujante de historietas, CEAC, Barcelona, 1975, p. 4.
↑ Para saber de tebeos, artículo de Jesús Cuadrado publicado en Tiza nº2, 10/1984
↑ Capítulo Sangre en el gutter, pág. 69 a 103 en El arte invisible.
↑ Aguilera, Ricardo y Díaz, Lorenzo en Gente de comic: De Flash Gordon a Torpedo, publicado en "Gente" del Diario 16, 1989, p. 163.
↑ Barbieri, Daniele en Los lenguajes del cómic, Colección Instrumentos Paidós, Ediciones Paidós Ibérica, S. A., Barcelona, 1998, p. 206.
↑ McCloud, Scott en el capítulo El vocabulario de los cómics de El arte invisible, pp. 33 a 68.
↑ Scott McCloud en El arte invisible, pp. 51 a 52 y 63.
↑ Beá, Josep María en entrevista publicada en "Entrecomics" el 10/06/08 que puede consultarse aquí.
↑ Fontes, Ignacio en Corto Maltese para El Globo nº 5, San Sebastián, 07/1973, pp. 42-44.
Bibliografía recomendada Nos referiremos aquí a los estudios de teóricos hispanos. Sobre la historia del medio, podemos citar:
La historieta en el mundo moderno (1970) de Oscar Masotta;
La colectiva Historia de los Comics (1982), dirigida por Javier Coma, aunque la mayoría de sus artículos procedan de especialistas foráneos y conceda un espacio desproporcionado a la historieta estadounidense.
Sobre el lenguaje del medio:

Técnica de la historieta (1967).
El lenguaje de los comics (1974) de Román Gubern.
Para hacer historietas (1978) de Juan Acevedo.
Enlaces externos Comic cibernético
«El encanto del noveno arte» en Literal Magazine.
Wikcionario

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Libro electrónico
Un libro electrónico (e-book o eBook o ecolibro o libro digital ) es una versión electrónica o digital de un libro. También suele denominarse así al e-Reader, dispositivo usado para leer estos libros.Generalidades

El término es ambiguo, ya que se refiere tanto a una obra individual en formato digital como a un dispositivo electrónico utilizado para leer libros en formato digital.

Por otra parte, algunos autores proponen que se debe hacer una distinción entre los libros electrónicos y el hipertexto. El hipertexto está destinado a la estructuración de la información a través de enlaces, mientras que un libro electrónico no es más que la digitalización de un libro originariamente editado en papel. Un ejemplo de hipertexto sería WikiSource y uno de libro electrónico, cualquier libro en formato digital que pueda encontrarse en Internet o en CD-ROM.

Evolución de los libros electrónicos
Diversos dispositivos pueden ser utilizados como libro electrónico: un PC, una PDA, un portátil, y en general cualquier dispositivo que posea una pantalla y memoria.
Sin embargo, a finales de la primera década del siglo XXI comenzaron a aparecer dispositivos cuya función era servir exclusivamente de libro electrónico. Estos dispositivos se caracterizan por un diseño que permite emular la versatilidad del libro de papel tradicional. Así, se buscó movilidad y autonomía (dispositivos móviles con bajo consumo de energía para permitir lecturas prolongadas sin necesidad de recargas), pantallas con dimensiones suficientes para mostrar documentos tradicionales (un A4 o un A5) y alto nivel de contraste incluso a plena luz del día.

En este contexto aparece la tinta electrónica, que tiene un "efecto papel" (debido a la ausencia de iluminación propia y alto contraste obtenido) y su bajo consumo (pues esta tecnología no necesita alimentación más que en los cambios de pantalla).

Ejemplos de estos dispositivos son el iLiad (fabricado por iRex y primer dispositivo comercializado en España desde 2006), el Reader (PRS-500 y PRS-505) de Sony, el HanLin V3 (comercializado en España por Grammata bajo el nombre de Papyre), el STAReBOOK STK-101, el BookeenCybook y ahora el Kindle, producto de Amazon.

Acontecimientos de importancia
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1971: Michael Hart lidera el proyecto Gutenberg que busca digitalizar libros y ofrecerlos gratis.
1993: Zahur Klemath Zapata registra el primer programa de libros digitales. Digital Book v.1 y se publica el primer libro digital: Del asesinato, considerado como una de las bellas artes, de Thomas de Quincey.
1993: Digital Book lanza a la venta los primeros 50 libros digitales en disquete en Colombia en Formato Digital Book (DBF).
1993: aparece Bibliobytes, un proyecto de libros digitales gratuitos en Internet.
1995: Amazon comienza a vender libros a través de Internet.
1996: el proyecto Gutenberg alcanza los 1.000 libros digitalizados. La meta es un millón.
1998: son lanzados dos lectores de libros electrónicos: Rocket ebook y Softbook.
1998-1999: Surgen sitios en Internet que venden libros electrónicos, como eReader.com y eReads.com.
2000: Stephen King lanza su novela Riding Bullet en formato digital. Sólo puede ser leída en ordenadores.
2001: Todoebook.com abre como el primer distribuidor de ebooks en español.
2001: el Grupo Planeta realiza el primer movimieno de las grandes editoriales lanzando la libreria veintinueve.com, que cierra poco después con gran fracaso.
2002: las editoriales Random House y HarperCollins comienzan a vender versiones electrónicas de sus títulos en Internet.
2005: Amazon compra Mobipocket en su estrategia sobre el libro electrónico.
2006: Sony lanza su lector Sony Reader que cuenta con la tecnología de la tinta electrónica
2007: Zahurk Technologies, Corp, dueña de la tecnología digital Book lanza la primera biblioteca de libros digitales para su lectura en Internet, ‘BibliotecaKlemath.com’, al igual que loslibrosditales.com y digitalbook.us.
2007: La Fundación El Libro Total pone al servicio del mundo un nuevo concepto de biblioteca y libro digital (www.ellibrototal.com)
2007: Amazon lanza Kindle.
2007: Grammata lanza al mercado español el Papyre.
2008: Adobe y Sony hacen compatibles sus tecnologías de libros electrónicos (Lector y DRM).
2008: Sony lanza su PRS-505 en Reino Unido y Francia.
2009: Neotake lanza su buscador de libros electrónicos.
2009: Se lanza 'booq', el primer libro electrónico español
Formatos de archivos de libros electrónicos
Entre los formatos comúnmente utilizados para los libros electrónicos se encuentran los siguientes:[1]
Genéricos
ePub – Es un formato libre desarrollado por el IDPF (International Digital Publishing Forum). Se trata de un XML basado en tres estándares de código abierto (open source), como son Open Publication Structure (OPS), Open Packaging Format (OPF) y Open Container Format (OCF). Hablar de un formato XML de código abierto significa que cumple unos estándares, que no está sujeto a los caprichos de ninguna empresa, y, sobre todo, que no tendrá ningún problema de perdurar. De este modo, los libros adquiridos en este formato pueden funcionar indistintamente en diferentes lectores, a diferencia de los libros bloqueados con DRM como por ejemplo los que ofrece Amazon en formato Kindle. Es una actualización del antiguo formato llamado Open eBook (.opf)
OEB – Es un formato libre. Open eBook es un formato estándar. Viene patrocinado por el consorcio NIST (Instituto Nacional para Estándares y Tecnología de los Estados Unidos). En dicho consorcio se agrupan los principales proveedores de contenidos así como las principales empresas de dispositivos y desarrolladores de programas y software para generar y distribuir ebook. El OEB no es más que un lenguaje de marcado perteneciente a la familia XML.

oPF – Paquetes de libros digitales de código abierto OEB. Es un archivo ZIP más un archivo de manifiesto. Dentro del paquete se define un subconjunto de XHTML. La extensión de archivo por defecto es. OPF

DJVU – DjVu es un formato libre que se especializa en y en particular destaca en el almacenamiento de imágenes escaneadas. Incluye compresores avanzado optimizado para imágenes de color y documentos de texto. Los archivos individuales pueden contener una o más páginas. La ventaja de DjVu es que es posible tener una alta resolución de escaneo (300-400 ppp), suficiente tanto para la lectura en pantalla y la impresión, y almacenarla de manera muy eficiente.

pdf – Adobe Portable Document. Entre sus ventajas se puede citar su portabilidad y su estandarización ISO. Es el formato más utilizado debido a su fácil uso en el enorme parque instalado de PCs, ordenadores portátiles y netbooks. Entre sus desventajas se puede citar que no es repaginable como por ejemplo, Mobipocket o el estándar EPUB.

lit – Microsoft Reader (.lit), es uno de los formatos más antiguos, creado en el año 2000 se lee con Microsoft Reader, una aplicación gratuita de la empresa de Seattle y estaba pensado originalmente para su uso en PDAs.

mobi – Mobipocket es el formato nativo del eReader Kindle, lo cual no es de extrañar si tenemos en cuenta que Amazon compró la empresa Mobipocket antes de lanzar el Kindle. En los eBooks desprotegidos no hay diferencia entre los mobipockets que son para el Kindle y los que no, y por eso la publicidad del Kindle señala que soporta mobipockets desprotegidos. En los elibros protegidos, sin embargo, hay un flag que está activado para los que son para el Kindle, y desactivado para el resto.

prc – El Mobipocket es un formato de libro basado en el estándar Open eBook usando XHTML puede incluir JavaScript y marcos. También apoya nativos consultas SQL para ser utilizada con bases de datos integrados.

Nativos
azw – Amazon Kindle (.azw) es el formato creado para dar soporte al lector de libros electrónicos comercializado por Amazon. Está basado en Mobipocket, con una pequeña diferencia en el esquema del número de serie (utiliza un asterisco en lugar de un signo de dólar). Tiene su propio formato DRM. La extensión en el nombre de fichero para los eBooks protegidos del Kindle es .azw en lugar de las tradicionales .prc o .mobi de los mobipockets.
pdb – Formato de Palm Digital Media, con un buen soporte por parte de smartphones y pdas, ya que hay versiones del software de lectura para iPhone, PalmOS, Symbian, BlackBerry, Windows Mobile...

fb2 – FictionBook es un formato XML para el almacenamiento de libros donde cada elemento del libro es descrito por etiquetas. El objetivo principal para el almacenamiento de libros en el formato FictionBook es su precisión de mantenimiento de la estructura del libro acompañado de la prestación de esfuerzo de conversión (incluyendo automático) de los archivos FictionBook a otros formatos populares: TXT, DOC, RTF, HTML, etc. Además de que, muchas aplicaciones de lectura permite leer el formato FictionBook sin convertir.

lrf – Este es el formato nativo de Sony. Se trata de un formato propietario, sin software de lectura conocido por dispositivos que no son de Sony. La extensión de archivo LRX representa un eBook cifrado DRM.

BBeB – Otro formato de Sony que muere por un bien mayor. Un formato propietario de libros electrónicos que han utilizado incluso sus últimos PRS-600 y 300. Tal y como anunciaron hace meses, este formato morirá para pasar todo su catálogo al formato abierto ePUB.

pml – Palm Markup Language. Es un formato específico para Palm Reader.

rb – Formato nativo de RocketBook.

TCR – Formato nativo de PSion. eBook para EPOC

PDB – Palm Data Bases (bases de datos de Palm OS).

CHM – Microsoft HTML Help comprimido. El formato CHM es un formato propietario basado en HTML. Varias páginas y gráficos incrustados se distribuye junto con los metadatos de propiedad como un solo archivo comprimido.

TR2 - TR3 – El TomeRaider formato de libro es un formato propietario. Hay versiones de TomeRaider para Windows, Windows Mobile (también conocido como Pocket PC), Palm, Symbian, iPhone y más. Es un formato en desuso.

aeh – El AEH es un formato basado en XML formato propietario desarrollado por los franceses de difusión de la empresa Arghos. Archivos de AEH utilizan un DRM de propiedad y el método de encriptación y se pueden leer sólo en el reproductor de Arghos.

DTB – DAISY es un XML basado en formato de libro electrónico crea do por el consorcio DAISY internacional de las bibliotecas para las personas con discapacidad de impresión. DAISY implementaciones se han centrado en dos tipos principales: los libros electrónicos de audio y texto de los libros electrónicos.

WOLF – Formato Wolf generalmente tiene la extensión. Wol. Puede soportar DRM. Jinke tiene soporte nativo para el formato de Wolf en la totalidad de sus lectores. También tiene una versión lite y una versión de navegador para plataformas Windows.

CBR / CBZ – El nombre significa Comic Book Reader, pero el uso es para cualquier libro, cuando el contenido contiene básicamente imágenes. Es un contenedor comprimido para las imágenes. La R significa que es RAR, mientras que Z quiere decir que es zip comprimido.

Seguridad en el libro electrónico
Para paliar el miedo del mundo editorial frente a la posible pérdida de derechos sobre el contenido de sus obras Adobe ha creado un complejo sistema de seguridad llamado DRM (Digital Rights Management). La seguridad de este sistema está permitiendo a editores como Pearson, Dykinson o Editorial MAD la edición de títulos técnicos que difícilmente podrían encontrarse en Internet de otra forma.
Similares
En el caso de ser historietas o similares los digitalizados, éstos se denominan e-comics.
Si los libros están en formato de audio, estos se denomina audiolibro.
Si el libro se muestra paginado en un navegador web, se denomina libro virtual.
Libro electrónico e ISBN
La Agencia Internacional del International Standard Book Number (ISBN) a través del Manual de Usuario del ISBN en su última actualización del 5 de febrero de 2002, reconoce los libros electrónicos como sujetos de código ISBN en el acápite 6 (página 15).
Tabla de competencia

Cybook Sony Reader iLiad HanLin Hanlin-V3 STAReBOOK FLEPia
Dimensiones (mm) 188 x 118 x 8.5 175 x 124 x 12 217 x 155 x 16 210 x 159 x 18.2 184 x 120.5 x 9.9 188 x 118 x 8 ??? x ??? x 12
Peso (gramos) 174 255 389 480 200 176 320
Pantalla (pulgadas/mm) 6 / 122x91 6 / 122x91 8.1 / 124x152 7.5 6 /122x91 6 / 122x91 A4
Resolución (Píxeles) 800x600 800x600 1024x768 800x600 800x600 800x600 1024x768
Niveles de grises 4 8 16 4 4 4 COLOR
Autonomía de la batería 8000 páginas 7500 páginas 12 horas 9000 páginas 9000 páginas 6000 páginas 50 horas
Pantalla táctil No No Sí No No No Sí
Memoria interna 64 MB 192 MB 128 MB 32 MB 20 GB 15 GB
Slots de expansión SD SD, MMS,MS,MC SD, MMC, CF SD SD SD
Formatos sustentados PDF, RTF, PRC, JPG, GIF, PNG, Open Book PDF, TXT, RTF, Word, JPG, GIF, PNG, BMP, BBeB Book, LRF PDF, HTML, TXT, JPG, BMP, PNG, PRC PDF, DOC, WOLF, HTML, MP3, JPG, TXT, CHM, RAR, ZIP, CEB Images PDF, RTF, DOC, HTML, TXT, FB2 (XML), CHM, WOLF, RAR, ZIP, JPG, MP3, DJVU y otros PDF, DOC, JPG, HTLM, TXT PDF, DOC, JPG, HTLM, TXT
Versión USB 2.0 2.0 1.1 1.1 1.1 2.0 2.0
Salida auriculares Sí Sí Sí No Si Sí Sí
WIFI No No Sí ??? No No Sí
Salida ethernet No No Sí No No No
SO Linux 2.4.18 Linux Linux Linux Linux Windows CE 5.0

Bibliografía
Jorge Franganillo. "La industria editorial frente al libro electrónico", El profesional de la información, 17(4), 2008, p. 416-417.
Sobre el Acuerdo sobre Libros de Google (Google Book Settlement, GBS) y los derechos de autor de los libros electrónicos (en inglés)
Entrevista al fundador del buscador de libros electrónicos Neotake.com, ElCorreoWeb.es, 2009.
Referencias
↑ "Comparison of e-book formats", Wikipedia en Inglés
Véase también
Calibre (software) - Programa de gestión y conversor de e-books
Q4 eBook Factory - Sistema de producción de eBooks
Enlaces externos
Faro de Luisu ebooks en 10 preguntas y respuestas
Receta casera para cocinar un ePub, en Blog -Libro de Notas-
Cómo serán los eBooks para el nuevo iPad de Apple en Blog -Publicar en Digital-
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Libro_electr%C3%B3nico"
Manga
Manga (漫画, Manga?) es la palabra japonesa para designar a la historieta en general. Fuera de Japón, se utiliza exclusivamente para referirse a los cómics de este país. Se traduce, literalmente, «dibujos caprichosos» o «garabatos». Al profesional que escribe o dibuja mangas se le conoce como mangaka.
Introducción
Hoy en día, el manga es la tradición de historieta más influyente del mundo y constituye una parte importantísima del mercado editorial del Japón. El manga abarca todos los géneros y llega a todos los públicos, motivando además adaptaciones a distintos formatos: series de dibujos animados, conocidas como anime, o de imagen real, películas, videojuegos y novelas.
Hokusai Katsushika, un representante del ukiyo-e, acuñó el término manga combinando los kanji correspondientes a informal (漫 man) y dibujo (画 ga). Los japoneses llaman también al manga «imágenes insignificantes», pues compran al año más de mil millones de volúmenes en blanco y negro, impresos en papel barato. Los leen en todas partes: en los trenes de cercanías, en las salas de espera y en los parques. Cada semana se editan nuevas entregas, al más puro estilo del folletín, protagonizadas por héroes cuyas aventuras seducen a los lectores durante años.[1]

Características distintivas

Diagrama de lectura de un manga.
A diferencia de las otras dos grandes escuelas de historieta (la franco-belga y la estadounidense), en el manga las viñetas y páginas se leen de derecha a izquierda, al igual que en la escritura tradicional japonesa. El más popular y reconocido estilo de manga tiene también otras características distintivas, muchas de ellas por influencia de Osamu Tezuka, considerado el padre del manga moderno.

Scott McCloud señala, por ejemplo, la tradicional preeminencia de lo que denomina efecto máscara, es decir la combinación gráfica de unos personajes caricaturescos con un entorno realista, como también sucede en la línea clara.[2] En el manga es frecuente, sin embargo, que se dibujen de forma más realista alguno de los personajes u objetos (éstos últimos para indicar cuando sean necesario sus detalles).[3]

McCloud detecta también una mayor variedad de las transiciones entre viñetas que en los comics occidentales, con una presencia más sustancial del tipo que denomina «aspecto a aspecto», en la que el tiempo no parece avanzar.[4]

También hay que destacar el gran tamaño de los ojos de los personajes, más propio de individuos occidentales que japoneses, y que tiene su origen en la influencia que sobre Osamu Tezuka ejerció el estilo de la franquicia Disney.

En el manga, es común el uso de abundantes líneas paralelas para representar movimiento o sorpresa.
A pesar de ello, el manga es muy variado y no todas las historietas son asimilables a las más popularizadas en Occidente, abordando de hecho todo tipo de estilos y temáticas, y comprendiendo autores de dibujo realista como Ryōichi Ikegami.

Historia

Dos páginas del manga de Hokusai con una representación de los baños termales.
El manga nace de la combinación de dos tradiciones: La del arte gráfico japonés, producto de una larga evolución a partir del siglo XI, y la de la historieta occidental, afianzada en el siglo XIX. Sólo cristalizaría con los rasgos que hoy conocemos tras la Segunda Guerra Mundial y la labor pionera de Osamu Tezuka.

La tradición gráfica japonesa
Las primeras características del manga pueden encontrarse en el Chōjugiga (dibujos satíricos de animales), atribuidos a Toba no Sōjō (siglos XI-XII), del que apenas se conservan actualmente unos escasos ejemplares en blanco y negro.
Durante el período Edo, el ukiyo-e se desarrolló con vigor, y produjo las primeras narraciones remotamente comparables a los géneros actuales del manga, que van de la historia y el erotismo a la comedia y la crítica. Hokusai, una de sus figuras, implantaría el uso del vocablo manga en uno de sus libros, Hokusai Manga, recopilado a lo largo del siglo XIX. Otros dibujantes, como Gyonai Kawanabe, se destacaron también en este período artistico.

La prensa satírica de origen occidental (1862-)

Comparación de Charles Wirgman (arriba) y Kōtarō Nagahara (abajo) en 1897.
Durante el siglo XIX, en plena transición de la era feudal a la industrializada, los artistas occidentales se maravillaban del ukiyo-e, gracias a la exótica belleza que transmitía. Con todo, los inicios del manga moderno se debieron no sólo al esteticismo del arte del período Edo, sino a la expansión de la influencia cultural europea en Japón.

Fueron Charles Wirgman y George Bigot (ambos, críticos de la sociedad japonesa de su tiempo), quienes sentaron las bases para el desarrollo ulterior del manga. La revista británica Punch (1841) fue el modelo para la revista The Japan Punch (1862-87) de Wirgman, como lo había sido antes para otras revistas similares en otros países.

La expansión de las técnicas historietísticas europeas se tradujo en una producción lenta pero segura por parte de artistas autóctonos japoneses como Kiyochika Kayashi, Takeo Nagamatsu, Ippei Okomoto, Ichiro Suzuki y sobre todo Rakuten Kitazawa, cuya historieta Tagosaku to Mokube na Tokyo Kenbutsu 『田吾作と杢兵衛の東京見物』 es considerada como el primer manga de la era moderna. Todos ellos oficiaron de pioneros, difundiendo su obra a través de publicaciones como Tokyo Puck (1905), aunque, igual que en Europa, el uso de globos de diálogo que ya era habitual en la prensa estadounidense desde The Yellow Kid (1894) todavía no se había generalizado. Simultáneamente, desde 1915 se empezó a ensayar la adaptación del manga a la animación, lo que más tarde devendría en el surgimiento del anime.

Los primeros mangas infantiles (1923)

Manga anónimo (1912-1926).
Los años 1920 y 1930 fueron muy halagüeños, con la aparición y triunfo del kodomo manga (historietas infantiles), como Las aventuras de Shochan(1923) de Shousei Oda/Tofujin y Los Tres Mosqueteros con botas en la cabeza (1930) de Taisei Makino/Suimei Imoto.

Finalmente, el uso de globos de diálogo se implantaría con series como Speed Taro (1930-33) de Sako Shishido, Ogon Bat (1930, un primer superhéroe) de Ichiro Suzaki/Takeo Nagamatsu y Las aventuras de Dankichi (1934), de Keizo Shimada, así como la tira cómica Fuku-Chan (1936-), de Ryuichi Yokohama.[5] Para entonces, habían surgido historietas bélicas como Norakuro (1931-41) de Suihou Tagawa, ya que el manga sufría la influencia de las políticas militaristas que preludiaban la Segunda Guerra Mundial, durante la cual fue usado con fines propagandísticos. En 1945, las autoridades de ocupación estadounidenses prohibieron de manera generalizada este género.

Nacimiento del manga moderno (1945)
Tras su rendición incondicional, Japón entraría en una nueva era. El entretenimiento emergió como industria respondiendo a la necesidad psicológica de evasión ante una cruda posguerra. La falta de recursos de la población en general requería de medios baratos de entretenimiento, y la industria tokiota de mangas basados en revistas vio surgir competidores. Apareció así el Kamishibai, una especie de leyendas de ciego, que recorría los pueblos ofreciendo su espectáculo a cambio de la compra de caramelos. El Kamishibai no competía con las revistas, pero sí otros dos nuevos sistemas de distribución centrados en Osaka:
Las bibliotecas de pago, que llegaron a constituir una red de 30.000 centros de préstamo que producía sus propios mangas en forma de revistas o tomos de 150 páginas.
Los libros rojos, tomos de unas doscientas páginas de papel de baja calidad en blanco y negro, cuyo rasgo característico eran sus portadas en color rojo y su bajo precio. Esta industria pagaba a sus artistas sueldos próximos a la miseria, pero a cambio les otorgaba una amplia libertad creativa.
Osamu Tezuka, un estudiante de medicina veinteañero apasionado de los dibujos animados de Fleischer y Disney, cambiaría la faz de la historieta nipona con su primer libro rojo: La nueva isla del tesoro, que vendió de súbito entre 400.000 y 800.000 ejemplares, gracias a la aplicación a la historia de un estilo cinematográfico que descomponía los movimientos en varias viñetas y combinaba este dinamismo con abundantes efectos sonoros.

El éxito de Tezuka lo llevó a las revistas de Tokio, particularmente a la nueva Manga Shōnen (1947) que fue la primera revista infantil dedicada en exclusiva al manga, y en la que Tezuka publicó Astroboy. En estas revistas impuso su esquema de epopeya en forma de serie de relatos y diversificó su producción en múltiples géneros, de los que destacan sus adaptaciones literarias y el manga para chicas o shōjo manga. A mediados de los 50, Tezuka se trasladó a un edificio de la capital llamado Tokiwasi, al que peregrinarían los nuevos autores. Hay espacio, sin embargo, para autores como Machiko Hasegawa, creadora de la tira cómica Sazae-san (1946-74), Kon Shimizu o Shigeru Sugiura con un grafismo muy diferente, nada disneyano.

Un año después, Shōnen desapareció y los libros rojos agonizaron. Entre ambos, y por obra de Osamu Tezuka, habían puesto los pilares de la industria del manga y anime contemporáneos.

El auge del manga (1959-)

Leiji Matsumoto en 2008.
El triunfo de las revistas de manga acabó con el Kamishibai, y muchos de sus autores se refugiaron en el sistema de bibliotecas. Las revistas de manga eran todas infantiles, y las bibliotecas encontraron su nicho creando un manga orientado hacia un público más adulto: el gekiga. Abandonaron el estilo de Disney por otro más realista y fotográfico y se abrieron a nuevos géneros más violentos, escatológicos o sensuales como el horror, las historias de samuráis, los mangas sobre yakuzas, el erotismo, etc. Entre ellos cabe destacar a Sanpei Shirato que en 1964 patrocinaría la única revista underground de la historia del manga, Garo. La competencia en el terreno gráfico del gekiga obligó a las revistas a reducir la presencia del texto, aumentando el número de páginas y el tamaño para mejorar su visión.

Con el comienzo del auge económico, el pueblo nipón exigía más manga. En respuesta, una de las principales editoras de libros, Kōdansha, se introdujo en 1959 en el mercado de revistas. Su título Shōnen Magazine cambió la pauta de periodicidad mensual a semanal, multiplicando la producción e imponiendo a los autores el estajanovismo, aunque esta vez con sueldos millonarios. Pronto, otros grupos editores como Shueisha, Shōgakukan o Futabasha se le unirían. Este sistema de producción sacrificaba el color, la calidad del papel y la sofisticación temática, llevándose también de paso la crítica política, pero aumentaría vertiginosamente las ventas hasta cifras astronómicas y con ellas los beneficios empresariales, convirtiendo al manga en el medio de comunicación más importante del país.

Otros importantes autores de estos años son Fujio Akatsuka, Tetsuya Chiba, Fujiko F. Fujio, Riyoko Ikeda, Kazuo Koike, Leiji Matsumoto, Shigeru Mizuki, Gō Nagai, Keiji Nakazawa, Monkey Punch y Takao Saito.

La expansión internacional (década de 1990)

Fanservice y los temas sexuales comenzaron a dominar manga durante los años 80.
En 1988, gracias al éxito de la versión cinematográfica de Akira, basada en el manga homónimo del dibujante Katsuhiro Otomo, publicado en 1982 en la revista Young Magazine de la editorial Kōdansha, el manga empezó a difundirse internaciónalmente a escalas jamás antes soñadas. Ciertamente, el gran éxito de esta película en Occidente no fue algo que se forjara de la noche a la mañana. Ya en los años 60, Osamu Tezuka había vendido los derechos de emisión de su primer Astro Boy a la cadena estadounidense NBC consiguiendo un éxito bastante notable entre la audiencia infantil. Posteriormente, se sucedieron las series de animación Mazinger Z, Great Mazinger o Grendizer, siendo esta última un estallido mediático en Francia, donde se la conocería como Goldorak. Todas ellas se basaban en las historietas del mangaka Gō Nagai, actual magnate de un imperio de distribución editorial. En la década de 1980, empezaron a destacarse series de otra índole, como The Super Dimension Fortress Macross, conocida en Occidente por Robotech, la revisión de Osamu Tezuka de Astroboy pero en esta ocasión vuelta a filmar en color y con aires más modernos. A ésta se sumó la saga épica Gundam, sólo superada en temporadas y episodios por la serie de animación estadounidense Los Simpson de Matt Groening.

Otro de los autores más relevantes en este apogeo mediático de finales de los ochenta y principios de los noventa, fue el mangaka Akira Toriyama, creador de las famosas series Dragon Ball y Dr. Slump, ambas caracterizadas por un humor picante, irreverente y absurdo. Tal fue el éxito de estas dos obras que en algunos países europeos llegaron a desbancar de las listas de ventas al cómic estadounidense y naciónal durante bastantes años. Este fenómeno fue más marcado en España, donde Dragon Ball vendió tantos ejemplares que se la considera la historieta de origen extranjero más vendida de la historia. En el propio Japón, la revista Shōnen Jump —en momentos puntuales, especialmente durante algunas semanas que coincidía con episodios decisivos de la serie Dragon Ball— llegó a aumentar su tirada semanal en 6 millones de ejemplares.

Otros importantes autores de estos años son Tsukasa Hōjō, Ryōichi Ikegami, Masakazu Katsura, Masamune Shirow, Yuzo Takada, Rumiko Takahashi, CLAMP, Jirō Taniguchi,Eiichirō Oda o Masashi KishimotoMasami Kurumada.

Exportaciones
Cuando se comenzaron a traducir algunos títulos de manga, se les añadía color y se invertía el formato en un proceso conocido como «flopping» para que pudieran ser leídos a la manera occidental, es decir de izquierda a derecha, también conocido como «espejado». Sin embargo, varios creadores (como Akira Toriyama), no aprobaron que sus trabajos fueran modificados de esa forma, ya que se perdía la esencia de la imagen y el encuadre original, y exigieron que mantuvieran el formato original. Pronto, como consecuencia de la demanda de los fanáticos y la exigencia de los creadores, la mayoría de las editoriales comenzó a ofrecer el formato original de derecha a izquierda, que ha llegado a convertirse en un estándar para los lectores de manga fuera de Japón. También es frecuente que las traducciones incluyan notas de detalles acerca de la cultura del Japón que no resultan familiares a las audiencias extranjeras y que facilitan el entendimiento de las publicaciones.
Cantidad de mangas han sido traducidos a un sinnúmero de idiomas y vendidos en diferentes países e incluso han surgido grandes casas editoriales fuera de Japón como la estadounidense VIZ Media y la francesa Glénat. Los mercados que importan más manga son Francia (siendo este país el segundo del mundo en edición de cómics de origen japonés por detrás solamente del mismo Japón), los Estados Unidos, España y el Reino Unido. La mayor parte de las traducciones al castellano del manga se hacen en México.

Francia sobresale por poseer un mercado sumamente variado a lo que manga se refiere. Muchos trabajos publicados en Francia caen en géneros que usualmente no tienen mucho mercado en otros países fuera de Japón, como el drama orientado a adultos o los trabajos experimentales y alternativos. Artistas como Jirō Taniguchi que resultaban desconocido para la mayor parte de los países occidentales ha recibido mucho predicamiento en Francia. La diversidad de manga en Francia se debe en gran parte a que este país tiene un mercado de historietas conocido como franco-belga muy bien establecido. En el sentido contrario, autores franceses, como Jean Giraud se han quejado de «el manga llega a Europa, pero el cómic europeo no va a Japón».[6]

La compañía TOKYOPOP, se ha dado a conocer en los Estados Unidos acreditándose el auge en ventas de manga, particularmente para un público de chicas adolescentes. Muchos críticos coinciden en que sus publicaciones agresivas hacen énfasis en la cantidad sobre la calidad siendo responsables de algunas traducciones que aparentan baja calidad.

Aunque el mercado de historietas en Alemania resulta pequeño en comparación con otros países de Europa, el manga ha favorecido cierto auge de las mismas. Luego de un imprevisto comienzo temprano en los años 1990, el movimiento manga tomo velocidad con la publicación de Dragon Ball en 1997. Hoy, el manga mantiene un 75 a 80% de las ventas de historietas publicadas en Alemania, con las mujeres sobrepasando como lectoras a los varones.

La compañía Chuang Yi publica manga en inglés y chino en Singapur; algunos de los títulos de Chuang Yi son importados a Australia y Nueva Zelanda.

En Corea, se puede encontrar manga en la mayoría de las librerías. Sin embargo, es común la práctica de leer manga «en línea» ya que resulta más económico que una versión impresa. Casas editoriales como Daiwon y Seoul Munhwasa publican la mayor parte del manga en Corea.

En Tailandia antes de 1992-1995 la mayoría del manga disponible salía de forma rápida, sin licencia, de baja calidad. Recientemente, las traducciones licenciadas han comenzado a aparecer, pero continúan siendo baratas comparadas con otros países. Entre las editoriales de manga en Tailandia se encuentran Vibunkij, Siam Inter Comics, Nation Edutainment y Bongkouh.

En Indonesia, se ha producido un crecimiento rápido en las industrias de este tipo, hasta convertidrse en uno de los mercados más grandes de manga fuera de Japón. El manga en Indonesia es publicado por Elex Media Komputindo, Acolyte, Gramedia.

Influencia fuera de Japón
La influencia del manga es muy destacable en la industria de historietas original de casi todos los países del Extremo Oriente e Indonesia. Al día de hoy el manga también se ha consolidado en la sociedad occidental debido al éxito cosechado durante las décadas pasadas, dejando de ser algo exclusivo de un país para constituirse en un fenómeno comercial y cultural global, en competencia directa con la hegemonía narrativa estadounidense y europea.

El ejemplo más claro de la influencia internaciónal del manga se encuentra en el denominado amerimanga, es decir, el conjunto de artistas fuera del Japón que han creado historietas bajo la influencia del manga y el anime japonés pero para un público estadounidense. Y es que el manga se ha vuelto tan popular que muchas compañías fuera del Japón han lanzado sus propios títulos basados en el manga como Antarctic Press, Oni Press, Seven Seas Entertainment, TOKYOPOP e incluso Archie Comics que mantienen el mismo tipo de historia y estilo que los mangas originales. El primero de estos títulos salió al mercado en 1985 cuando Benn Dunn, fundador de Antartic Press, lanzó Magazine y Ninja High School. Artistas como los estadounidenses Brian Wood (Demo) y Becky Cloonan así como el canadiense Bryan Lee O'Malley (Lost At Sea) están en gran parte influenciados por el estilo de manga comercial y han sido alabados por sus trabajos fuera del círculo de fanáticos de manga y anime. Mientras que Antarctic Press se refería a sus trabajos como «amerimanga», no todos estos trabajos inspirados en el manga son creados por estadounidenses. Muchos de estos artistas que trabajan en Seven Seas Entertainment en series como Last Hope o Amazing Agent Luna son de origen filipino y TOKYOPOP tiene una gran variedad de artistas coreanos y japoneses en algunos de sus títulos como Warcraft y Princesa Ai. Otros artistas estadounidenses con influencia del manga en algunas de sus obras son Frank Miller, Scott McCloud y sobre todo Paul Pop. Este último trabajó en Japón para Kōdansha en la antología de manga Afternoon y luego de ser despedido (debido a un cambio editorial en Kodansha) continuó con las ideas que había desarrollado para la antología, publicando en los Estados Unidos bajo el nombre de Heavy Liquid. Su trabajo contiene, por tanto, una gran influencia del manga sin las influencias internaciónales de la cultura otaku. En el otro sentido, la editorial estadounidense Marvel Comics llegó a contratar al mangaka japonés Kia Asamiya para una de sus series bandera, Uncanny X-Men.

En Francia existe el movimiento llamado «La nouvelle manga» iniciado por Frédéric Boilet, que trata de combinar la sofisticación madura del manga con el estilo artístico de las historietas franco-belgas. Mientras que el movimiento envuelve a artistas japoneses, un puñado de artistas franceses han adoptado la idea de Boilet.

En España, y en el resto de Europa de hecho se está desarrolando actualmente a marchas forzadas los «mangakas» españoles. De hecho editoriales extranjeras están buscando a mangakas españoles para la publicación de mangas en sus respectivos países. Ejemplos como Sebastián Riera, Desireé Martínez, Studio Kôsen, y muchos otros están consiguiendo poco a poco posicionar este nuevo manga, llamado Iberomanga, o Euromanga, cuando engloba a los autores que se están dando a conocer en Europa. Además, existen muchos artistas aficionados que son influidos exclusivamente por el estilo del manga. Muchos de estos artistas se han vuelto muy populares haciendo pequeñas publicaciones de historietas y mangas utilizando mayormente Internet para dar a conocer sus trabajos.

Sin embargo, lo más importante de todo es que gracias a la irrupción del manga en Occidente, la población juvenil de estas regiones ha vuelto a interesarse masivamente por la Historieta como medio, algo que no sucedía desde la implantación de otras formas de ocio como la TV.

La industria del manga

Tienda manga en Japón.
El manga en Japón es un auténtico fenómeno de masas. Un único dato sirve para ilustrar la magnitud de este fenómeno: En 1989, el 38% de todos los libros y revistas publicados en Japón eran de manga.

Como se puede suponer por esta cifra, el manga no es sólo cosa de jóvenes. En Japón hay manga para todas las edades, profesiones y estratos sociales, incluyendo amo/as de casa, oficinistas, adolescentes, obreros, etc. El manga erótico y pornográfico (hentai) supone una cuarta parte de las ventas totales.

Publicaciones
Y en cuanto a las revistas de manga, conocidas también como «revistas manga» o «revistas antológicas», hay que decir que sus tiradas son espectaculares: Al menos diez de ellas pasan del millón de ejemplares semanales. Shōnen Jump es la revista más vendida, con 6 millones de ejemplares cada semana. Shōnen Magazine le sigue con 4 millones. Otras conocidas revistas de manga son Shōnen Sunday,Big Comic Original, shonen gangan,Ribon, Nakayoshi, Young Animal, Shojo Beat y Lala.

Las revistas de manga son publicaciones semanales o mensuales de entre 200 y 900 páginas en las que concurren muchas series distintas que constan a su vez de entre 20 a 40 páginas por número. Estas revistas suelen estar impresas en papel de baja calidad y en blanco y negro con excepción de la portada y usualmente algunas páginas del comienzo. También contienen varias historietas de cuatro viñetas.

Si las series mangas resultan ser exitosas se publican durante varios años. Sus capítulos pueden ser recogidos en tomos de unas 200 páginas conocidos como tankōbon, que recopilan 10 u 11 capítulos que aparecieron antes en revista. El papel y las tintas son de mejor calidad, y quien haya sido atraído por una historia concreta de la revista la comprará cuando salga a la venta en forma de tankōbon. Recientemente han sido impresas versiones «de lujo» para aquellos lectores que buscan un impreso de mayor calidad y que buscan algo especial.

De forma orientativa, las revistas cuestan en torno a 200 o 300 yenes (algo menos de 2 o 3 euros) y los tankōbon cuestan unos 400 yenes (3,50 euros).

Otra variante que ha surgido por la proliferación del intercambio de archivos a través del Internet es el formato digital que permite la lectura en un computador o similar; denominándose e-comic. Los formatos más comúnmente usados para ello son el .cbr y .cbz, que realmente son archivos comprimidos (en rar y en zip, respectivamente) con imágenes en formatos comunes (jpeg y gif sobre todo) en su interior. También se suelen distribuir como imágenes sueltas o también en formato pdf o lit.

Tipología
Segmento de población
Es habitual que los aficionados al manga, en lugar de usar clasificaciones por género, clasifiquen las historietas en función del segmento de población al que se dirigen. Para ello usan términos nipones como los siguientes:
Kodomo manga, dirigido a niños pequeños;
Shōnen manga, a chicos adolescentes;
Shōjo manga, a chicas adolescentes;
Seinen manga, a hombres jóvenes y adultos.
Josei manga, a mujeres jóvenes y adultas.
Géneros
Artículo principal: Géneros de historieta
La clasificación de los mangas por género se vuelve extremadamente ardua, dada la riqueza de la producción nipona, en la que una misma serie puede abarcar varios géneros y mutar además a lo largo del tiempo. De ahí que la clasificación por segmento de población sea mucho más frecuente. El aficionado occidental al manga usa, sin embargo, algunos términos nipones que permiten designar a algunos de los subgéneros -que no géneros- más específicos, y que no tienen un equivalente preciso en castellano. Son los siguientes:

Mahō Shōjo: Niñas o chicas que tienen algún objeto mágico o poder especial.
Yuri: Historia de amor entre chicas.
Yaoi: Historia de amor entre chicos.
Harem: Grupo femenino, pero con algún chico como co-protagonista.
Sentai o Super Sentai: La acción se reparte entre 3-5 protagonistas.
Mecha: Robots gigantes, tripulados por humanos.
Hentai: Pornografía.
Ecchi: De corte humorístico con contenido erótico.
Jidaimono: Ambientado en el Japón feudal.
Referencias
↑ Los Mundos Manga
↑ Cómo se hace un cómic: El arte invisible, pág. 51-52 y 63, de Scott McCloud. Ediciones B. Barcelona, 1995.
↑ Cómo se hace un cómic: El arte invisible, pág. 53, de Scott McCloud. Ediciones B. Barcelona, 1995.
↑ Pág. 86 a 92 en El arte invisible.
↑ Mangavisión: Guía del cómic japonés, pág. 19-26, por Trajano Bermúdez en Ediciones Glénat, 1995
↑ «El 'manga' es una plaga», entrevista al autor realizada por Israel Punzano para El País, Barcelona, 15/11/2009.
Bibliografía recomendada
Berndt, Jacqueline. (2001). El fenómeno manga. «Colección Fontana práctica». Editorial Martínez Roca. Madrid, España. ISBN 84-270-2157-7.
Manga manía (Fascículos). (2004). Treinta y cinco volúmenes. Editorial Europea de Promoción y Fomento. Barcelona, España. ISBN 84-920786-0-X.
Bermúdez, Trajano. Mangavisión, guía del cómic japonés, Editorial Glénat (Biblioteca del Dr. Vértigo n.º 1).
Moliné, Alfonso. El gran libro de los manga, Colección Viñetas, Editorial Glénat. 280 páginas. ISBN 978-84-8449-279-5
Revistas especializadas mensuales y bimestrales, a destacar Minami y Animedia, de Ares Informática.
Gravett, Paul. Manga: 60 Years of Japanese Comics. Nueva York: Collins Design, 2004. ISBN 1-85669-391-0.
Schodt, Frederik L. Dreamland Japan: Writings on Modern Manga. Berkeley, Calif.: Stone Bridge Press, 1996. ISBN 1-880656-23-X.
Schodt, Frederik L. Manga! Manga!: The World of Japanese Comics. Nueva York: Kodansha International, 1983. ISBN 870117521, ISBN 4-7700-2305-7.
Estudio Phoenix. (2001). Cómo dibujar manga. Ediciones Martínez Roca. Madrid, España. ISBN 84-270-2338-3.
Cámara, Sergi. Durán, Vanessa. El Dibujo Manga. Parramón Ediciones. Barcelona, España, 2006. ISBN 978-84-342-2319-6.
Véase también
Portal:Anime y Manga. Contenido relacionado con Anime y Manga.
Artículos relacionados con manga
Lista de manga publicado en español
Anexo:Glosario de anime y manga
Revistas manga
Revistas sobre manga
Manga alternativo
Cultura de Japón
Cultura otaku
Omake
Oekaki
Kaoani
Mangaka
Tankōbon
Dōjinshi, manga hecho por aficionados.
Moé (también mahō kanojo o novias mágicas)
Enlaces externos
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Wikilibros

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Una revista, magazine (por su denominación en inglés) o magacín es una publicación periódica, generalmente financiada por publicidad o por los lectores, que es editada por años y en los que se entregan datos útiles sobre el clima, las comunicaciones, la población y otros temas informativos y en algunas ocasiones prosa literaria y poemas de breve extensión. Su finalidad es amenizar el ocio de los lectores, y entretener en algunos casos, dependiendo del tipo de revista.
Historia
La historia de la revista comienza con la aparición de publicaciones periódicas que no fueran solamente informativas, en forma de almanaques.
Las primeras revistas reunían una gran variedad de material que era de interés para los lectores. Una de las primeras fue una publicación alemana: "Erbauliche Monaths-Unterredungen" (Discusiones Mensuales Edificantes), que apareció entre los años 1663 y 1668. Pronto surgieron otras revistas que se fueron conociendo periódicamente en otros países como: Francia, Inglaterra e Italia; para la década de 1670 se dieron a conocer al público algunas más, ligeras y divertidas. La más conocida de todas ellas en esa época fue "Le Mercure Galant", que se conoció en el año de 1672, que más tarde se cambió de nombre a: "Mercure de France". A comienzos de siglo XVIII Joseph Addison y Richard Steele crearon "The Tatler" (1709-1711), la cual aparecía tres veces por semana. La Enciclopedia Británica las define como: “una colección de textos (ensayos, artículos, reportajes, poemas), muchas veces ilustradas". [1]

La publicación de revistas se fue consolidando como actividad altamente rentable en todo el planeta. Debido a la gran expansión de la televisión y los medios audiovisuales.

Es importante señalar que las revistas tuvieron un surgimiento similar al de los periódicos, hoy en día es uno de los medios escritos más vendidos y utilizados.

Publicación
Se compone de una variedad de artículos sobre varios temas o alguno en específico. Producida habitualmente por una editorial, su periodicidad puede ser, generalmente, semanal, bisemanal, quincenal, mensual o bimestral, y el formato puede ser a todo color y/o a blanco y negro,aunque es más común ver la revista a color. Se enlistan como partes de una revista: volanta, título, bajada, cuerpo, fotografía referencias, infografía/gráficos y columna.
Tipos

Revistas.
En la actualidad se conocen muchos tipos de revistas, las cuales sirven a audiencias diversas desde infantiles hasta adultas. Entre los tipos de revistas se señalan las especializadas en algún tema en particular: cristianas, juveniles, para niños, para segmentos, o especializadas en cocina, deportes, o algún otro tema de interés, como lo son las revistas culturales, políticas, científicas o literarias.

Las revistas se clasifican en:

Especializadas
Informativas.
De entretenimiento.
Científicas.
Revistas en Internet
Este tipo de ediciones son comúnmente basadas en las ediciones publicadas en papel. La tecnología hace que estas revistas puedan tener diseños más atractivos así como múltiples funciones que ayudan a tener una mayor interacción con los lectores. Es una de las opciones desarrollada por la tecnología y forma parte de un nuevo periodismo.

Una de las revistas decanas en la web es La Guirnalda Polar (1996 a la fecha), que por cierto, en discusión con el grupo de Español Urgente, de la agencia de Noticias EFE, acuñó el término "redvista" para las publicaciones de este tipo en Internet.

En 2002, el grupo editorial Hachette Filipacchi comenzó con la digitalización de sus revistas. Tendencia a la que se unieron el resto de los principales grupos editoriales, como RBA Revistas, G+J, Grupo Zeta y la popular ¡HOLA!.

A medida que fue creciendo la penetración de internet en España, según Estudio General de Medios, las editoriales vieron la posibilidad de monetizar su audiencia mediante la inserción de publicidad en Internet y de acuerdos de comercio electrónico.

Revistas en Internet por Boletines de Correo Electrónico
Este tipo es muy atractivo, por que permite a los lectores recibir las nuevas publicaciones sin necesidad de visitar la web. Este es una forma alternativa al tipo de revista publicada en papel que llegaba a nuestros buzones por correo normal. Muchos sitios web le dan gran importancia a la edición de sus boletines por que les permite a sus adeptos estar muy pendiente del sitio web. Lo interesante de este tipo de publicaciones es que pueden tener un tiempo no exacto entre publicaciones, pueden ser de algunos días a semanas, pero esto les permite quitar presión de finalizar un boletín en una fecha dada. Unos tipos de esta revistas llamadas boletines electrónicos es:
Revista Fin del Mundo
eboletin
El Eter
Yahoo Boletines
El Mundo
El opositor
Alma Magazine
(http://www.mujerlatina.info Revista Mujer Latina Japón)
Véase también
Libertad de expresión
Libertad de prensa
Periodismo
Reporteros sin fronteras
Kiosco de prensa
Referencias
↑ «¿Cuándo surgió la primera revista del mundo?». netMag.com.mx. Consultado el 7 de abril de 2008.
Enlaces externos
Revista Benchmark Es una Revista online gratuita dedicada al Benchmarking y a la dirección de empresas.
ZineWiki es una wiki dedicada a Zines, fanzines, pequeñas publicaciones y medios independientes. (de la wikipedia en inglés).
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Revista"

superhero

2010-04-04T16:56:00.000-07:00

superheroes dc comics parte 2

2010-03-13T12:39:00.001-08:00

superheroes dc comics

2010-03-13T12:35:00.001-08:00

recordando al gran xavier cugat y orquesta

2010-01-28T17:08:00.000-08:00

" height="344">

http://www.youtube.com/watch?v=QB-dgS1uff4

Cómo tener tu propia revista digital

2010-01-19T09:14:00.000-08:00

Cómo tener tu propia revista digital
En el mundo competitivo, donde tus clientes son bombardeados por la competencia, hay que emplear herramientas y estrategias que nos permitan interactuar, competir y enamorar a nuestros clientes. Este es el caso de las revistas digitales...
Cómo tener tu propia revista digital
Existen dos tipos de boletines. El impreso, que se envía por correo postal a nuestros clientes, y el electrónico, que se envía por correo electrónico. Ambos son estrategias poderosas que harán que la competencia te odie si las usas del modo apropiado. Empecemos por el impreso…

Boletín impreso

De antemano, si piensas que hay que invertir miles de dólares para elaborar un boletín impreso, te equivocas. Mi directora de ventas, allá por el 2001, nos enviaba un boletín impreso todos los meses.

Nos informaba de los productos nuevos que iban a salir, nos motivaba con premios y reconocimientos a las vendedoras estrella y además nos empujaba a vender más y mejor para que ganáramos grandes cantidades de dinero.

No era un boletín 5 estrellas. Eran unas simples páginas 8 x 11 hechas a computadora. Cuando llegaba no me fijaba en la calidad, ya que el contenido era excelente y ver mi nombre escrito en él me emocionaba.

¡Puedes hacer lo mismo! A través de tus boletines puedes escribir artículos o compartirlos de otras fuentes, enviar recomendaciones, mantener a tus clientes informados de especiales y descuentos, pedir más clientes a través de otros, usar cupones, etcétera.

La imaginación vuela… El objetivo es estar en continuo contacto con tus clientes. Además, si es de interés y si recurres a la personalización, tus clientes lo compartirán.

Algunos ejemplos:

Agentes de bienes raíces

Puedes enviarles sugerencias a tus clientes actuales sobre cómo darle mantenimiento a su hogar, sugerencias de decoración (puedes aliarte a un decorador de hogares), sugerencias de finanzas y noticias de nuevos hogares, y también pedirles que corran la voz de tus servicios a cambio de una comisión.

Empresas de servicios

Si te dedicas a vender servicios, puedes mantenerlos informados de los servicios nuevos, testimonios, sugerencias, ideas de cómo economizar recursos…

Todo bajo la temática de tus servicios. El objetivo es presentarte como un experto en el tema y estar al frente del cliente todo el tiempo.

Empresa vendedora de productos

Igual que las mencionadas. Aquí puedes incluir descuentos y cupones para imprimir canjeables en tu local, etcétera.

Costos

El costo es mínimo. Solo el sello para enviar y los gastos de imprenta, que puedes reducir al mínimo si lo haces en tu computador. También puedes pagarle a un asistente virtual o a una persona con experiencia. Solo le pagas por un trabajo sin tener que invertir en un empleado.

La estrategia que utilizo (no necesitas página web)

Boletín electrónico

Otra estrategia útil es el boletín electrónico. Quiero destacar que no hace falta tener una página web para crear un boletín. Si te dedicas a reunir los correos electrónicos de los clientes que visitan tu local, puedes mantener el contacto directo por Internet.

A través de este boletín puedes informarlos escribiendo artículos o compartiéndolos de otras fuentes, enviándoles recomendaciones, compartiendo tus logros, etcétera.

Por ejemplo: si vendes productos puedes enviarle un boletín quincenal o mensual sobre testimonios de clientes satisfechos, artículos relacionados a la temática de tu negocio, venta de productos complementarios, cupones para imprimir y llevarlos a tu tienda local o cupones electrónicos para canjear en la próxima compra en tu portal.

¿Qué te impide crear uno?

¿Tiempo? ¿Quién lo tiene? Pero alguien tiene que hacerlo. Recuerda, energía invertida en un área es energía alejada de otra. Verifica tu tiempo para que veas que encontrarás áreas que no son tan importantes o que puedes delegar.

¿Escribir? Yo escribo como hablo y mi español no es el mejor. Por supuesto, para eso cuento con una correctora de textos que se asegure de que no haya errores ortográficos.

Recuerda, al cliente no le importa quién eres. A nadie le importa quién soy. Todos somos criaturas «egoístas». Lo que nos importa es saber qué hay para nosotros.

En otras palabras, «¿Qué hay para mí que me dé tiempo y dinero?». Construye tu boletín de acuerdo con esa pregunta.

Advertencia

Algunas sugerencias para lograr ser conocido y que los clientes esperen fielmente tu boletín.

Frecuencia

El envío de correos electrónicos a tu lista es un permiso que te otorgan tus lectores. No abuses de este privilegio bombardeándolos con correos.

En mi caso envío el boletín semanal, otros prefieren enviarlo quincenal y otros mensual. Si pretendes que el lapso de tiempo sea mayor a un mes, ni lo intentes.

Si vendes productos la frecuencia podría ser semanal, quincenal o mensual. Cada mensaje tiene que suponer un beneficio para tu lector. Si no tienes nada que decir que los beneficie, recurre a la frecuencia mensual. Aplica lo mismo si vendes servicios.

Opción para darse de baja

En tu correo de bienvenida ofrece la opción para darse de baja. Esta tiene que ser clara y directa. Igualmente cuando envíes tu boletín esta opción tiene que estar presente todo el tiempo.

Hazles el trabajo fácil, porque oprimirán en el botón de SPAM si no pueden borrarse.

Estadísticas

Tienes que medir tus resultados para saber si estás haciendo un buen trabajo. Según las estadísticas del programa que utilizo, un 37.0% de apertura (porcentaje de los que reciben el correo y lo abren) es normal. Si es muy bajo es que estás haciendo algo mal.

Otra estadística es el porcentaje de clics dentro del boletín. Según las estadísticas un 8.9% es la norma. Para subir tus estadísticas haz lo siguiente…

Porcentaje de apertura

El título es un factor importante. Muchos dicen que escribir un título impresionante aumenta el porcentaje de apertura. Estoy en desacuerdo. Mi título siempre ha sido «Esta semana en MercadeoBrillante.com». Llevo publicándolo cuatro meses y mi porcentaje de apertura es de un 55.3%.

Lo que hago es que en cada correo electrónico de bienvenida les dejo saber cuándo recibirán su boletín, y su título. Como tiene el nombre de mi empresa, el lector sabe que viene de mí, y eso aumenta los clics.

Por otra parte, el contenido es útil para los lectores. Si escribo solo sobre mí y poco para ellos, el porcentaje bajará a medida que pase el tiempo.

Porcentaje de clics

Del 55.3% de los lectores que abren el boletín, el 53.7% oprimen en los enlaces. Nuevamente el contenido es la clave.

Yo no quiero que los lectores lean los artículos en el boletín. Quiero que visiten mi portal y por eso incluyo un resumen del artículo con enlace al portal. Esto me permite medir el contenido que más agrada para ir creando el calendario editorial. Si no mides, estás tirando al blanco a ciegas.

Para resumir este largo y educativo artículo

Los boletines son económicos y traen excelentes resultados si los empleas apropiadamente.

No abuses de ese privilegio y no te atrevas a compartir los correos electrónicos con terceras personas sin la autorización de tus lectores.

Olvídate de elaborar un boletín 5 estrellas. A medida que tus ingresos aumenten podrás invertir en mejor calidad. Por el momento, empieza hoy a abrir el túnel de la comunicación.
Por Diana Fontanez
www.mercadeobrillante.com

http://www.enplenitud.com/computacion/boletines.asp

Asi son las mujeres de jodidas....ESTA BUENISIMOO‏

2010-01-19T08:59:00.000-08:00

UNA BREVE CONVERSACION ......
Mujer: ¿Adonde vas?
Hombre: Salgo un ratito..
M: ¿Te llevas el auto?
H: Sip
M: ¿Tiene gasolina?
H: Si, ya le puse.
M: ¿Vas a tardar mucho?
H: No, una horita más o menos
M: ¿Adonde vas?
H: No sé... por ahí... solo a dar una vuelta..
M: Y... ¿no prefieres ir caminando?
H: No, me voy en el auto
M: ¿Me traes un helado?
H: ¿De qué lo quieres?
M: De mango
H: Bien, de regreso paso a la heladería y te lo traigo
M: ¡¿De regreso?!
H: ¡Si!... porque sino se derrite
M: ¿Por qué no vas ahora, vuelves y me lo dejas?
H: Mejor a la vuelta... va a ser mejor
M: ¡Uta... ma...!
H: Cuando vuelva tomamos el helado juntos
M: Pero no te gusta el mango
H: Me compro otro
M: ¡Trae de vainilla!
H: Tampoco me gusta la vainilla
M: ¡Trae de chocolate entonces!, que nos gusta a los dos
H: ¡Ok!... besos, vuelvo en un rato
M: ¡Oye...!
H: ¡¿Qué?!
M: Mejor chocolate no... ¡Trae fresa!
H: ¡No me gusta la fresa!
M: Entonces traeme mango a mí y tú el que quieras
H: Fué lo que dije desde el principio....
M: ¿Estas siendo irónico?
H: Oh!!! nop... ya me voy...
M: Dame un beso!
H: bueno... (beso)
M: ¿Vas en tu auto o en el mío?
H: En el mío
M: Usa el mío, tiene cd. El tuyo no...
H: No quiero oir música, voy a despejarme un poco....
M: ¿Necesitas despejarte?
H: ¡No sé!... Cuando regreso te digo..
M: ¡No tardes!
H: No tardo... (abre la puerta)
M: ¡Amor...!
H: ¡¿Y ahora qué?!.....
M: ¡Uuuyyy! ¡Que grosero!...
H: Amor... ¡Estoy intentando irme y no me dejas!
M: ¿Por qué quieres ir solo? ¿Te vas a encontrar con alguien?
H: ¡¿Qué quieres decir?!
M: ¡Nada, nada...! olvídalo...
H: ¡Ven acá! (cariñoso)... ¿Crees que te estoy engañando con alguien?
M: ¡No... claro que no!... pero ya sabes como son...
H: ¿Cómo son qué?
M: ¡Los hombres!
H: ¿Estás generalizando o estás hablando de mí?
M: Estoy generalizando
H: Entonces no me lo apliques. Sabes que no te haría algo así.
M: Está bien... vete entonces.
H: Ya! Ya! ya me fuí!!!!
M: Oye...
H: ¡AY POR DIOS!... ¡¿Qué?!
M: Llevate el celular....
H: ¿Para qué?... ¿Para que me estés llamando constantemente?
M: ¡No!... Por si pasa algo.
H: No te preocupes...
M: ¡Ok, ok...! Perdóname por la desconfianza... ¡Es que te extraño!
H: Está bien. No quise contestarte así. ¡Te amo!
M: ¡Yo también!
M: ¿Puedo usar tu celular?
H: ¿Para qué?
M: ..¡Los jueguitos!
H: ¿Quieres mi celular para jugar?
M: Sip
H: Usa la computadora, hay un montón de juegos ahí.
M: No entiendo ese aparato...
H: ¿Y para qué me hiciste que te la comprara el mes pasado?
M: No importa... entonces llevate el celular porque sino lo voy a usar.
H: Úsalo... no hay nada importante en él.
M: ¿Si?...
H: ¡Sí!
M: ¿Dónde esta?
H: ¿Que cosa?
M: ¡Lo que debería estar en el celular y no está!
H: ¡¿Qué?!
M: ¡Nada!... ¡Olvídalo!
H: ¿Estás enojada?
M: No, no estoy.
H: ¡...Entonces me voy!
M: ¡Amor....!
H: ¡¡¿¿QueeeeEEEEÉ!!??
M: ¡Ya no quiero helado!
H: ¡¿Ah no?!
M: ¡No!
H: (Un suspiro)... Ok...Ok.. Ya no voy a salir!
M: ¿Ah si?
H: ¡Sí!
M: ¿Entonces te quedas conmigo?
H: ¡No!, ¡Me aburriste!! me voy a dormir!
M: ¿Estás enojado?
H: ¡Sí!
M: ¿Y POR QUE MEJOR NO TE VAS A DAR UNA VUELTA PARA DESPEJARTE?

POR LA GRANDÍSIMA PU.......A!!!!!!!!!!!

las mujeres si joden

manda esto a todas las mujeres y hombres k konozcas para k se rian un ratiko
jajajajaja.... mujer que no "JO.." no es mujer!!!!
Marleny Zapata Valencia (marleny_zapata@yahoo.es)

JUSTICIA Y DERECHOS HUMANOS

2010-01-18T18:14:00.000-08:00

La Alianza Francesa de Lima y Amnistía Internacional Perú presentan el Ciclo de Cine “Justicia y Derechos Humanos” que será acompañado de conferencias que se llevarán a cabo después de cada película.

El ciclo se llevará a cabo del 25 el 28 de enero de 2010 en la Sala Lumière(s) de la Alianza Francesa de Lima sede central (Av. Arequipa 4595 en Miraflores). Las funciones son a las 7.00 p.m. y el ingreso es libre.

El programa es el siguiente:

· Lunes 25: presentación de la película “Stories on human rights” y conversatorio con el Presidente de Amnistía Internacional, Jorge Trefogli; y el Secretario Ejecutivo Adjunto De la Coordinadora Nacional de Derechos Humanos, Carlos Landeo.
· Martes 26: presentación de los cortometrajes “La justice des hommes” y “Le combat des juges” seguida por los comentarios de Mar Pérez y Ronald Gamarra de la Coordinadora Nacional de Derechos Humanos.
· Jueves 28: finaliza el ciclo con la proyección de la película “Un culpable ideal”.

Sinopsis

«Stories on Human Rights»
2008

Algunos de los más importantes productores y directores del cine mundial se unieron para celebrar el 60 aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, contribuyendo a la realización de la película Stories on Human Rigths (Historias de los Derechos Humanos).

Creada y producida por ART for the world, Stories on Human Rigths, utiliza el idioma universal del arte para contar historias sobre 6 personajes. Cada uno presenta ideas inscritas en la Declaración Universal como cultura, desarrollo, dignidad y justicia, medio ambiente, género y participación.

«La justice des hommes»

De Jean-Xavier de Lestrade. Francia, 2000, 55 min.

Para que, en toda parte del mundo, los pleitos sean justos y equitativos, la asociación Avocats sans frontières (Abogados sin fronteras) manda en misión a sus abogados.

Pero ¿Cómo defender lo que es indefendible, temas como el genocidio de Rwanda?

« Le combat des juges »
De Yves Billy. Francia, 2000, 52 min.
Historia de la creación y de la puesta del Tribunal Penal Internacional a través de las procederías penales previstas para la ex Yugoslavia y Rwanda.

«Un coupable ideal»

De Jean-Xavier de Lestrade. Francia, 2001, 110 min.

Un adolescente negro de unos quince años es acusado del asesinato de una turista blanca, en Jacksonville, Florida, en mayo del 2000. Su abogado combatirá los métodos, no siempre muy escrupulosos, de la policía local.

SE AGRADECE LA DIFUSIÓN DE ESTA INFORMACIÓN

video la loca

2010-01-14T08:49:00.000-08:00

es una mezcla de magia y striptease es divertido

los celulares son dañinos

2010-01-14T07:23:00.000-08:00

Pop Corn téléphone portable micro-ondes
Cargado por sassiere. - Las últimas noticias en video.

http://www.dailymotion.com/video/x5odhh_pop-corn-telephone-portable-microon_news
¡¡¡PARA LOS AMANTES DE LOS CELULARES!!:

ESPERO QUE ENTIENDAN Y APRENDAN LO QUE ES UN HORNO DE MICROONDAS TELEFÓNICO HOY LLAMADO CELULARES, PREGÚNTALE A UN NEURÓLOGO SERIO Y PROFESIONAL EL PORQUE DE UNOS AÑOS PARA ACÁ ESTA AUMENTANDO ALARMANTEMENTE Y FATALMENTE EN LAS ESTADÍSTICAS MUNDIALES LOS TUMORES CEREBRALES, SOBRE TODO EN LOS PAÍSES MAS DESARROLLADOS, TE LO DEJO DE TAREA PARA QUE CUIDES A TUS HIJOS, FAMILIARES Y SERES QUERIDOS DE ESTA PANDEMIA MUNDIAL.

SERA QUE LAS AUTORIDADES GUBERNAMENTALES LO OCULTARAN IGUAL QUE EN SU TIEMPO LO HICIERON CON LA PODEROSA INDUSTRIA TABACALERA EN RELACIÓN CON LOS AUMENTOS ALARMANTES DE CANCERES DE PULMÓN A NIVEL MUNDIAL, ASÍ COMO SE PROHIBIERON TAMBIÉN EN MUCHOS PAÍSES DESARROLLADOS LOS FAMOSOS HORNOS DE MICROONDAS…???? LO DUDO.

¡¡CHEQUEN ESTO!!!... OJO CON EL USO EXTREMO DE LOS CELULARES

Mira este video y sabrás que realmente el celular daña tu cerebro:

http://www.dailymotion.com/video/x5odhh_pop-corn-telephone-portable-microon_

Pasalo antes de que lo quiten de la red!
Y si aun asi no crees.... ¡¡haz tu mismo la prueba!!
Saludos

la pequeña compañia

2010-01-12T08:43:00.000-08:00

http://www.youtube.com/watch?v=mqFGpkrImNc
http://www.youtube.com/watch?v=mqFGpkrImNc&feature=related

piedad para los animales

2010-01-11T16:51:00.000-08:00

No es necesario ver el video entero pero con los 5 seg. del comienzo sabran de que se trata solo firmen al final.
AL MENOS YO NO FUI CAPAZ DE VER NI 10 SEGUNDOS.....
que pena...
Se necesitan 500 firmas. Pero 1º mira el video, porque luego SEGURO QUE FIRMARAS!!!
Atención,el video es EXTREMADAMENTE DRASTICO y CRUDO!!! PINCHA AQUI PARA VER ELVIDEO. SI TIENES CONCIENCIA APOYA LA CAUSA, DE LO CONTRARIO NO NOS INTERESAS (HAY QUE SER MUY PATA DE VACA PARA NO HACERLO).

http://www.petatv.com/tvpopup/video.asp?video=fur_farm&Player=wm&speed=_med

Si estas espantado por lo que acabáis de ver en el video, escribe tu nombre y apellido al final de la lista reenvíaselo a tus contactos.
Esta es una foto de una granja de pieles.
LES SACAN LA PIEL Y ELLOS TODAVIA VIVOS... AGONIZANDO.....ES MUCHO DOLOR PARA ESAS POBRES CRIATURAS
NI SIQUIERA LOS MATAN PARA SACARLE LA PIEL....

ES DEMACIADA BRUTALIDAD PARA ELLOS PON TE EN SU LUGAR
ASESINOs!!!!!!!!!!!!!!!!!!!Cuando la lista tenga 500 personas, por favor envíala a: PETA2@peta.org

la loca

2010-01-06T16:18:00.001-08:00

Este es un curioso y divertido video mezcla de magia y striptease a ver si se animan y lo practican

AYUDEMOS A GRINGA Y SUS HIJAS A ENCONTRAR UNA FAMILIA QUE LAS QUIERA

2010-01-05T10:40:00.000-08:00

Las cachorritas ya fueron adoptadas, pero Gringa aún espera por una familia.
Para adoptarla o ayudar con un hogar temporal comunicarse con:

YANINA RODRIGUEZ
3426439/ 997182069
Esta es GRINGA, una perrita de la calle y como una buena madre buscó un lugarcito dónde poder parir a sus dos hijitas y eligió el jardín de una calle cercana a la casa de Yanina. Ahora las hijitas de GRINGA necesitan un hogar donde les den protección y amor, pues están expuestas a muchos peligros si permanecen allí. Las cachorras son de tamaño mediano y unos tres meses aproximadamente, y Yanina se compromete a esterilizarlas apenas cumplan los 6 meses. GRINGA pronto será esterilizada y también necesita de una familia.
En esta navidad, dales ese bello regalo de que formen parte de tu hogar y a cambio recibirás un amor incondicional.

Si estás interesado en darles tu cariño, comunícate con YANINA RODRÍGUEZ al 3426439/ o al 997182069 o al correo yrd1506@hotmail.com
http://blog.pucp.edu.pe/item/82305

astroboy

2009-12-28T15:55:00.000-08:00

Ya hemos hablado bastante de Astro Boy, sin embargo, con la excusa del lanzamiento de un nuevo trailer, decidimos mencionar algunos detalles más que nos quedaron de la última vez que hablamos al respecto. Astro Boy será una película completamente hecha en CG por el estudio Imagi, dirigida por David Bowers y Timothy Harris. Además, se ha anunciado un videojuego basado en el filme que saldrá a fines de año para Nintendo Wii, DS, PSP y PlayStation 2.
Hace solo unos meses hablábamos de la película que estaba haciendo Imagi Studios, basada en el anime de 1952, Astro Boy. No, no se canceló ni nada parecido. Es más, sigue más viento en popa que nunca, al punto que mostraron un nuevo trailer en donde podemos ver muchos de los personajes que acompañarán a Astro Boy en la película dirigida por David Bowers y escrita por Timothy Harris.

Luego de tantas idas y vueltas sobre lo que podía tratar el filme, finalmente se confirmó que la trama girará alrededor del orígen de Astro Boy y cómo él acepta el hecho de ser el mejor robot jamás creado, mientras intenta escapar de un militar demente que lo quiere para su ejército y debe salvar a todos sus amigos que viven en su ciudad natal. Es más, también se muestra el robot que debe atraparlo, irónicamente llamado Peace Maker. A lo largo de la película hará un viaje de auto descubrimiento que también lo ayudará a conocer muchos personajes pintorescos que lo ayudarán en su aventura.
Como ya dijimos previamente, la película estará hecha completamente en CGI por Imagi Studios, la compañía japonesa que también hizo TMNT y la próxima a estrenarse, Gatchaman. Otra novedad respecto a la película es que tendrá su propio videojuego (qué raro, ¿verdad?) y saldrá a finales de 2009 para Nintendo Wii, PlayStation 2, PSP y DS. ¿Por qué no para el resto de las consolas? Pues porque desarrollar para consolas con menos poder es más económico y como seguramente no va a ser muy bueno, es mejor no gastar mucho dinero.

Ya no queda mucho más que decir sobre el filme, ya que todo lo que estaba en misterio fue develado. Solo queda esperar al estreno el 23 de octubre de 2009 y ver qué tan bien le irá a Astro Boy en el cine. ¿Podrá interesar a quienes no lo conocieron de chicos? Lo que sí sabemos es que, por ahora, esta parece una excelente manera de traer a este pequeño héroe al siglo XXI. ¿Tú opinión?

la muerte de superman

2009-12-27T10:58:00.000-08:00

superman vs doomsday

2009-12-27T10:52:00.002-08:00

superman vs doomsday

2009-12-27T10:52:00.001-08:00

superman vs doomsday

2009-12-27T10:52:00.000-08:00

Nuestro contrato 2010 - 2011

2009-12-23T17:27:00.000-08:00

RENOVACION DE CONTRATO PARA EL 2010‏
Nuestro Contrato del 2010
Después de una seria y cautelosa consideración,
Quiero notificarte que nuestro "Contrato de amistad"
Fue renovado por el año 2010 - 2011
Nunca desvalorices a nadie
Guarda a cada persona dentro de tu corazón
Porque un día podrás acordarte
Y percibir que perdiste un diamante
Cuando estabas muy ocupado(a) coleccionando piedras.
Manda este león
para todos los que no quieras perder en 2010,
incluyéndome a mí si te importo.
Intenta conseguir 12, ¡¡¡no es fácil!!!
UN ABRAZO PARA TODOS Y LOS MAYORES EXITOS.
"La vida es una Elecciòn"
FELIZ NAVIDAD Y PROSPERO AÑO 2010

dibujos de harry gamboa

2009-12-14T16:18:00.000-08:00

Este es un adelanto de un portafolio del artista peruano harry gamboa.
no copiar ni piratear please .
copyright/trademark

crisis en tierras infinitas

2009-12-12T14:37:00.000-08:00